KISS è un acronimo usato in progettazione, che sta per Keep It Simple, Stupid, ossia “rimani sul semplice, stupido”.
Vi dico una cosina.
Per “prendere foto semplici” non intendo che sia semplice scattarle o vederle. Anzi, spesso è l’opposto.
Per prendere foto semplici non intendo nemmeno che ritraggano un punto nero su fondo bianco.
La semplicità è togliere il superfluo. Distillare una scena per portarla alla sua essenza. Selezionare dalla complessità del mondo che ritraiamo, il fulcro di quella frazione di secondo.
Chiedetevi sempre perché state scattando, rimanete concentrati su quello che volevate dire, non date per scontate “faccende” che dalle vostre immagini non potrebbero mai essere dedotte, se non ampiamente spiegate da voi.
Non pensate a cosa potreste aggiungere per spiegarvi meglio, concentratevi piuttosto su ciò che potete rimuovere o sottrarre. Rimuovete dalle composizioni che scegliete tutto ciò che ostacolerebbe la lettura della foto, fondi sporchi, colori che distraggono, scritte fuorvianti…
Rimuovete scatti, evitate gli scatti a raffica (necessari solo in pochi casi e per generi fotografici specifici).
Togliete dall’attrezzatura che vi portate dietro, alleggeritevi, mollate a casa gli zaini da sherpa. Levate le immagini che esprimono concetti simili nello stesso portfolio.
Chiedetevi quali sono le immagini che realmente rappresentano al meglio il concetto che vorresti comunicare. Stai certo che circa il 90% delle foto scattate è totalmente inutile.
Alleggerite la postproduzione.Questo rimane sempre il mio motto:Una foto di merda ritoccata bene, rimane una foto di merda.
In caso di dubbio, sottrarre, sempre. Questo il mio consiglio.
Mi vengono mostrati progetti o singole fotografie alle quali vengono attribuiti significati che nemmeno lontanamente sono contenuti su quella superficie bidimensionale.
Tante “pippe mentali”. Nelle vostre fotografie, se non accompagnate da testi o didascalie, è contenuto esclusivamente quello che vedete e se le didascalie devono spiegare tutto, senza lasciare spazio ad un po’ di immaginazione, le persone si stancheranno di leggere o peggio si ricorderanno dei chiarimenti e dimenticheranno le immagini.
Siate semplici, siate comprensibili e non date per scontato niente.
Ciao, baci
Sara
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Oggi vorrei condividere la mia esperienza e le motivazioni per cui ho aperto un blog di fotografia.
Ho aperto il blog a gennaio 2015. Non so nemmeno perché l’ho fatto. Soprassediamo…
Da subito o quasi, ho coinvolto due amici nell’avventura. Oggi siamo in 5 più due collaboratrici.
L’esperienza è positiva e interessante, a tratti stressante! 🙂
Inizialmente postavo articoli ogni giorno fino ad arrivare a due, tre articoli a settimana dell’ultimo periodo.
Il 99% dei blog chiude dopo pochi mesi. Seguire un blog non è semplice e implica molto impegno e costanza.
Diciamo che continui per passione e amore per la materia che decidi di trattare.
Per me il blog è diventato il modo di offrire un servizio che spero, in qualche caso, possa dare spunti o fare ragionare su argomenti relativi alla fotografia.
Perché aprire un blog
Chiedetevi subito quanta passione coltivate per la fotografia.
Davvero questa materia vi interessa a fondo?
Siete curiosi e perseveranti nella comprensione dei temi attinenti questa materia?
Puoi trattare argomenti diversi: tecnica, storia, critica, cultura generale, elementi di approccio partico oppure offrire una newsletter su eventi relativi.
Nel mio blog io parlo della mia esperienza personale, rispondo alle domande che mi vengono fatte durante i corsi e workshop che tengo in giro per l’Italia e all’estero, offro un servizio relativo ad eventi, mostre e premi, propongo autori, interviste a fotografi ed una piccola parte tecnica.
Subito dovresti chiederti: ma quanto so di questi argomenti? Posso offrire contenuti che altri non sarebbero in grado di dare?
Spesso scopro che qualcuno copia o prende in parte articoli miei per comporre i propri, non mi infastidisce, non importa, ma sappiate che a lungo la gente si accorgerà della provenienza dei vostri contenuti e potrebbe stancarsi presto!
Eh sì, perché oltre al vostro impegno, che potrebbe essere anche stratosferico, un blog non ha senso di esistere se non c’è nessuno che lo segue.
Scegliersi il ‘target’ diventa quindi un fattore fondamentale.
A che tipo di pubblico rivolgo i miei articoli?
Potete scegliere un pubblico legato alla fotografia professionale oppure amatoriale. Nel tempo potreste approfondire alcuni argomenti fino a toccare tutti e due i settore (con me ha funzionato!).
