📸La fotografia non si improvvisa. Ma si può imparare davvero. Ciao! Luglio. Il momento dell’anno in cui tutti fotografano tutto e nessuno sa bene perché. Spiagge, tramonti, cibo, ancora spiagge. Non c’è niente di male, la fotografia è anche questo. Ma se senti che le tue immagini potrebbero dire di più, allora questa email fa per te. Da Musa Fotografia crediamo che imparare a fotografare sia un atto di cura verso sé stessi. Non è questione di macchine, di diaframmi o di preset. È questione di sguardo. E lo sguardo si allena. 📚 I percorsi che costruiscono uno sguardo vero In partenza a ottobre, i nostri corsi principali online: Corso Annuale Full(dal 6 ottobre) Il percorso più completo che abbiamo. Un anno intero per trasformare il modo in cui vedi e racconti il mondo con le immagini. Corso Annuale Light(dal 8 ottobre) Stessa profondità, ritmo diverso. Perfetto per chi vuole crescere senza rinunciare alla propria vita. Percorso Base / Avanzato / Linguaggio(dal 6 ottobre) Scegli il tuo punto di partenza. Nessuno nasce fotografo — ma tutti possono diventarlo. Percorso Linguaggio Full(dal 8 ottobre) Per chi la tecnica ce l’ha già, ma sente che manca ancora qualcosa. Quel qualcosa si chiama linguaggio. Costruire Lo Sguardo Personale(dal 8 ottobre) Il corso per chi vuole smettere di fare fotografie e iniziare a fare fotografia. Diario Visivo, La Fotografia Come Specchio(dal 8 ottobre) Fotografare sé stessi attraverso il mondo. Un viaggio che parte dall’interno. Storytelling Fotografico con Sara Munari(dal 21 ottobre) Perché le foto parlano solo se sanno raccontare. E il racconto si costruisce.
🌟 Prima di iniziare: gli Open Day14 Settembre — Open Day Online (ore 20:30) 19 Settembre — Open Day in sede a Malgrate (LC) con Mostra Fotografica (ore Vieni a conoscerci prima di scegliere. Nessun impegno, nessuna pressione — solo una conversazione onesta sulla fotografia. Richiedi il link: [info@musafotografia.it] GUARDA TUTTI I CORSI 2026/2027 A presto, Il team di Musa Fotografia Sara Munari
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PER PENSARE UN POCHINO “Per fare qualsiasi cosa bisogna approfondire e studiare. La fotografia non fa eccezione, anzi, esige di più.” Sara Munari
Il premio Musa, è dedicato alla produzione di portfolio fotografici ed è rivolto a tutte le fotografe europee…non vediamo l’ora di vedere il tuo lavoro!
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Questi quattro progetti racchiudono quello che accade quando una domanda vera incontra uno sguardo consapevole. Non è stato un corso di tecnica o di “come diventare virali”: è stato uno spazio dove mettere a fuoco ciò che davvero vi interessa raccontare, e perché.
Erika, Fortunata, Luca e Adri hanno iniziato con storie diverse, l’hanno scavata dentro, l’hanno costruita con coerenza e onestà visiva. Questo è storytelling: non il racconto che piace a tutti, ma il racconto che non poteva essere diverso. Non tutti i corsisti hanno deciso di condividere i propri progetti, mi sembra giusto rispettare le necessità di ognuno, ma vi assicuro che sono davvero tutti interessanti!
Sono sinceramente soddisfatta del percorso che abbiamo fatto insieme. Vi dico grazie per aver portato rigore, dubbi legittimi e curiosità dentro uno spazio che raramente si vede così pieno.
Perché la fotografia serve a una sola cosa, alla fine: capire il mondo attraverso lo sguardo.
PENSIERO MAGICO – Erika Baggiani
Erika osserva come le slot machine abbiano trasformato il gioco da rituale condiviso a relazione illusoria con una macchina. Il suo progetto racconta questa solitudine metabolizzata: il “pensiero magico” di chi attribuisce senso a sequenze casuali, cercando significato dove il sistema è programmato solo per simulare risposta. È l’IA applicata al comportamento umano, raccontata attraverso l’assenza di sguardo.
