Nuove proposte da Musa fotografia, corsi annuali e percorsi di approfondimento


DA MUSA PUOI SEGUIRE 5 TIPI DI FORMAZIONE:
I CORSI ANNUALI danno una preparazione completa per affacciarsi nel mondo del lavoro.
I PERCORSI DI STUDIO composti da più corsi singoli e strutturati secondo una cronologia che permette di seguire un percorso di crescita omogeneo in un determinato settore della fotografia.
I CORSI SINGOLI si rivolgono a chi vuole seguire corsi unici.
I CORSI ONLINE per studiare comodamente da casa.
I WORKSHOP DI FOTOGRAFIA IN VIAGGIO in Italia o all’estero. 



CORSO ANNUALE FULL FOTOGRAFIA
In partenza da ottobre 2022 – Musa fotografia, Via Mentana, 6 Monza

Il corso annuale di fotografia è studiato per chi vuole avvicinarsi alla fotografia e vorrebbe raggiungere una preparazione generale nei settori e generi più importanti di questo linguaggio. Il corso parte da zero dando anche un’importante base legata all’utilizzo della macchina fotografica. Il corso dà l’opportunità di raggiungere una buona preparazione sia teorica che pratica, relativamente a tecnica e linguaggio fotografico, fino alla capacità di strutturare e costruire un progetto personale in autonomia, in diversi generi fotografici. I temi affrontati riguardano, il linguaggio, lo stile, il racconto fotografico, il reportage, il ritratto, l’autoritratto, il paesaggio e la street photography. Il corso insegna, oltre a capire i generi e i linguaggi per cui si è maggiormente predisposti, a sapersi muovere come autori nel mondo della fotografia. Tutte le lezioni sono serali o nei week-end. è prevista una prova finale con presentazione dei progetti svolti
PROGRAMMA
Questo percorso è composto di più corsi singoli ordinati con logica di crescita fotografica.

MATERIE DEL CORSO:
Corso base di fotografia
Corso avanzato di fotografia
Photoediting funzionale
Il linguaggio fotografico
Viaggio nella fotografia contemporanea
Lo stile fotografico
Il racconto fotografico
Reportage documentario
Paesaggio fotografico
Ritratto fotografico
Autoritratto
Farsi strada come autori
Creator per Instagram
Costruire un libro fotografico
Street photography 
SCARICA IL PROGRAMMA 

 
CORSO ANNUALE LIGHT FOTOGRAFIA
In partenza da ottobre 2022 – Musa fotografia, Via Mentana, 6 Monza
Il corso annuale light di fotografia è studiato per chi vuole avvicinarsi alla fotografia, ha già le conoscenze di base legate all’utilizzo della macchina fotografica e vorrebbe raggiungere una preparazione generale nei settori e generi più importanti di questo linguaggio. Tutte le lezioni sono serali o nei week-end. E’ previsto un incontro finale con presentazione dei progetti svolti. Il corso dà l’opportunità di raggiungere una buona preparazione sia teorica che pratica relativamente al linguaggio fotografico, fino alla capacità di strutturare e costruire un progetto personale in autonomia. I temi affrontati riguardano, il linguaggio, lo stile, il racconto fotografico, il reportage, il ritratto, l’autoritratto, il paesaggio ecc…Il corso insegna, oltre a capire i generi e i linguaggi per cui si è maggiormente predisposti, a sapersi muovere come autori nel mondo della fotografia.
PROGRAMMA
Questo percorso è composto di più corsi singoli ordinati con logica di crescita fotografica.