Quali sono le piattaforme più utilizzate?
Io uso WordPress ma ho sentito parlare bene anche di:
In tutte avrete l’opportunità di sfruttare plug-in (piccoli un programmi non autonomi che interagisco con il blog per ampliarne le funzionalità originarie) coi quali incrementare le prestazioni del blog.
Potete scegliere il tema (struttura ed estetica del sito) e questo potrà essere gratuito o a pagamento. In generale, a pagamento, offre opzioni in più come plug-in e opportunità di controllo.
Anche il tipo di abbonamento alla piattaforma cambia le cose. Se il piano che scegliete è gratuito, avrete meno possibilità di andare a fondo nelle faccende tecniche come statistiche e funzionalità specifiche.
Inserire i contenuti, dopo un impatto iniziale non semplicissimo, non mi ha mai creato grossi problemi.
Pubblicare con costanza è importante. Appena salto un giorno, la gente mi scrive e chiede come mai non ho postato niente. Questo perché nel tempo potreste essere considerati ‘punti di riferimento’ e anche questo diventa una responsabilità da sostenere.
Non scrivete troppo, sia in termini di quantità di articoli, sia in termini di lunghezza degli stessi.
Attenzione: Avviso ai naviganti!
Con il blog è difficilissimo guadagnare.
Mi spiego meglio.
Io non sono stata in grado di far monetizzare il blog, nonostante il numero di visualizzazioni ed entrate considerevole.
Se lo fate per questo, sappiate che è davvero mooolto difficile.
Qualche consiglio:
Scegliete un nome accattivante che determini anche ad una prima lettura i contenuti che tratterete.
Mettete nella home un richiamo per la possibilità di iscriversi al blog con facilità.
Fate in modo che pulsanti di condivisione siano ben visibili.
Inserite ben chiare le info per i vostri contatti.
Siate sempre (finche riuscite, a me non riesce sempre!) gentili e pazienti nelle risposte e nei commenti.
Create collegamenti con i social network. Il mio blog è collegato con Facebook, twitter e Linkedin.
Quando pubblico un articolo, esce in contemporanea su questi social.
Controllate sempre su tutti i social se ci sono risposte da dare a chi è intervenuto nei commenti.
Non prendetevi troppo sul serio, alla lunga rompereste le scatole.
Io ho scelto di scrivere come se parlassi ad un amico. Non mi preoccupo molto della forma, piuttosto del contenuto che deve essere serio e supportato da conoscenza della materia.
Create collegamenti con altri blog.
Studiate, studiate, studiate…
Ciao, baci. Sara
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Intervista a Francesco Comello di Simona Buscaglia.
Tutte le immagini presenti nell’articolo sono di Francesco Comello, vietata la riproduzione.
In un mondo come quello di oggi, dove ci sono milioni d’immagini, il lavoro d’approfondimento, di ricerca, sembra essere una necessità della fotografia, un suo segno distintivo, per arrivare nel profondo, scavalcando tutta quella coltre di “già visto e già detto”. Pensi questo quando vedi le foto di Francesco Comello, classe 1963, fresco vincitore del terzo posto del World Press Photo nella categoria Vita Quotidiana e Storie, grazie alle sue immagini del progetto “l’Isola della Salvezza”, una piccola comunità fuori dal tempo, in Russia, fondata negli anni ’90 da un prete ortodosso che oggi si occupa di bambini con problemi familiari. In un mondo senza età, Comello racconta una storia che sembra uscita da un libro, con le stesse atmosfere liriche di una poesia.
“Anche se non la utilizzano nella vita di tutti i giorni, non è che questi ragazzi non la conoscano – commenta Comello – alla fine del loro percorso scolastico usano dei computer. L’approccio della macchina fotografica non è stato quindi così traumatico, contando anche che io non utilizzo macchine appariscenti. Esiste poi un percorso di avvicinamento, abbastanza lento, che ti permette, una volta accolto, di essere quasi invisibile, avendo l’incredibile possibilità di documentare senza modificare i fatti che stanno accadendo”
Comello non è nuovo nel racconto di realtà lontane e opposte a quelle frenetiche a cui siamo abituati. Precedente al lavoro dell’Isola della salvezza, troviamo infatti quello ad Oshevensk, altro paese russo con dei ritmi e dei valori che probabilmente ci siamo dimenticati: “La difficoltà più grossa è quella di entrare in empatia, per raccontare queste cose senza doverle costruire. Poter stare in un luogo, essere accettato e poter fotografare liberamente è una grande fortuna. Ovviamente ci sono luoghi in cui questo è molto facile, ma non è questo il caso della Russia. Io sono stato invitato da una mia amica, che faceva anche da interprete, ma inizialmente c’è stata molta diffidenza anche perché non sapevano che uso avrei fatto di questo materiale. Più recentemente mi sono ritrovato in un mondo molto diverso come quello cubano, dove invece non esistono dimensioni come quelle della privacy, che sono un grosso ostacolo per chi fotografa. È capitato che anche chi inizialmente non voleva farsi fotografare alla fine abbia deciso per il contrario”.