Pensiero Magico
Il progetto nasce dall’osservazione di un cambiamento silenzioso ma radicale: la trasformazione dei luoghi e delle modalità della socialità. Il gioco, storicamente, è stato uno spazio di relazione all’interno di bar, di circoli e simili; il gesto del giocare non era solo funzionale alla competizione o al passatempo, ma costituiva un rituale condiviso: fatto di sguardi, attese, interruzioni, contatto fisico e presenza reciproca. Con l’introduzione e la diffusione delle slot machine, questo stesso gesto viene progressivamente isolato. Il giocatore non si confronta più con altri individui, ma con un sistema chiuso, progettato per simulare risposta e coinvolgimento senza richiedere una reale relazione. All’interno di questo sistema si attiva il cosiddetto “pensiero magico”: una modalità cognitiva in cui il caso viene interpretato come significativo, controllabile o indirizzabile. Il giocatore attribuisce senso a sequenze casuali, sviluppando una relazione illusoria con la macchina, che appare reattiva, quasi intenzionale. In questo passaggio avviene una doppia trasformazione: lo spazio si svuota della sua funzione sociale, pur mantenendo una forma di aggregazione apparente, e la relazione si sposta dall’umano alla macchina, assumendo caratteristiche simulate. L’intelligenza artificiale, all’interno del progetto, rappresenta il punto limite di questo processo: non più solo una macchina con cui si stabilisce una relazione illusoria, ma un sistema che ne replica i meccanismi, rendendo superflua la presenza umana.
I PAVONI SONO DI DESTRA O DI SINISTRA? – Fortunata Scarponi
A Punta Marina vivono oltre cento pavoni: eredità di un abbandono trasformato in coabitazione. Fortunata fotografa questa convivenza ordinaria e controversa, interrogandosi su come una specie non prevista ridisegni i confini dell’abitare. Non è sociologia. È l’osservazione di come uomini e animali ridefiniscono quotidianamente chi ha diritto a uno spazio.
Fortunata Scarponi
I pavoni sono di destra o di sinistra?
A Punta Marina, località balneare della Riviera romagnola, vive una colonia di oltre cento pavoni. La loro presenza risalirebbe ad alcuni esemplari introdotti o abbandonati anni fa da un privato nell’area della pineta; nel tempo gli animali si sono riprodotti fino a diventare parte integrante del paesaggio del paese.
Oggi il loro insediamento divide gli abitanti tra chi li considera un simbolo del luogo e chi li vive come un problema da risolvere. Nel frattempo i pavoni continuano ad attraversare strade, sostare nei cortili, frequentare giardini e cantieri, occupando spazi pensati per l’uomo.
Con queste fotografie il progetto osserva una convivenza tanto ordinaria quanto controversa, interrogandosi su come la presenza di una specie non prevista possa trasformare la percezione del territorio e modificare i perimetri dell’abitare.
Sullo sfondo di un dibattito che continua a dividere il paese, il lavoro analizza come uomini e animali ridefiniscano quotidianamente i confini di uno spazio condiviso.
Luca applica la lente di Taylor e Ford alla sanità: quando l’efficienza industriale incontra la cura. Il suo ragionamento non è banale: come la standardizzazione dei processi trasforma un’attività complessa e umana in qualcosa di meccanico. È una domanda etica fotografata.
HEALTH FACTORY LUCA SAFINA
L’applicazione dei principi di efficienza industriale, attraverso il cambio di gestione aziendale da parte di imprenditori quali l’industriale Henry Ford e l’ingegnere Frederick Taylor, hanno ottimizzato i flussi di lavoro, ridotto i tempi e tramite la iper-divisione dei compiti standardizzando i processi, hanno incrementato la produzione.
Questo modello applicato alla sanità solleva dei dibattiti etici e umanistici sulla possibile ”spersonalizzazione” della cura al paziente, trasformando un’attività complessa e umana in un processo (quasi) meccanico.
