Tradizionalmente, la fotografia è stata vista come un mezzo privilegiato per catturare la realtà. Ogni immagine è stata considerata una traccia tangibile di ciò che esiste nel mondo, una testimonianza visiva. Questo legame diretto con la realtà ha conferito alla fotografia una certa autorità e credibilità. La capacità di “fermare il tempo” e immortalare momenti ha reso la fotografia uno strumento potente per documentare eventi, raccontare storie e condividere esperienze.
Tuttavia, con l’avvento delle tecnologie digitali e delle tecniche manipolative, questo legame tra fotografia e realtà è diventato più complesso. Oggi, attraverso la manipolazione digitale, la creazione di immagini generative e l’uso dell’Intelligenza Artificiale, è possibile alterare e addirittura inventare immagini. Questo porta a una riflessione critica su cosa significhi “verità” in fotografia.
Le immagini possono essere progettate per ingannare, evocare emozioni o trasmettere messaggi che non corrispondono necessariamente a una realtà oggettiva. “Ma se questa foto mi commuove e poi scopro che non esiste, l’emozione che ho provato vale ancora?”
Il punto di rottura è proprio qui. Quando guardiamo una fotografia “tradizionale”, anche se digitale, scatta in noi un meccanismo inconscio che Roland Barthes chiamava l’«è stato».
In La camera chiara (1980), Barthes introduce l’idea centrale del «ça a été», tradotto in italiano come «è stato». Per lui, ogni fotografia porta con sé una certezza ontologica: ciò che vediamo davanti all’obiettivo è realmente esistito, è stato lì, davanti alla macchina fotografica.
Pensiamo: “Quel bambino era lì, quella luce è passata davvero attraverso un obiettivo”. C’è un legame fisico, una specie di cordone ombelicale tra la realtà e l’immagine.
Con l’intelligenza artificiale, questo cordone viene tagliato. Il rapporto con chi guarda cambia perché entra in gioco il sospetto. Oggi, davanti a un’immagine, la nostra prima reazione non è più “Wow!”, ma spesso è: “Sarà vera?”. Questo dubbio cambia tutto. È come se fossimo diventati tutti un po’ disillusi. Non cerchiamo più la bellezza o la verità, ma cerchiamo l’errore, il “glitch” dell’algoritmo (una mano con sei dita, un riflesso sbagliato) per rassicurarci che la macchina non ci abbia fregato.
Eppure, c’è un risvolto incredibilmente umano anche in questo processo artificiale. Come suggerisce spesso Joan Fontcuberta, l’AI non crea dal nulla: pesca nel nostro immenso archivio collettivo. In un certo senso, le immagini generate dall’AI sono uno specchio dei nostri desideri, delle nostre paure e dei nostri stereotipi. Se chiedi a un’AI di generare una “persona felice”, lei ti restituirà la media statistica di ciò che l’umanità ha caricato online come “felicità”.
Quindi, il fruitore non sta più guardando il mondo attraverso gli occhi di un altro fotografo, ma sta guardando una sintesi di noi stessi. È una forma di introspezione collettiva.
Certo, resta il problema dell’empatia. Possiamo davvero provare solidarietà per una vittima di guerra che non è mai esistita? Qui la fotografia rischia di diventare “illustrazione”. Perde quel potere di denuncia sociale che ha avuto per un secolo perché, se tutto può essere fabbricato, niente può essere usato come prova in tribunale o nella storia.
In definitiva, il rapporto si sta spostando dal “cuore” (l’emozione pura della traccia reale) alla “testa” (la sfida intellettuale di capire cosa stiamo guardando). È un’epoca di “estetica del verosimile”: accettiamo di lasciarci suggestionare, sapendo però che siamo dentro a un gioco di prestigio.