Per raccontare il tipo di vita in questa comunità in Russia, il fotografo udinese ha scelto il bianco e nero, cifra stilistica di quasi tutti i suoi lavori: “È un linguaggio in cui sento di potermi esprimere nel migliore dei modi. A differenza del colore che può essere più descrittivo, il bianco e nero è più lirico. In questo, come nell’altro lavoro, raccontare questo mondo a colori non avrebbe avuto senso perché avrebbe perso tantissimo di quelle che sono le sue atmosfere, di questo senso di sospensione temporale. Il bianco e nero non è un linguaggio che ricalca la realtà, che per me è un valore aggiunto. Queste storie le racconto cercando una poetica, che fa uso della realtà ma in un modo più metaforico. Quando parto per un lavoro non decido mai a prescindere: scatto a colori, ma poi, puntualmente, quella in bianco e nero ritengo che abbia una forza maggiore, che funzioni di più in senso estetico e narrativo”.
Ciao! Una delle cose che mi viene chiesta più spesso è:
Come faccio a capire se una mia foto è buona?
Bene, ci sono molti elementi che la possono fare considerare tale. Alcuni riguardano l’aspetto tecnico, altri invece il contenuto ed il messaggio dell’immagine.
Vi scrivo cosa guardo io, spero possa essere utile.
1) Si percepisce bene quale sia il soggetto?
Guardate con attenzione, cosa verrebbe notato, a primo impatto, da chi osserva la vostra immagine?
Ricordate che dovreste far cadere l’attenzione sulle parti della foto che desiderate vengano lette dal fruitore finale, fate in modo di accompagnare lo sguardo attraverso i punti di interesse.
OLYMPUS DIGITAL CAMERA
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2) Ci sono elementi che distraggono?
Ombre, elementi sullo sfondo, colori vivaci che distolgono attenzione dal soggetto. Prestate attenzione, non basta beccare il soggetto, soprattutto per strada (ma in qualsiasi genere fotografico), dovete prestare attenzione alla composizione e alla relazione tra gli elementi che desiderate includere.
Le linee create dalle strutture, da ombre, da elementi umani o dal vostro soggetto, fanno in modo che la lettura della foto avvenga in modo corretto?
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3) L’ esposizione è quella che desideravo? Non esistono foto corrette come esposizione o sbagliate… chiedetevi, dato che avete scelto di sovraesporre o sottoesporre o esporre sul suggerimento della macchina fotografica, se questo è funzionale all’immagine e al messaggio che volete mandare.
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4) Ho usato la focale giusta?
La prospettiva della foto è quella che desideravo? Con quale focale avrei ottenuto una resa migliore?
Ricordate che più è lunga la focale, più si schiacciano i piani (otterrete inoltre, a seconda della quantità di sfocato, uno stacco maggiore dal fondo e meno elementi a cui dare peso), più la focale è corta, maggiore sarà il campo ripreso e la profondità di campo.
Fotografia di Anna Wu
5) Cosa succede sullo sfondo?
Come ho accennato sopra, anche se in qualche caso non lo considerate, lo sfondo è da comporre quanto il soggetto principale. Spesso le foto migliori sono quelle in cui i due elementi comunicano tra loro.
Il contesto è fondamentale per strada, per esempio, imparate a considerarlo quanto gli elementi che metterete in primo piano.
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6) La foto è composta bene?
Premetto che ci sono foto composte non seguendo nessuna regola precisa (per intenderci regola dei terzi) che funzionano benissimo. Spesso, se il contenuto della fotografia è molto potente, il fattore compositivo potrebbe passare in secondo piano.
Se state iniziando o è poco che fotografate, seguite tutte le regole possibili per poi infrangerle, piano piano, nel tempo.
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7) Che genere di postproduzione richiede la foto?
Beh! Se state costruendo un progetto da tempo, avreste già dovuto scegliere quale tipo di postproduzione utilizzare per il vostro lavoro. Se invece è la prima foto di un progetto fotografico o una foto singola, ricordate sempre che un’immagine raramente viene migliorata dal fotoritocco.
Uno dei miei motti preferiti è:
Una foto di merda ritoccata bene, rimane una foto di merda! Sara Munari In sostanza con il fotoritocco potete migliorare alcune cose, ma non esagerate mai.
Se la foto necessita di fotoritocco per carenze tecniche, migliorare la tecnica, non la postproduzione!
8) Siamo sicuri di aver mandato il giusto messaggio?