Instagram: in costruzione
SENZACENTRO – Adri Susca
Periferie, parcheggi, strade: spazi costruiti per funzionare, non per essere vissuti. Adri non racconta il degrado estetico, racconta la frattura. Quella sensazione di essere un cerchio senza centro, una forma impossibile da disegnare. Il paesaggio urbano come autoritratto involontario di chi lo attraversa.
Senzacentro è un progetto fotografico sui margini urbani: periferie, aree commerciali, piazzali, strade, edifici costruiti per funzionare, più che per essere vissuti davvero.
Non mi interessa raccontare la periferia come tema sociale o come estetica del degrado. Mi interessa fotografarla come spazio di frattura dove il centro che manca non è solo quello cittadino. È un punto di appartenenza, un riferimento stabile, qualcosa che permetta all’individuo di riconoscersi nello spazio.
In queste immagini il paesaggio urbano diventa un ritratto indiretto di questa condizione. Parcheggi, strade, palazzi compongono una tensione silenziosa, dove la presenza umana resta implicita e dissolta.
Il punto non è raccontare cosa c’è in questi luoghi, ma cosa fanno a chi li attraversa.
SENZACENTRO
Ci sono luoghi che ti costringono a indossare una maschera e al tempo stesso cercano di strappartela via.
Dove ti senti un cerchio senza centro. Una forma impossibile da disegnare, che quindi non riesce ad esistere.
Tradizionalmente, la fotografia è stata vista come un mezzo privilegiato per catturare la realtà. Ogni immagine è stata considerata una traccia tangibile di ciò che esiste nel mondo, una testimonianza visiva. Questo legame diretto con la realtà ha conferito alla fotografia una certa autorità e credibilità. La capacità di “fermare il tempo” e immortalare momenti ha reso la fotografia uno strumento potente per documentare eventi, raccontare storie e condividere esperienze.
Tuttavia, con l’avvento delle tecnologie digitali e delle tecniche manipolative, questo legame tra fotografia e realtà è diventato più complesso. Oggi, attraverso la manipolazione digitale, la creazione di immagini generative e l’uso dell’Intelligenza Artificiale, è possibile alterare e addirittura inventare immagini. Questo porta a una riflessione critica su cosa significhi “verità” in fotografia.
Le immagini possono essere progettate per ingannare, evocare emozioni o trasmettere messaggi che non corrispondono necessariamente a una realtà oggettiva. “Ma se questa foto mi commuove e poi scopro che non esiste, l’emozione che ho provato vale ancora?”
Il punto di rottura è proprio qui. Quando guardiamo una fotografia “tradizionale”, anche se digitale, scatta in noi un meccanismo inconscio che Roland Barthes chiamava l’«è stato».
In La camera chiara (1980), Barthes introduce l’idea centrale del «ça a été», tradotto in italiano come «è stato». Per lui, ogni fotografia porta con sé una certezza ontologica: ciò che vediamo davanti all’obiettivo è realmente esistito, è stato lì, davanti alla macchina fotografica.
Pensiamo: “Quel bambino era lì, quella luce è passata davvero attraverso un obiettivo”. C’è un legame fisico, una specie di cordone ombelicale tra la realtà e l’immagine.
Con l’intelligenza artificiale, questo cordone viene tagliato. Il rapporto con chi guarda cambia perché entra in gioco il sospetto. Oggi, davanti a un’immagine, la nostra prima reazione non è più “Wow!”, ma spesso è: “Sarà vera?”. Questo dubbio cambia tutto. È come se fossimo diventati tutti un po’ disillusi. Non cerchiamo più la bellezza o la verità, ma cerchiamo l’errore, il “glitch” dell’algoritmo (una mano con sei dita, un riflesso sbagliato) per rassicurarci che la macchina non ci abbia fregato.
Eppure, c’è un risvolto incredibilmente umano anche in questo processo artificiale. Come suggerisce spesso Joan Fontcuberta, l’AI non crea dal nulla: pesca nel nostro immenso archivio collettivo. In un certo senso, le immagini generate dall’AI sono uno specchio dei nostri desideri, delle nostre paure e dei nostri stereotipi. Se chiedi a un’AI di generare una “persona felice”, lei ti restituirà la media statistica di ciò che l’umanità ha caricato online come “felicità”.