La fotografia non sta scomparendo, ma sta espandendo i suoi confini. Essa mantiene la sua essenza vitale finché continua a rappresentare o a mettere criticamente in discussione la realtà, rimanendo uno strumento essenziale per comprendere il mondo che ci circonda. Che sia generata da un sensore ottico o da una stringa di codice, la sua forza risiederà sempre nella capacità di chi la crea di dare un senso al caos visivo, trasformando un semplice frammento in una domanda aperta sulla nostra identità. In questo nuovo scenario, la “verità” non abita più nell’immagine stessa, ma nell’intenzione di chi la produce e nella consapevolezza di chi la guarda.
Nel prossimo testo approfondisco il discorso dell’onesta intellettuale nella produzione di immagini!
Ciao
Sara
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L’estate è alle porte, la luce si fa calda e le occasioni per scattare si moltiplicano. Ma cosa succederà a quelle foto una volta tornati?
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14 Settembre: Open Day Online (ore 20:30).
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Ti ricordiamo che la scadenza per il Premio Internazionale Musa per Fotografe è fissata per il 21 novembre. L’estate è il momento perfetto per chiudere il tuo progetto! Scopri le novità qui
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PER PENSARE UN POCHINO “Inquadrare non significa escludere il mondo, ma dare finalmente un nome a quella parte di realtà che aspettava solo di essere riconosciuta dal tuo sguardo.” Sara Munari
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FOTOGRAFIA di Thomas Ruff dalla serie “Stars”, 1989-1992 – Anni ’80/’90
“Stars”, realizzato tra il 1989 e il 1992 da Thomas Ruff, è una serie che esplora la natura della fotografia e la sua capacità di rappresentare il mondo. In questa serie, Ruff utilizza fotografie astronomiche per creare immagini di stelle e galassie che sembrano al tempo stesso familiari e aliene. Le sue opere, con la loro precisione e la loro oggettività, mettono in discussione le nostre nozioni di realtà e di rappresentazione.
Il tema centrale di “Stars” è l’esplorazione dei limiti della fotografia e della nostra capacità di comprendere il mondo che ci circonda. Ruff utilizza la fotografia per creare immagini che sono al tempo stesso scientifiche e poetiche. Le sue immagini, con la loro precisione e la loro oggettività, ci invitano a riflettere sulla natura della conoscenza e sulla nostra percezione del cosmo.
FOTOGRAFIA di Thomas Ruff dalla serie “Stars”, 1989-1992 – Anni ’80/’90
Thomas Ruff è una figura chiave della cosiddetta “Scuola di Düsseldorf”, un gruppo di fotografi tedeschi che, a partire dagli anni ’80, ha rivoluzionato il linguaggio fotografico, mettendo in discussione i concetti tradizionali di rappresentazione e di autore. La sua opera si caratterizza per un approccio concettuale e per l’utilizzo di diverse tecniche e formati, spaziando dal ritratto al paesaggio, dall’architettura alla fotografia scientifica.
La serie “Stars” (1989-1992) rappresenta un esempio emblematico della sua ricerca. Ruff utilizza immagini astronomiche preesistenti, provenienti da archivi scientifici e da osservatori, per creare fotografie di stelle e galassie che appaiono al tempo stesso familiari e stranianti. Attraverso un processo di ingrandimento e di manipolazione digitale, Ruff elimina ogni elemento di contesto, isolando le stelle in uno spazio infinito e uniforme.
Temi Chiave
La Natura della Rappresentazione: Ruff mette in discussione la capacità della fotografia di rappresentare la realtà in modo oggettivo. Le immagini di “Stars” non sono “fotografie” nel senso tradizionale del termine, ma piuttosto riproduzioni di immagini preesistenti, manipolate e decontestualizzate.
La Percezione del Cosmo: Ruff esplora la nostra percezione del cosmo, un luogo infinito e incomprensibile. Le immagini di “Stars” ci pongono di fronte alla vastità dell’universo, invitandoci a riflettere sulla nostra posizione all’interno di esso.