MATERIE DEL CORSO:
Il linguaggio fotografico
Il racconto fotografico
Lo stile fotografico
Viaggio nella fotografia contemporanea
Autoritratto
Reportage documentario
Paesaggio fotografico
Ritratto fotografico
Farsi strada come autori
Creator per Instagram
Costruire un libro fotografico 
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Partecipa al Premio Musa per donne fotografe  
INFORMAZIONI
Data di scadenza: 19 Ottobre 2022
Data di comunicazione vincitrici: 11 Novembre
Costo di partecipazione: 25 euro per un progetto – 45 euro per due progetti – 60 per tre progetti
Pagamento: tramite bonifico bancario o Paypal

Per ulteriori informazioni o chiarimenti scrivi a info@musafotografia.it  iscriviti 

 Vai al sito e scopri gli eventi in programma

 
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Premi fotografici in scadenza a Luglio

Buongiorno, ecco tutti i premi e i concorsi in scadenza a Luglio, buona visione! Annalisa Melas

MONOCHROME AWARDS 2022

La connessione della fotografia in bianco e nero con la tradizione e i valori senza tempo è fuori discussione. Fin dalla sua infanzia, la fotografia in bianco e nero non è stata solo il mestiere ma principalmente l’arte, in cui le idee evocate nell’immaginazione dell’artista vengono immortalate attraverso l’obiettivo della loro fotocamera.

Oltre una dozzina di categorie consentono ai partecipanti di specificare le definizioni delle specializzazioni fotografiche e la loro ampia diversità consente una rappresentazione adeguata dei fotografi in diverse aree chiave. Come pilastro e culla della fotografia, la fotografia in bianco e nero è evidentemente il prodotto di una grande tradizione. Richiede esperienza, capacità di discernere le dipendenze e le sottigliezze del tono e, soprattutto, immaginazione.

La nostra missione è quella di cercare talenti mentre promuoviamo fotografi, professionisti e dilettanti allo stesso modo, per presentare il loro lavoro tra i migliori fotografi monocromatici sulla terra. Oltre ai premi finanziari, i nostri vincitori ottengono anche il pieno supporto nell’area della promozione e del proseguimento del proprio percorso professionale.

Deadline: 3 July 2022

Website: https://monoawards.com

PREMIO NAZIONALE MUSA FOTOGRAFE ITALIANE

Il premio Musa, è dedicato alla produzione di portfolio fotografici ed è rivolto a tutte le fotografe (donne), senza nessuna distinzione tra amatrici e professioniste. Il lavoro che presenterete, verrà sottoposto a giudizio insindacabile della giuria composta da esperte.
La giuria è composta da professioniste nel settore della fotografia. L’ambito del premio è rivolto alla fotografia italiana femminile e possono partecipare fotografe che si esprimono in ogni settore fotografico, ogni genere, senza limitazioni relative al progetto scelto per essere presentato.Si possono presentare fino ad un massimo di tre progetti.

REGOLAMENTO

Il tema è libero ma deve essere considerata la categoria di appartenenza del progetto:

1) Reportage, Street photography, Natura, Viaggio, Eventi.

2) Progetto personale, Fotografia concettuale, Ricerca, Still life.

3) Ritratto, Moda, Fotografia di spettacolo.

Scadenza: Ottobre 2022

Per info https://www.musafotografia.it/premio.html

CHROMATIC PHOTO AWARDS 2022

Chromatic Awards è un concorso internazionale di fotografia a colori aperto a professionisti e dilettanti. La partecipazione ai Chromatic Awards offre non solo prestigio, ma anche l’opportunità di vincere denaro extra per lo sviluppo della passione.

Pertanto, ogni fotografo professionista e dilettante da ogni angolo del mondo è invitato e sollecitato a partecipare alla terza edizione di questo prestigioso concorso fotografico internazionale dedicato alla fotografia a colori dove 20 categorie saranno giudicate da una giuria internazionale composta da editori di riviste, gallery curatori, agenti professionisti e altri professionisti del settore.

La disponibilità di attrezzature fotografiche rende la concorrenza tra i fotografi molto ampia e la possibilità di una svolta è estremamente difficile. I fotografi amatoriali e professionisti che vogliono condividere la propria passione devono dimostrare non solo una buona conoscenza del laboratorio, ma anche la tenacia nel perseguire il proprio obiettivo.