Quindi, il fruitore non sta più guardando il mondo attraverso gli occhi di un altro fotografo, ma sta guardando una sintesi di noi stessi. È una forma di introspezione collettiva.
Certo, resta il problema dell’empatia. Possiamo davvero provare solidarietà per una vittima di guerra che non è mai esistita? Qui la fotografia rischia di diventare “illustrazione”. Perde quel potere di denuncia sociale che ha avuto per un secolo perché, se tutto può essere fabbricato, niente può essere usato come prova in tribunale o nella storia.
In definitiva, il rapporto si sta spostando dal “cuore” (l’emozione pura della traccia reale) alla “testa” (la sfida intellettuale di capire cosa stiamo guardando). È un’epoca di “estetica del verosimile”: accettiamo di lasciarci suggestionare, sapendo però che siamo dentro a un gioco di prestigio.
La fotografia non sta scomparendo, ma sta espandendo i suoi confini. Essa mantiene la sua essenza vitale finché continua a rappresentare o a mettere criticamente in discussione la realtà, rimanendo uno strumento essenziale per comprendere il mondo che ci circonda. Che sia generata da un sensore ottico o da una stringa di codice, la sua forza risiederà sempre nella capacità di chi la crea di dare un senso al caos visivo, trasformando un semplice frammento in una domanda aperta sulla nostra identità. In questo nuovo scenario, la “verità” non abita più nell’immagine stessa, ma nell’intenzione di chi la produce e nella consapevolezza di chi la guarda.
Nel prossimo testo approfondisco il discorso dell’onesta intellettuale nella produzione di immagini!
Ciao
Sara
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L’estate è alle porte, la luce si fa calda e le occasioni per scattare si moltiplicano. Ma cosa succederà a quelle foto una volta tornati?
In Musa Fotografia abbiamo lavorato intensamente per costruire un calendario 2026/2027 che possa accompagnarti dalla tecnica base alla costruzione di una visione autoriale solida. Che tu preferisca la comodità dell’online o il calore dell’aula, abbiamo pensato a ogni dettaglio.
Ecco un’anteprima di quello che ti aspetta:
🌟 Segna la data: Gli Open Day
Prima di iniziare, vieni a conoscerci e a scoprire come lavoriamo:
14 Settembre: Open Day Online (ore 20:30).
19 Settembre: Open Day in sede a Malgrate (LC) con Mostra Fotografica.
Ti ricordiamo che la scadenza per il Premio Internazionale Musa per Fotografe è fissata per il 21 novembre. L’estate è il momento perfetto per chiudere il tuo progetto! Scopri le novità qui
Vuoi dare un’occhiata al calendario completo? Abbiamo preparato una pagina dedicata con tutti i dettagli, gli orari e i docenti:
Non aspettare settembre per decidere dove porterai la tua fotografia. Inizia a sognare il tuo percorso oggi. Buona ESTATE, Il team di Musa Fotografia
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PER PENSARE UN POCHINO “Inquadrare non significa escludere il mondo, ma dare finalmente un nome a quella parte di realtà che aspettava solo di essere riconosciuta dal tuo sguardo.” Sara Munari
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FOTOGRAFIA di Thomas Ruff dalla serie “Stars”, 1989-1992 – Anni ’80/’90
“Stars”, realizzato tra il 1989 e il 1992 da Thomas Ruff, è una serie che esplora la natura della fotografia e la sua capacità di rappresentare il mondo. In questa serie, Ruff utilizza fotografie astronomiche per creare immagini di stelle e galassie che sembrano al tempo stesso familiari e aliene. Le sue opere, con la loro precisione e la loro oggettività, mettono in discussione le nostre nozioni di realtà e di rappresentazione.
Il tema centrale di “Stars” è l’esplorazione dei limiti della fotografia e della nostra capacità di comprendere il mondo che ci circonda. Ruff utilizza la fotografia per creare immagini che sono al tempo stesso scientifiche e poetiche. Le sue immagini, con la loro precisione e la loro oggettività, ci invitano a riflettere sulla natura della conoscenza e sulla nostra percezione del cosmo.