Il Ruolo della Tecnologia: Ruff utilizza la tecnologia digitale per manipolare e trasformare le immagini, evidenziando il ruolo della tecnologia nella costruzione della nostra visione del mondo.
Fotografia concettuale: Il lavoro di Ruff si allontana dalla fotografia come semplice riproduzione della realtà, per abbracciare un approccio concettuale, dove l’immagine diventa veicolo di riflessione e indagine.
La serie “Stars” ha avuto un impatto significativo sulla fotografia contemporanea, influenzando numerosi artisti e fotografi. Ruff ha dimostrato che la fotografia può essere un potente strumento di indagine concettuale, capace di mettere in discussione le nostre certezze e di aprire nuove prospettive sulla realtà.
Biografia di Thomas Ruff:
Thomas Ruff, nato nel 1958 a Zell am Harmersbach, è un fotografo tedesco noto per le sue fotografie concettuali e sperimentali. Dopo aver studiato fotografia alla Kunstakademie Düsseldorf, ha sviluppato un linguaggio visivo unico, caratterizzato da un’estetica rigorosa e da un’attenzione alla ricerca. Le sue opere sono state esposte nei più importanti musei e gallerie del mondo, consacrandolo come uno dei fotografi più influenti della nostra epoca.
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Ma allora, come si fa a dimostrare di essere “onesti” in un mondo che dubita di ogni pixel? È una domanda interessante, perché ci riporta a un concetto molto antico: la fiducia. Se un tempo l’onestà di un fotografo era un dato di fatto: c’era il rullino, c’era lo scatto, fine della storia. Oggi l’onestà è diventata una scelta attiva, quasi un patto che l’autore deve firmare con il suo pubblico ogni volta che pubblica un’immagine.
Non si tratta più solo di “non usare Photoshop”, ma di essere trasparenti sul percorso che ci ha portato a quell’immagine. Ecco come questa onestà sta prendendo forma oggi, in modo molto concreto. Immagina di essere al ristorante: un conto è leggere “pesce fresco” sul menù, un altro è se lo chef ti invita in cucina a vedere la materia prima. In fotografia sta succedendo la stessa cosa. Molti professionisti oggi mostrano il loro file RAW (il negativo digitale, grezzo e non manipolabile) o utilizzano i nuovi “passaporti digitali” (come lo standard C2PA). È un modo per dire: “Ecco la filiera della mia immagine, puoi controllare tu stesso dove finisce la luce e dove inizia la post-produzione”. È un’onestà che passa per la tecnica, ma che serve a rassicurare il cuore di chi guarda. C’è poi un modo molto più viscerale di provare la propria sincerità: mostrare il backstage. Se vedo un video di te che cammini per ore nel fango per catturare l’alba su una montagna, quell’immagine finale acquista un valore umano che nessuna AI potrà mai replicare. L’onestà qui non sta nel pixel, ma nello sforzo. Documentare il “making of” è diventato un atto politico: serve a ricordare al fruitore che dietro quell’istante c’è un corpo, un tempo speso e un’esperienza vissuta davvero. Paradossalmente, l’onestà passa anche per la dichiarazione del trucco.
“Immagine generata da un’intelligenza artificiale, intitolata ‘Pseudomnesia: The Electrician’ di BORIS ELDAGSEN.”
Pseudomnesia: The Electrician è stata presentata ai Sony World Photography Awards e ha vinto nella categoria “Creatività”. L’immagine, in bianco e nero, ritrae due donne e sembra risalire agli anni ’40. L’artista ha poi suscitato scalpore rifiutando il premio e rivelando di aver creato l’immagine con l’intelligenza artificiale (IA). Sul suo blog ha scritto: “Volevo fare un test, per vedere se il mondo della fotografia fosse pronto a gestire l’impatto dell’IA sui concorsi artistici internazionali e, ovviamente, non lo era”. Con il suo approccio, Boris Eldagsen ha voluto aprire un dibattito sullo status delle immagini e, oltre a ciò, sull’importanza di restare vigili quando si tratta di contenuti prodotti dall’IA.