Quando scattiamo una fotografia, spesso ci dimentichiamo che, in un modo o nell’altro, questa immagine porta con sé un messaggio. Certamente le possibili interpretazioni di fronte ad una foto sono molteplici, ma da fotografi, dobbiamo metterci nelle condizioni di far arrivare un contenuto preciso con il nostro lavoro. Se l’immagine fa parte di un progetto, è probabile che il messaggio si percepisca dal lavoro nel suo insieme.
Se è una fotografia singola che stiamo proponendo, spesso si è certi che nella foto sia portatrice di un messaggio, di cui manco si vede l’ombra.
Dico sempre ai ragazzi “nella foto, c’è quello che c’è nella foto e basta”. Chi guarda la foto non sa in che condizioni eravate voi, cosa avete provato, non conosce i contesti e le situazioni, quindi imparate a non dare niente per scontato.
9) Siamo sicuri che la foto non sia l’ennesima riproduzione di altre foto simili?
Evitate di fare ennesime produzioni di cose già viste e riviste. So che non è facile, ma dovete studiare, capire cosa è già stato fatto e cercare di portare un tassello in più, alla totalità delle immagini prodotte, che sia diverso per l’interpretazione del soggetto che potreste essere in grado di fare.
Ricordiamoci sempre che se non abbiamo un cazzo da dire, possiamo anche stare zitti e non fotografare.
Ciao
Sara
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Io sono e resto per i lavori progettuali, lì vedo il fotografo.
Rimango dell’idea che qualche singolo scatto potrebbe “saltare fuori” a chiunque. E’ sulle lunghe distanze che si vede chi, con perseveranza, coerenza formale e stilistica, è riuscito a produrre un lavoro omogeneo e interessante.
Ricordate comunque che per produrre un racconto, è sulle singole immagini che dobbiamo concentrarci ( un articolo su questo argomento qui).
Fotografando, dovrete porre attenzione alle scelte compositive e al messaggio di ogni vostra singola fotografia , che dovrà essere funzionale al discorso che state intraprendendo.
Non voglio comunque limitarmi a parlare di singoli scatti, entriamo nel vivo del tema del racconto, del discorso che il fotografo vuole fare attraverso le sue immagini.
Ecco le domande che ci si pone prima di cominciare un progetto fotografico:
Che argomento voglio trattare?
Quale è la mia storia che tratterò all’interno dell’argomento?
Che funzione ha il mio racconto, a cosa serve?
Voglio esprimere un parere o esibire un’interpretazione?
Che stile voglio usare?
Chi sono i miei soggetti?
Come li inserisco nella storia?
Chi guarderà le immagini, si sentirà coinvolto?
Quale è il contesto del lavoro?
Quale è il mio target?
Il lavoro è vendibile? Se si, a chi?
Per ultima, ma non meno importante, ho un budget sufficiente? Se no, dove cavolo trovo i soldi?
So che consegnare domande, invece di dare risposte, può non sembrare carino. Ma se iniziate con il farvi le domande giuste, stringerete il campo d’azione e vi muoverete meglio in fotografia.
Da tempo mi chiedo con quale logica aggiungiate la parola photographer alle diciture dei vostri siti.
Le domande che mi son sempre fatta in merito sono tre:
1) Perché in inglese? Secondo voi un photographer ammerecano è meglio di un fotografo italiano? Boh, i misteri impenetrabili degli italiani esterofili.
2) Perché aggiungete la definizione di fotografo in una qualsiasi lingua del mondo? Avete bisogno di ricordarlo a voi o a altri? Chi ci cerca, ci cerca col nome, giusto?
Mi spiego meglio.
Figuccio Carmelo photographer viene ricercato in Internet come Figuccio Carmelo … dato che cercando come photographer certo non esce lui, quindi se dopo il nome c’è scritto mungitore di latte di balena, che caz cambia?
3) La dicitura photographer mi preoccupa, così come mi preoccupa quella di artista, tipo Figuccio Carmelo Artista. Chi vi definisce fotografi o artisti, voi stessi? Lo sapevate che non è fotografo chi produce immagini con la macchina fotografica, non è artista chi produce quadri con colori a olio e non è scrittore chi scrive con la penna?
4) Lo sapevate che in mezzo a ‘sto marasma ci sono i photographers quelli veri che fanno i photographers e quasi mai lo scrivono?
5) Poi fate un po’ quello che vi va…chissenefrega. Mica è la parola Photographer che migliorerà la vostra produzione fotografica, altrimenti la avrei già aggiunta anche io!
Queste sono considerazioni rivolte a chi lo scrive senza riflettere perché sta bene nella grafica del logo o perche fa figo. Non ai fotografi che combattono ogni giorno con professionalità, perseveranza e coerenza, per affermarsi in questo settore.
Ciao Sara
Sara Munari “Be the bee body be boom”
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Ciao a tutti!
Sara Munari delta del Volga