FOTOGRAFIA di Thomas Ruff dalla serie “Stars”, 1989-1992 – Anni ’80/’90
Thomas Ruff è una figura chiave della cosiddetta “Scuola di Düsseldorf”, un gruppo di fotografi tedeschi che, a partire dagli anni ’80, ha rivoluzionato il linguaggio fotografico, mettendo in discussione i concetti tradizionali di rappresentazione e di autore. La sua opera si caratterizza per un approccio concettuale e per l’utilizzo di diverse tecniche e formati, spaziando dal ritratto al paesaggio, dall’architettura alla fotografia scientifica.
La serie “Stars” (1989-1992) rappresenta un esempio emblematico della sua ricerca. Ruff utilizza immagini astronomiche preesistenti, provenienti da archivi scientifici e da osservatori, per creare fotografie di stelle e galassie che appaiono al tempo stesso familiari e stranianti. Attraverso un processo di ingrandimento e di manipolazione digitale, Ruff elimina ogni elemento di contesto, isolando le stelle in uno spazio infinito e uniforme.
Temi Chiave
La Natura della Rappresentazione: Ruff mette in discussione la capacità della fotografia di rappresentare la realtà in modo oggettivo. Le immagini di “Stars” non sono “fotografie” nel senso tradizionale del termine, ma piuttosto riproduzioni di immagini preesistenti, manipolate e decontestualizzate.
La Percezione del Cosmo: Ruff esplora la nostra percezione del cosmo, un luogo infinito e incomprensibile. Le immagini di “Stars” ci pongono di fronte alla vastità dell’universo, invitandoci a riflettere sulla nostra posizione all’interno di esso.
Il Ruolo della Tecnologia: Ruff utilizza la tecnologia digitale per manipolare e trasformare le immagini, evidenziando il ruolo della tecnologia nella costruzione della nostra visione del mondo.
Fotografia concettuale: Il lavoro di Ruff si allontana dalla fotografia come semplice riproduzione della realtà, per abbracciare un approccio concettuale, dove l’immagine diventa veicolo di riflessione e indagine.
La serie “Stars” ha avuto un impatto significativo sulla fotografia contemporanea, influenzando numerosi artisti e fotografi. Ruff ha dimostrato che la fotografia può essere un potente strumento di indagine concettuale, capace di mettere in discussione le nostre certezze e di aprire nuove prospettive sulla realtà.
Biografia di Thomas Ruff:
Thomas Ruff, nato nel 1958 a Zell am Harmersbach, è un fotografo tedesco noto per le sue fotografie concettuali e sperimentali. Dopo aver studiato fotografia alla Kunstakademie Düsseldorf, ha sviluppato un linguaggio visivo unico, caratterizzato da un’estetica rigorosa e da un’attenzione alla ricerca. Le sue opere sono state esposte nei più importanti musei e gallerie del mondo, consacrandolo come uno dei fotografi più influenti della nostra epoca.
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Ma allora, come si fa a dimostrare di essere “onesti” in un mondo che dubita di ogni pixel? È una domanda interessante, perché ci riporta a un concetto molto antico: la fiducia. Se un tempo l’onestà di un fotografo era un dato di fatto: c’era il rullino, c’era lo scatto, fine della storia. Oggi l’onestà è diventata una scelta attiva, quasi un patto che l’autore deve firmare con il suo pubblico ogni volta che pubblica un’immagine.
Non si tratta più solo di “non usare Photoshop”, ma di essere trasparenti sul percorso che ci ha portato a quell’immagine. Ecco come questa onestà sta prendendo forma oggi, in modo molto concreto. Immagina di essere al ristorante: un conto è leggere “pesce fresco” sul menù, un altro è se lo chef ti invita in cucina a vedere la materia prima. In fotografia sta succedendo la stessa cosa. Molti professionisti oggi mostrano il loro file RAW (il negativo digitale, grezzo e non manipolabile) o utilizzano i nuovi “passaporti digitali” (come lo standard C2PA). È un modo per dire: “Ecco la filiera della mia immagine, puoi controllare tu stesso dove finisce la luce e dove inizia la post-produzione”. È un’onestà che passa per la tecnica, ma che serve a rassicurare il cuore di chi guarda. C’è poi un modo molto più viscerale di provare la propria sincerità: mostrare il backstage. Se vedo un video di te che cammini per ore nel fango per catturare l’alba su una montagna, quell’immagine finale acquista un valore umano che nessuna AI potrà mai replicare. L’onestà qui non sta nel pixel, ma nello sforzo. Documentare il “making of” è diventato un atto politico: serve a ricordare al fruitore che dietro quell’istante c’è un corpo, un tempo speso e un’esperienza vissuta davvero. Paradossalmente, l’onestà passa anche per la dichiarazione del trucco.