La nostra missione è fornire agli artisti l’opportunità di condividere la loro passione e le loro storie attraverso le loro fotografie, promuovere i migliori fotografi del mondo e scoprire nuovi talenti emergenti.

Deadline: 17 July 2022

Website: https://chromaticawards.com/

6TH ANNUAL ALTERNATIVE PROCESS PHOTOGRAPHY EXHIBITION

The Image Flow invita gli artisti a presentare lavori alla nostra sesta mostra collettiva annuale di fotografia di processo alternativo. Cianotipo, platino-palladio,

Verrà presa in considerazione la gomma bicromata, van dyke, fotoincisione, tintype, ambrotype, wet plate collodio, mordançage, transfer e lift, stampe al sale, lumen originali dipinti a mano e qualsiasi combinazione di fotografia di processo alternativa.

Questo bando nazionale per l’ingresso è aperto a tutti gli artisti che vivono o lavorano negli Stati Uniti. Saranno accettate per l’esposizione solo stampe o lastre originali di processo alternativo. Per favore, niente stampe o riproduzioni digitali. Tutte le iscrizioni devono essere opere d’arte originali e interamente opera del concorrente. Le opere accettate saranno esposte al The Image Flow a San Anselmo, in California.

Deadline: 6 July 2022

Website: https://theimageflow.com/gallery/call-for-entry-6th-alternative-process-photography/

GRAYSCALE: A PICTURE SHOW

Black Box Gallery è lieta di annunciare una mostra fotografica di gruppo con giuria in bianco e nero. C’è spesso una traduzione classica, nostalgica e dinamica della fotografia in bianco e nero. Il bianco e nero ha un’importante tradizione di immagini luminose, ben realizzate e composte con cura. I fotografi contemporanei sono coinvolti in questo dialogo tra storia e tradizione, ma con la loro voce moderna, visioni ed estetiche dell’immaginario. Black Box cercherà una varietà di opere fotografiche e idee per questa entusiasmante mostra.

Deadline: 12 July 2022

Website: https://blackboxgallery.com

TRAVEL BY BLANK WALL GALLERY

Le persone viaggiano, utilizzando tutti i mezzi di trasporto, andando da un luogo all’altro visitando nuovi, interessanti luoghi lontani. Le fotografie di tali luoghi, che mostrano città, villaggi o paesaggi durante il giorno o la notte, suscitano sempre l’interesse degli spettatori. Mostrano nuovi luoghi e civiltà. Li guardiamo sempre con molto interesse e un po’ di invidia perché vorremmo essere tutti lì, soprattutto al giorno d’oggi!

Vorremmo che ci inviate qualsiasi tipo di foto su questo argomento, scattate in qualsiasi parte del mondo. Tutti i mezzi accettati.

Deadline: 14 July 2022

Website: http://www.blankwallgallery.com/calls-for-entry/

LIQUID ~ SKY

Il liquido si adatta alla forma del suo contenitore. Il cielo è una sfera astratta, centrata sulla terra. Liquido, Acqua, Cielo e lo spazio liminale di mezzo sono per definizione poetici e simbolici. Eppure ci sono infinite iterazioni di liquido e cielo: considera la nostra spinta umana a dominare e contenere i liquidi (piscine, prelievi, rubinetti e bottiglie); lamenti idiomatici di “latte versato” o “acqua sotto i ponti” – mentre si estendono anche verso l’alto in edifici torreggianti, aeroplani e razzi che si spingono verso il cielo.

Praxis Gallery cerca la presentazione di un’arte fotografica che esplora le idee di liquido e cielo nelle loro miriadi di iterazioni; dai paesaggi alle nature morte – da quelle scientifiche a quelle concettuali, Praxis cerca un’indagine ampiamente interpretata su queste idee che scorrono per sempre, per sempre eteree. Tutti i generi, i tipi di acquisizione, i processi di post-produzione fotografica e digitale a colori e in bianco e nero, tradizionali e non tradizionali sono i benvenuti per la presentazione.