Pensa al fotografo Boris Eldagsen, che ha vinto un prestigioso premio internazionale per poi rifiutarlo, ammettendo che l’opera era stata generata dall’AI. Il suo non è stato un atto di superbia, ma di profonda onestà intellettuale: ha usato un “falso” per costringere il mondo dell’arte a parlare di verità. Essere onesti oggi significa dire chiaramente: “Questo è uno scatto reale”, oppure “Questa è una visione ibrida”. La menzogna non sta nell’uso dello strumento, ma nel nasconderlo. Infine, c’è un’onestà che risiede nell’abbracciare l’imperfezione. L’intelligenza artificiale tende spesso a una perfezione “levigata”, quasi plastica. Molti artisti oggi scelgono di tornare all’analogico o di mantenere volutamente piccoli difetti, riflessi “sbagliati” o sfocature naturali. È un modo per dire: “Questo è umano perché è imperfetto”. È la firma del nostro limite, che diventa la prova della nostra presenza. L’onestà intellettuale non è più l’assenza di filtri, ma la trasparenza sui filtri che abbiamo deciso di usare. Non è più una questione di ottica, ma di etica. Come diceva John Berger, il nostro modo di vedere è influenzato da ciò che sappiamo: se l’autore ci dà gli strumenti per “sapere” come è nata l’opera, allora noi torniamo a essere liberi di “sentire” senza la paura di essere ingannati.
Forse il futuro della fotografia non sarà più cercare la “Verità” con la V maiuscola, ma cercare la sincerità tra chi scatta e chi osserva.
Ciao
Sara
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Ciao! Ecco una selezione di 20 premi fotografici internazionali e italiani con scadenza nel mese di giugno 2026, perfetti per esporre il tuo lavoro, vincere premi in denaro e ottenere visibilità globale. I concorsi includono categorie per professionisti e amatori, con temi che vanno dalla fotografia documentaria, street photography, bianco e nero, drone, paesaggio, fino al ritratto. Alcuni sono gratuiti, altri richiedono una tassa di iscrizione (da 5€ a 35€) e offrono premi che spaziano da mostre personali, pubblicazioni, fino a premi in denaro sino a €11.000.
1. Annual Photography Awards 2026
L’Annual Photography Awards è uno dei premi fotografici più prestigiosi a livello internazionale, aperto a fotografi di tutto il mondo in tutte le categorie possibili. Il vincitore assoluto riceve $2.500 di premio in denaro e la possibilità di essere featured su annualmagazine.art, una delle riviste più importanti nel settore. La partecipazione costa $25 per una singola immagine o $35 per una serie di fino a 5 foto.
Questo premio è dedicato esclusivamente alla street photography e offre ai fotografi l’opportunità di essere notati da una giuria internazionale di professionisti del settore. I vincitori ricevono riconoscimento globale, premi in denaro e la possibilità di partecipare a una mostra collettiva a Londra. LensCulture offre anche uno sconto del 30% agli studenti, rendendo il concorso più accessibile ai giovani fotografi emergenti.
3. XIII Premio Scuola di Paesaggio «Emilio Sereni»
Il XIII Concorso europeo di fotografia Premio Scuola di Paesaggio Emilio Sereni è dedicato al tema “Mondi perduti, paesaggi ritrovati” e si rivolge a fotografi professionisti e amatori. La premiazione avverrà il 25 agosto 2026 a Gattatico (RE) presso l’Istituto Cervi, con una mostra dei vincitori. È un’opportunità eccellente per chi si occupa di fotografia di paesaggio e documentazione territoriale in Europa.