“Immagine generata da un’intelligenza artificiale, intitolata ‘Pseudomnesia: The Electrician’ di BORIS ELDAGSEN.”
Pseudomnesia: The Electrician è stata presentata ai Sony World Photography Awards e ha vinto nella categoria “Creatività”. L’immagine, in bianco e nero, ritrae due donne e sembra risalire agli anni ’40. L’artista ha poi suscitato scalpore rifiutando il premio e rivelando di aver creato l’immagine con l’intelligenza artificiale (IA). Sul suo blog ha scritto: “Volevo fare un test, per vedere se il mondo della fotografia fosse pronto a gestire l’impatto dell’IA sui concorsi artistici internazionali e, ovviamente, non lo era”. Con il suo approccio, Boris Eldagsen ha voluto aprire un dibattito sullo status delle immagini e, oltre a ciò, sull’importanza di restare vigili quando si tratta di contenuti prodotti dall’IA.
Pensa al fotografo Boris Eldagsen, che ha vinto un prestigioso premio internazionale per poi rifiutarlo, ammettendo che l’opera era stata generata dall’AI. Il suo non è stato un atto di superbia, ma di profonda onestà intellettuale: ha usato un “falso” per costringere il mondo dell’arte a parlare di verità. Essere onesti oggi significa dire chiaramente: “Questo è uno scatto reale”, oppure “Questa è una visione ibrida”. La menzogna non sta nell’uso dello strumento, ma nel nasconderlo. Infine, c’è un’onestà che risiede nell’abbracciare l’imperfezione. L’intelligenza artificiale tende spesso a una perfezione “levigata”, quasi plastica. Molti artisti oggi scelgono di tornare all’analogico o di mantenere volutamente piccoli difetti, riflessi “sbagliati” o sfocature naturali. È un modo per dire: “Questo è umano perché è imperfetto”. È la firma del nostro limite, che diventa la prova della nostra presenza. L’onestà intellettuale non è più l’assenza di filtri, ma la trasparenza sui filtri che abbiamo deciso di usare. Non è più una questione di ottica, ma di etica. Come diceva John Berger, il nostro modo di vedere è influenzato da ciò che sappiamo: se l’autore ci dà gli strumenti per “sapere” come è nata l’opera, allora noi torniamo a essere liberi di “sentire” senza la paura di essere ingannati.
Forse il futuro della fotografia non sarà più cercare la “Verità” con la V maiuscola, ma cercare la sincerità tra chi scatta e chi osserva.
Ciao
Sara
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Ciao! Ecco una selezione di 20 premi fotografici internazionali e italiani con scadenza nel mese di giugno 2026, perfetti per esporre il tuo lavoro, vincere premi in denaro e ottenere visibilità globale. I concorsi includono categorie per professionisti e amatori, con temi che vanno dalla fotografia documentaria, street photography, bianco e nero, drone, paesaggio, fino al ritratto. Alcuni sono gratuiti, altri richiedono una tassa di iscrizione (da 5€ a 35€) e offrono premi che spaziano da mostre personali, pubblicazioni, fino a premi in denaro sino a €11.000.
1. Annual Photography Awards 2026
L’Annual Photography Awards è uno dei premi fotografici più prestigiosi a livello internazionale, aperto a fotografi di tutto il mondo in tutte le categorie possibili. Il vincitore assoluto riceve $2.500 di premio in denaro e la possibilità di essere featured su annualmagazine.art, una delle riviste più importanti nel settore. La partecipazione costa $25 per una singola immagine o $35 per una serie di fino a 5 foto.