Deadline: 17 July 2022

Website: https://www.praxisgallery.com/calls-for-entry

CALL FOR ENTRIES: COLOR

Ogni volta che il colore appare in una fotografia, il colore diventa un elemento essenziale dell’immagine. Se usato bene, il colore può fondersi con gli altri elementi dell’immagine per creare un’atmosfera, una risposta emotiva, un senso del luogo. Quando il colore audace viene utilizzato in modi audaci, il risultato diventa una celebrazione della luce.

Per questa mostra, cerchiamo immagini che utilizzino efficacemente il colore, sia per migliorare l’immagine in modi sottili, sia per creare una dichiarazione di colore audace che è il fulcro dell’immagine. Tutti i metodi e i processi di acquisizione sono i benvenuti.

Deadline: 18 July 2022

Website: https://bit.ly/PPG-Color2022

THE GREEN ENVIRONMENT

Per il bando The Green Environment, stiamo cercando un lavoro che esplori un paesaggio verdeggiante, sia esso in natura o in mezzo alla città, che esprima visivamente il concetto di ecologia o politiche verdi o affronti la gestione dell’ambiente, come visualizzare i problemi relative ai cambiamenti climatici e alle preoccupazioni ambientali per mantenere l’ambiente verde.

Deadline: 31 July 2022

Website: https://www.sec4p.com/green-prospectus

ROTLICHT. FESTIVAL FOR ANALOG PHOTOGRAPHY 2022

Il Festival è alla ricerca di artisti che utilizzino la fotografia come mezzo, in cui processi ed elementi analogici giocano un ruolo decisivo, oltre ad espanderla con tecniche digitali in forme ibride.

In quanto festival di fotografia analogica, non accetteremo contributi creati esclusivamente con mezzi digitali.

Ti invitiamo a descrivere l’elemento analogico nel tuo breve concetto scritto.

Noi del Rotlicht Festival lavoriamo come una squadra senza scopo di lucro e con l’aiuto dei nostri partner e sponsor, oltre alla tua richiesta, possiamo supportare la fotografia analogica nel 2022 e rendere possibile questo festival.

Deadline: 31 July 2022

Website: http://www.rotlicht-festival.at

N.B.: Vi ricordiamo, come sempre, di prestare attenzione prima di candidarvi ai premi.
I concorsi da noi pubblicati sono frutto di ricerche su internet e anche se i dati inseriti sono stati selezionati, restano di carattere indicativo e pertanto sta a voi verificare con attenzione i contenuti e i regolamenti prima di partecipare ai premi.
Ci scusiamo per eventuali errori di traduzione e trascrizione dei contenuti.

Tutte le mostre fotografiche da non perdere a Luglio

Ciao a tutti,

prima di partire per le meritate vacanze, eccovi le mostre che vi segnaliamo per il mese di luglio.

Anna

Le mostre di Cortona On The Move 2022 – Me, myself and Eye

Cosa succede esattamente quando fotografiamo? La fotografia è un’arma o un faro illuminante? Chi ha il diritto di fotografare cosa? Il consenso di chi è fotografato è d’obbligo? Stiamo ancora fotografando finestre o siamo solo persi in una gigantesca sala degli specchi rimirandoci all’infinito? Sono questioni discusse da decenni e intrinseche alla natura del mezzo ma che sono recentemente riemerse con nuovo vigore sospinte dalla battaglia identitaria che ci ha inghiottito. La presa di coscienza che sia urgente riconsiderare come siano rappresentate etnia, genere e classe sta sconvolgendo vecchie regole non scritte e scrivendone di nuove.

In questo momento cruciale, in cui la fotografia è più presente che mai, assurta a linguaggio universale, prodotta, condivisa e consumata in maniera ossessiva, Cortona On The Move vuole riflettere su autorialità, punto di vista e legittimità. Su come soggetto e oggetto si intersecano, si scontrano e finiscono col coesistere.