4. RILETTURE – Antropologia visiva del cambiamento urbano
RILETTURE è un open call gratuito per fotografi under 35 residenti in Campania, dedicato all’antropologia visiva del cambiamento urbano. Il vincitore sarà esposto in una mostra personale a Matera dal 5 settembre al 10 ottobre 2026 e riceverà un catalogo dedicato. È un’opportunità perfetta per giovani fotografi che vogliono documentare le trasformazioni urbane e sociali del propio territorio.
Dettaglio
Informazione
Scadenza
14 giugno 2026, ore 23:59 concorsidifotografiaonline+3
Destinatari
Fotografi under 35 residenti in Campania reflexlist
Premio
Mostra a Matera (5/9–10/10/2026), catalogo reflexlist
I Drone Photo Awards sono l’unico premio internazionale dedicato esclusivamente alla fotografia aerea e alle immagini catturate con droni. La cerimonia di premiazione si terrà a Siena il 27 settembre 2026 al Teatro dei Rinnovati, con una mostra dei vincitori. La partecipazione è completamente gratuita, rendendolo accessibile a tutti i fotografi che lavorano con la prospettiva aerea.
FotoDoc è un concorso specializzato in fotografia documentaria d’autore, pensato per fotografi che vogliono dare visibilità al proprio lavoro di ricerca approfondita. Il premio offre un’importante piattaforma internazionale per il documentario contemporaneo e la possibilità di essere notato da curatori e direttori di festival. È ideale per chi lavora su progetti a lungo termine con forte valore sociale e culturale.
One Day In Venezia è un concorso fotografico mensile dedicato esclusivamente a Venezia, con una nuova edizione ogni mese e scadenza il 24 di ogni mese. La tassa di partecipazione è di soli 10 euro e il vincitore viene featured sul sito ufficiale e sui social media del progetto. È perfetto per chi vuole cogliere la bellezza unica di Venezia in un singolo giorno di ripresa.
I Minimalist Photography Awards celebrano la bellezza della semplicità nella fotografia, cercando immagini che comunicano con forza attraverso la riduzione essenziale degli elementi. La fee è di 20 EUR per una singola immagine o 30 EUR per una serie, con premi in denaro e riconoscimenti internazionali. È ideale per fotografi che lavorano con esthétique pulite, composizioni essenziali e spazi negativi significativi.
Archifoto è il concorso annuale di fotografia architettonica organizzato da FotoGrafica, con partecipazione completamente gratuita e mostra dei vincitori alla galleria La Chambre a Milano. Il premio valorizza la fotografia di architettura contemporanea e storica, offrendo visibilità internazionale ai vincitori. È perfetto per architetti, fotografi di architettura e tutti coloro che esplorano lo spazio costruito attraverso l’obiettivo.
La Galapagos Photography Competition è un concorso internazionale dedicato alla fauna selvatica, ai paesaggi e alla natura unica delle isole Galapagos. Il premio mira a sensibilizzare sull’importanza della conservazione di questo ecosistema unico al mondo attraverso la fotografia. Ideale per fotografi di natura e wildlife che hanno lavorato nelle Galapagos o su temi di conservazione ambientale.
AAP (Apparel Photography) Magazine organizza ogni mese un concorso tematico dedicato, e il numero 58 è interamente focalizzato sulla fotografia in bianco e nero. Il vincitore viene pubblicato sulla rivista AAP Magazine #58 e ricevuto visibilità sulla loro piattaforma online con oltre 200.000 follower. È un’ottima opportunità per fotografi che lavorano esclusivamente o principalmente in bianco e nero.
PORTAL è un’open call per fotografia contemporanea che esplora il tema “at the edge of becoming”, ovvero il momento di transizione e trasformazione. Il concorso è aperto a fotografi internazionali e offre opportunità di pubblicazione e visibilità in contesti espositivi dedicati all’arte contemporanea. È ideale per chi lavora su progetti concettuali, identitari e di trasformazione personale o sociale.