Questo premio è dedicato esclusivamente alla street photography e offre ai fotografi l’opportunità di essere notati da una giuria internazionale di professionisti del settore. I vincitori ricevono riconoscimento globale, premi in denaro e la possibilità di partecipare a una mostra collettiva a Londra. LensCulture offre anche uno sconto del 30% agli studenti, rendendo il concorso più accessibile ai giovani fotografi emergenti.
3. XIII Premio Scuola di Paesaggio «Emilio Sereni»
Il XIII Concorso europeo di fotografia Premio Scuola di Paesaggio Emilio Sereni è dedicato al tema “Mondi perduti, paesaggi ritrovati” e si rivolge a fotografi professionisti e amatori. La premiazione avverrà il 25 agosto 2026 a Gattatico (RE) presso l’Istituto Cervi, con una mostra dei vincitori. È un’opportunità eccellente per chi si occupa di fotografia di paesaggio e documentazione territoriale in Europa.
4. RILETTURE – Antropologia visiva del cambiamento urbano
RILETTURE è un open call gratuito per fotografi under 35 residenti in Campania, dedicato all’antropologia visiva del cambiamento urbano. Il vincitore sarà esposto in una mostra personale a Matera dal 5 settembre al 10 ottobre 2026 e riceverà un catalogo dedicato. È un’opportunità perfetta per giovani fotografi che vogliono documentare le trasformazioni urbane e sociali del propio territorio.
Dettaglio
Informazione
Scadenza
14 giugno 2026, ore 23:59 concorsidifotografiaonline+3
Destinatari
Fotografi under 35 residenti in Campania reflexlist
Premio
Mostra a Matera (5/9–10/10/2026), catalogo reflexlist
I Drone Photo Awards sono l’unico premio internazionale dedicato esclusivamente alla fotografia aerea e alle immagini catturate con droni. La cerimonia di premiazione si terrà a Siena il 27 settembre 2026 al Teatro dei Rinnovati, con una mostra dei vincitori. La partecipazione è completamente gratuita, rendendolo accessibile a tutti i fotografi che lavorano con la prospettiva aerea.
FotoDoc è un concorso specializzato in fotografia documentaria d’autore, pensato per fotografi che vogliono dare visibilità al proprio lavoro di ricerca approfondita. Il premio offre un’importante piattaforma internazionale per il documentario contemporaneo e la possibilità di essere notato da curatori e direttori di festival. È ideale per chi lavora su progetti a lungo termine con forte valore sociale e culturale.
One Day In Venezia è un concorso fotografico mensile dedicato esclusivamente a Venezia, con una nuova edizione ogni mese e scadenza il 24 di ogni mese. La tassa di partecipazione è di soli 10 euro e il vincitore viene featured sul sito ufficiale e sui social media del progetto. È perfetto per chi vuole cogliere la bellezza unica di Venezia in un singolo giorno di ripresa.
I Minimalist Photography Awards celebrano la bellezza della semplicità nella fotografia, cercando immagini che comunicano con forza attraverso la riduzione essenziale degli elementi. La fee è di 20 EUR per una singola immagine o 30 EUR per una serie, con premi in denaro e riconoscimenti internazionali. È ideale per fotografi che lavorano con esthétique pulite, composizioni essenziali e spazi negativi significativi.
Archifoto è il concorso annuale di fotografia architettonica organizzato da FotoGrafica, con partecipazione completamente gratuita e mostra dei vincitori alla galleria La Chambre a Milano. Il premio valorizza la fotografia di architettura contemporanea e storica, offrendo visibilità internazionale ai vincitori. È perfetto per architetti, fotografi di architettura e tutti coloro che esplorano lo spazio costruito attraverso l’obiettivo.
La Galapagos Photography Competition è un concorso internazionale dedicato alla fauna selvatica, ai paesaggi e alla natura unica delle isole Galapagos. Il premio mira a sensibilizzare sull’importanza della conservazione di questo ecosistema unico al mondo attraverso la fotografia. Ideale per fotografi di natura e wildlife che hanno lavorato nelle Galapagos o su temi di conservazione ambientale.