“Me, Myself and Eye” è il tema del festival per l’edizione 2022, dove la fotografia ricerca la sua anima senza sfuggire al dibattito ma sempre aspirando al poetico. Esplorando i limiti estremi del mezzo come audaci astronauti e le storie sepolte come meticolosi archeologi.

Tra le mostre più rappresentative vi segnaliamo: Lucas Foglia, Gregory Halpern, Gabriele Galimberti, Martin Parr, Martina Bacigalupo, Alessandro Cinque, ma ce ne sono molte altre da non perdere.

Il programma completo è qua.

Dal 14 luglio al 2 ottobre – Cortona (AR) sedi varie

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Le mostre del RAGUSA FOTO FESTIVAL. EDIZIONE X – ARMONIA

Dal 21 luglio al 28 agosto 2022 torna in Sicilia, a Ragusa Ibla, borgo barocco tra i più belli d’Italia, la decima edizione di Ragusa Foto Festival, manifestazione internazionale dedicata ai linguaggi della fotografia contemporanea e alla valorizzazione di giovani talenti provenienti da tutto il mondo. 
 
Dalla Sicilia, crocevia di svariate espressioni artistiche, come il barocco simbolo di unità tra diversi linguaggi, l’edizione 2022 mette in campo tante iniziative che attraverso la fotografia e la sua immediatezza, possono aiutare a riflettere sulle possibilità di conciliazione con le molteplici sfide del contemporaneo, favorendo occasioni di dialogo, conoscenza, approfondimento e condivisione.
 
Durante le giornate inaugurali, da giovedì 21 a domenica 24 luglio, oltre all’apertura delle mostre alla presenza di alcuni dei fotografi selezionati per questa edizione, sono in programma diverse iniziative: seminari, talk, intrattenimento, workshop, letture portfolio e il Premio Miglior Portfolio dell’anno, aperitivi con gli artisti, visite guidate alle mostre. 
 
Oltre venti i progetti esposti negli gli antichi Palazzi La Rocca e Palazzo Cosentini, il Centro Commerciale Culturale “Mimì Arezzo” (Ex Opera Pia), l’Auditorium (chiesa sconsacrata) San Vincenzo Ferreri e il Giardino Ibleo. 

Tra gli ospiti alle giornate inaugurali, Mario Cresci, Gianluigi Colin, Alfredo Corrao, Mario Morcellini, Benedetta Donato, Carlo Bevilacqua, Tim Carpenter, Jenia Fridlyand, Yvonne De Rosa, Claudio Composti, Giuseppe Leone, Pietro Motisi, Donata Pizzi, Susanna Scafuri, Nello Scavo, Paolo Verzone, Velasco Vitali, Alba Zari.

Nell’anno del suo decimo anniversario, sotto la guida della fondatrice e direttrice Stefania Paxhia, giornalista siciliana e ricercatrice sociale per il Consorzio Aaster, insieme con il direttore artistico Steve Bisson, curatore e docente di fotografia al Paris College of Art, con il comitato scientifico diversificato e una rete di partner culturali nazionali e internazionali, Ragusa Foto Festival prosegue il percorso iniziato nel 2021 in tema di desiderio e speranza, e si interroga sul concetto di armonia cheoggi torna alla ribalta per il bisogno urgente di un approccio incentrato sulla collaborazione e sulla complementarità. E non significa necessariamente assenza di contrasti o di conflitti ma mantenere la mente aperta al bene comune. Gli antichi Greci usavano rappresentare l’armonia con il Mar Mediterraneo, tra le aree più ricche al mondo in termini di stratificazioni storiche e artistiche, né terra mobile né mare sconfinato come l’Oceano, ponte tra le sponde della civiltà, simbolo della perenne prossimità degli esseri umani tra loro diversi e allo stesso tempo uguali.