CITY Photo Exhibit è una mostra collettiva dedicata alla fotografia urbana che chiama fotografi da tutto il mondo a partecipare con immagini che raccontano la vita in città. Il concorso è organizzato da Dusk Gallery e offre ai selezionati la possibilità di esporre in una mostra fisica con catalogo. Perfetto per fotografi di strada, architettura urbana e life in the city.
Urban Photo Race Brussels è un concorso fotografico urbano che si svolge a Bruxelles, con deadline a giugno 2026 per la partecipazione alla categoria internazionale. Il premio valorizza la fotografia di strada, l’architettura urbana e la vita quotidiana nelle città europee. È un’ottima opportunità per fotografi che lavorano sul contesto urbano europeo e sulle dinamiche delle città contemporanee.
15. Black & White International Photography Contest
Il Black & White International Photography Contest è uno dei concorsi più antichi e prestigiosi dedicati esclusivamente alla fotografia in bianco e nero. Il premio offre riconoscimenti internazionali, premi in denaro e la pubblicazione su riviste specializzate nel settore. È perfetto per maestri del bianco e nero e fotografi emergenti che vogliono dimostrare la loro padronanza di questa tecnica classica.
16. Open Call: A Celebration of Contemporary Photography
Questa open call da PhotoPlace Gallery è dedicata alla fotografia contemporanea e cerca lavori che esplorano nuove forme espressive e linguaggi visivi innovativi. I selezionati saranno inclusi in una mostra collettiva e ricevono promozione attraverso i canali della galleria. È ideale per fotografi concettuali, sperimentali e per chi lavora su progetti a lungo termine con forte intento artistico.
The Shape of a Moment è una mostra sia individuale che collettiva presso Exposure Photo Gallery che offre un premio di $500 al vincitore assoluto. Il concorso cerca fotografie che catturino momenti significativi con una composizione eccezionale e un impatto emotivo forte. Include anche la pubblicazione di un libro collettivo con le opere selezionate, offrendo una testimonianza tangibile del lavoro dei partecipanti.
Independent Photo organizza ogni mese un concorso tematico e a giugno 2026 il tema è “Ritratto”, aperto a fotografi professionisti e amatori di tutto il mondo. Il vincitore viene featured sul sito di Independent Photo e sulla loro rivista cartacea, con visibilità presso una community di appassionati di fotografia. È perfetto per ritrattisti che vogliono mostrare il loro lavoro a una platea italiana e internazionale.
I Mangrove Photography Awards sono un concorso dedicato alla fotografia di mangrovie, zone costiere e ecosistemi tropicali, con focus sulla conservazione ambientale. Il premio mira a sensibilizzare l’opinione pubblica sull’importanza di questi ecosistemi vulnerabili attraverso immagini potenti e narrative visive forti. Ideale per fotografi di natura, wildlife e conservazione che hanno lavorato in zone tropicali e costiere.
Scadenze critiche: Alcuni premi scadono il 1° giugno 2026 (giorno stesso o già scaduti alla data di pubblicazione dell’articolo). Verifica immediatamente se puoi ancora partecipare!
Leggere sempre il bando completo: Ogni premio ha requisiti specifici su formati, dimensioni, numero di immagini e diritti di utilizzo.
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Oggi un classico della fotografia, Cindy Sherman da “Untitled Film Stills”…buona lettura!
Sara Munari
FOTOGRAFIA di Cindy Sherman da “Untitled Film Stills”, 1977-1980 – Anni ’70/’80
“Untitled Film Stills”, realizzato tra il 1977 e il 1980 da Cindy Sherman, è una serie iconica che esplora i cliché e gli stereotipi femminili nel cinema e nella cultura popolare. In questa serie, Sherman si trasforma in diversi personaggi femminili, creando immagini che sembrano fotogrammi di film immaginari. Le sue opere, con la loro ambiguità e la loro ironia, mettono in discussione le rappresentazioni convenzionali delle donne e il ruolo della fotografia nella costruzione dell’identità.