AAP (Apparel Photography) Magazine organizza ogni mese un concorso tematico dedicato, e il numero 58 è interamente focalizzato sulla fotografia in bianco e nero. Il vincitore viene pubblicato sulla rivista AAP Magazine #58 e ricevuto visibilità sulla loro piattaforma online con oltre 200.000 follower. È un’ottima opportunità per fotografi che lavorano esclusivamente o principalmente in bianco e nero.
PORTAL è un’open call per fotografia contemporanea che esplora il tema “at the edge of becoming”, ovvero il momento di transizione e trasformazione. Il concorso è aperto a fotografi internazionali e offre opportunità di pubblicazione e visibilità in contesti espositivi dedicati all’arte contemporanea. È ideale per chi lavora su progetti concettuali, identitari e di trasformazione personale o sociale.
CITY Photo Exhibit è una mostra collettiva dedicata alla fotografia urbana che chiama fotografi da tutto il mondo a partecipare con immagini che raccontano la vita in città. Il concorso è organizzato da Dusk Gallery e offre ai selezionati la possibilità di esporre in una mostra fisica con catalogo. Perfetto per fotografi di strada, architettura urbana e life in the city.
Urban Photo Race Brussels è un concorso fotografico urbano che si svolge a Bruxelles, con deadline a giugno 2026 per la partecipazione alla categoria internazionale. Il premio valorizza la fotografia di strada, l’architettura urbana e la vita quotidiana nelle città europee. È un’ottima opportunità per fotografi che lavorano sul contesto urbano europeo e sulle dinamiche delle città contemporanee.
15. Black & White International Photography Contest
Il Black & White International Photography Contest è uno dei concorsi più antichi e prestigiosi dedicati esclusivamente alla fotografia in bianco e nero. Il premio offre riconoscimenti internazionali, premi in denaro e la pubblicazione su riviste specializzate nel settore. È perfetto per maestri del bianco e nero e fotografi emergenti che vogliono dimostrare la loro padronanza di questa tecnica classica.
16. Open Call: A Celebration of Contemporary Photography
Questa open call da PhotoPlace Gallery è dedicata alla fotografia contemporanea e cerca lavori che esplorano nuove forme espressive e linguaggi visivi innovativi. I selezionati saranno inclusi in una mostra collettiva e ricevono promozione attraverso i canali della galleria. È ideale per fotografi concettuali, sperimentali e per chi lavora su progetti a lungo termine con forte intento artistico.
The Shape of a Moment è una mostra sia individuale che collettiva presso Exposure Photo Gallery che offre un premio di $500 al vincitore assoluto. Il concorso cerca fotografie che catturino momenti significativi con una composizione eccezionale e un impatto emotivo forte. Include anche la pubblicazione di un libro collettivo con le opere selezionate, offrendo una testimonianza tangibile del lavoro dei partecipanti.
Independent Photo organizza ogni mese un concorso tematico e a giugno 2026 il tema è “Ritratto”, aperto a fotografi professionisti e amatori di tutto il mondo. Il vincitore viene featured sul sito di Independent Photo e sulla loro rivista cartacea, con visibilità presso una community di appassionati di fotografia. È perfetto per ritrattisti che vogliono mostrare il loro lavoro a una platea italiana e internazionale.
I Mangrove Photography Awards sono un concorso dedicato alla fotografia di mangrovie, zone costiere e ecosistemi tropicali, con focus sulla conservazione ambientale. Il premio mira a sensibilizzare l’opinione pubblica sull’importanza di questi ecosistemi vulnerabili attraverso immagini potenti e narrative visive forti. Ideale per fotografi di natura, wildlife e conservazione che hanno lavorato in zone tropicali e costiere.
Scadenze critiche: Alcuni premi scadono il 1° giugno 2026 (giorno stesso o già scaduti alla data di pubblicazione dell’articolo). Verifica immediatamente se puoi ancora partecipare!
Leggere sempre il bando completo: Ogni premio ha requisiti specifici su formati, dimensioni, numero di immagini e diritti di utilizzo.
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