Dal 2012 il Festival costituisce un’occasione di approfondimento dedicato ai diversi linguaggi delle arti visive e all’attualità, rievocando la più antica delle peculiarità del Mediterraneo, l’armonia del dialogo tra culture diverse nel “mare fra le terre”. La coesistenza tra la ricerca del benessere e la paura dell’incertezza, l’impeto incontrollato della tecnologia, la convivenza tra popoli, la riduzione delle diseguaglianze per mezzo dell’emancipazione dei ruoli e l’inclusione delle parti sociali, la crisi ambientale e l’insalubrità crescente del pianeta, sono solo alcune delle prepotenti emergenze che la fotografia con la sua immediatezza e accessibilità può aiutarci a guardare in faccia.

Prodotto e organizzato dall’Associazione Antiruggine, il Festival è patrocinato dal Ministero dei Beni Culturali, MIC, e da Caritas Italiana, con il sostegno di Fondazione Con il Sud, di Sicilia Fondo Sociale Europeo, dell’Ambasciata e del Consolato Generale del Regno dei Paesi Bassi, della Presidenza dell’Assemblea della Regione Sicilia e dei suoi Assessorati ai Beni Culturali e al Turismo, del Comune di Ragusa, Banca Agricola Popolare di Ragusa, della Camera di Commercio del Sud Est Sicilia e del Libero Consorzio Comunale di Ragusa e del Comune di Ragusa.

Dal 21 Luglio 2022 al 28 Agosto 2022 – Ragusa – Sedi Varie

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FOTOGRAFE! DAGLI ARCHIVI ALINARI A OGGI

Federica Belli, The lens (Through Which We See Ourselves), 2018. Stampa digitale Fine Art ai pigmenti di colore su Hahnemuhle Photo Rag

Villa Bardini e il Forte di Belvedere, a Firenze, dal 18 giugno al 2 ottobre 2022, ospitano la grande mostra FOTOGRAFE!, a cura di Emanuela Sesti e Walter Guadagnini, presentata e promossa dalla Fondazione Alinari per la Fotografia e dalla Fondazione CR Firenze, in collaborazione con il Comune di Firenze. Un nuovo e ambizioso progetto espositivo che ha per protagoniste assolute le fotografe di ieri e di oggi e che unisce le sale delle due sedi ospitanti in un unico itinerario, ricco e suggestivo, che affianca opere originali degli Archivi Alinari a produzioni contemporanee. L’esposizione si inserisce organicamente nell’offerta culturale estiva di Forte di Belvedere curata da Museo Novecento.

Partendo dagli esiti della ricerca negli Archivi Alinari, il progetto espositivo crea un percorso che intreccia e ripropone in maniera sincronica una storia che dalla fotografia delle origini attraversa il Novecento e arriva ai nostri giorni, affiancando i primi procedimenti fotografici alle sperimentazioni contemporanee. La mostra non segue quindi un andamento cronologico, ma è costruita per analogie, differenze, suggestioni, per temi e generi, primo tra tutti il ritratto fotografico, mettendo insieme in un unico percorso fotografie e fotografe nate in epoche, luoghi e contesti sociali diversi: l’intento è non tanto e non solo la ricerca di uno specifico e quanto mai ipotetico ‘sguardo femminile’, quanto l’individuazione della centralità di alcune personalità – spesso sottostimate – nello sviluppo della ricerca fotografica sin dai suoi albori. La presenza delle autrici contemporanee costituisce un ulteriore momento di riflessione che investe le pratiche artistiche odierne, a partire dal rapporto con il passato e con la memoria, siano esse individuali o collettive, all’interno di un mondo in continuo mutamento, dove anche i ruoli sociali e i paradigmi ad essi legati sono in costante divenire.