FOTOGRAFIA di Cindy Sherman da “Untitled Film Stills”, 1977-1980 – Anni ’70/’80
Il tema centrale di “Untitled Film Stills” è l’esplorazione della costruzione sociale dell’identità femminile. Sherman utilizza la fotografia per svelare i meccanismi di potere e di controllo che si celano dietro le immagini apparentemente innocenti. Le sue immagini, con la loro teatralità e la loro ambiguità, ci invitano a riflettere sulla natura della rappresentazione e sulla nostra capacità di interpretare le immagini.
FOTOGRAFIA di Cindy Sherman da “Untitled Film Stills”, 1977-1980 – Anni ’70/’80
L’approccio di Sherman si distingue per la sua capacità di trasformarsi e di creare personaggi complessi. Le sue opere, che sono spesso realizzate in studio con l’ausilio di costumi, di trucco e di scenografie, sono caratterizzate da un’estetica teatrale e da un’attenzione alla narrazione. La sua tecnica, che combina fotografia e performance, le consente di creare immagini che sono allo stesso tempo personali e universali.
Dal punto di vista visivo, “Untitled Film Stills” è una serie di grande impatto emotivo. Le immagini, con la loro atmosfera cinematografica e i loro personaggi enigmatici, creano un’esperienza visiva coinvolgente e stimolante. Sherman ci invita a interrogare le nostre certezze e a mettere in discussione le narrazioni dominanti.
Biografia di Cindy Sherman:
Cindy Sherman, nata nel 1954 a Glen Ridge, è un’artista americana nota per le sue fotografie concettuali. Dopo aver studiato arte al Buffalo State College, ha sviluppato un linguaggio visivo unico, caratterizzato da un’estetica teatrale e da un’attenzione alla narrazione. Le sue opere sono state esposte nei più importanti musei e gallerie del mondo, consacrandola come una delle artiste più influenti della nostra epoca.
In qualità di fondatrice di Musa Fotografia, una scuola dedicata all’arte della fotografia, desidero chiarire l’utilizzo di immagini di grandi autori sul mio blog.
Le fotografie di maestri, che appaiono nei miei articoli, sono utilizzate esclusivamente a scopo didattico e divulgativo. Il mio intento è quello di analizzare e condividere la bellezza, la tecnica e la storia di queste opere con i miei studenti e con tutti gli appassionati di fotografia.
Tengo a sottolineare che:
Nessuna delle immagini viene utilizzata a scopo di lucro. Il blog non genera entrate dirette attraverso la vendita di immagini o pubblicità.
Gli articoli sono scritti con intenti didattici. L’obiettivo è quello di fornire spunti di riflessione e approfondimento sulla storia della fotografia e sulle diverse tecniche utilizzate dai grandi maestri.
Il mio impegno è verso la diffusione della cultura fotografica. Credo che l’analisi di opere significative sia fondamentale per la crescita e l’apprendimento di ogni fotografo.
Sono consapevole dell’importanza del rispetto del diritto d’autore e mi impegno a citare sempre la fonte delle immagini utilizzate. Se dovessi ricevere segnalazioni di violazioni del copyright, provvederò immediatamente a rimuovere il materiale contestato.
Spero che questa dichiarazione possa chiarire il mio approccio e la mia passione per la fotografia.
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La seconda metà di aprile prosegue nel segno del rinnovamento e della ricerca.
Tra corsi, incontri ed eventi, continuiamo a coltivare momenti di confronto e ispirazione, accompagnando lo sguardo fotografico verso nuove direzioni.
EVENTO IN PRIMA LINEA 16 Maggio 2026 Letture portfolio in aula da Musa – su prenotazione – sul sito alla pagina “Letture” – Via Sant’Antonino, 6 Malgrate Lecco
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Esercizi sul racconto fotografico (aula) – 18 aprile 2026
Ritratto fotografico intermedio (online) – 22 aprile 2026
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