In mostra vintage prints, album e negativi dagli Archivi Alinari, opere provenienti dalle diverse collezioni di oltre quaranta fotografe, in molti casi inedite, a partire da quelle delle prime dagherrotipiste degli anni ’40 dell’Ottocento, come la francese Bernardine Caroline Théodora Hirza Lejeune (Parigi 1824-1895) del fondo Oggetti Unici che è stato restaurato, catalogato e digitalizzato nel 2021 anche grazie al sostegno della Fondazione CR Firenze. Le stampe originali di Julia Margaret Cameron, Dorothea Lange, Margaret Bourke-White, Lucia Moholy, Maria Mulas, Ketty La Rocca, Lisetta Carmi, Diane Arbus, Bettina Rheims, per citarne solo alcune, si confrontano con le produzioni di dieci autrici italiane, Eleonora Agostini, Arianna Arcara, Federica Belli, Marina Caneve, Francesca Catastini, Myriam Meloni, Giulia Parlato, Roselena Ramistella, Sofia Uslenghi, Alba Zari, rappresentanti della più giovane generazione, nata dopo il 1980, che va affermandosi in questi anni sia sul piano nazionale che su quello internazionale, presenti con opere che interagiscono con il patrimonio storico Alinari. Le autrici innescano dunque una conversazione ideale con le fotografie storiche e con l’archivio stesso, così da esaltarne la matericità e l’aura, proponendo in questo modo anche nuove chiavi di lettura alle immagini provenienti da un passato talvolta lontanissimo.
Grazie a Calliope Arts, ente no profit con sede a Firenze e Londra, nato per valorizzare e salvaguardare il patrimonio culturale delle donne attraverso il suo progetto ‘Restoration Conversations’, la mostra si arricchisce di due sezioni dedicate a fondi degli Archivi Alinari: quello delle sorelle Wanda Wulz (Trieste 1903-1984) e Marion Wulz (Trieste 1905-1990) e quello di Edith Arnaldi (Vienna 1884-Roma 1978), nota soprattutto come scrittrice ed artista di area futurista con lo pseudonimo di Rosa Rosà, che è tra le artiste selezionate per la mostra della Biennale Arte di Venezia curata da Cecilia Alemani.
Da questi archivi sono tratte opere inedite, alcune stampate direttamente dai negativi originali, che restituiscono alla fruizione pubblica i risultati di una prima ricognizione su materiali finora meno esplorati di questi nuclei archivistici, di straordinario interesse per la storia della fotografia. Da una parte il fondo Wulz (noto per la fama internazionale delle opere futuriste di Wanda, tra cui la realizzazione della famosa sovraimpressione “Io+gatto”), di cui verranno esposti a Villa Bardini anche dei negativi, che riserveranno al pubblico e agli studiosi importanti sorprese, in particolare sulsodalizio lavorativo e artistico con la sorella Marion. Dall’altra, al Forte Belvedere, un archivio completamente da esplorare, sostanzialmente un inedito, che permetterà, anche grazie alla ricerca della storica dell’arte Lisa Hanstein, di riportare alla luce la produzione fotografica di un’artista poliedrica come Edith Arnaldi, caratterizzata da ritratti e fotografie di viaggio realizzate in Italia, Europa e Africa, e dai ritratti eseguiti nel suo studio romano, funzionali all’indagine sulla produzione pittorica futurista dell’autrice.  
Durante l’apertura saranno organizzati dialoghi con le artiste presenti in mostra, visite guidate e laboratori per bambini e famiglie.  
La mostra vede la collaborazione di MUS.E e la Fondazione Parchi Monumentali Bardini e Peyron, e il contributo di Unicoop Firenze. 

Dal 18 Giugno 2022 al 02 Ottobre 2022 – Villa Bardini / Forte di Belvedere – Firenze

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Unfolding stories

Unfolding stories è il titolo della mostra collettiva finale del biennio di studi 2020-2022 che inaugurerà mercoledì 29 giugno alle ore 19 presso la nostra sede distaccata in via Zanolini 9 a Bologna, uno spazio del tutto inedito per i nostri eventi culturali aperti al pubblico e che rappresenta il cuore laboratoriale dentro cui i nostri studenti e le nostre studentesse hanno iniziato e completato il loro percorso formativo

La mostra Unfolding stories – in cui come da tradizione della scuola di Spazio Labo’ si fruisce di una selezione tra tutti i lavori realizzati dalla classe – rappresenta la condivisione di una serie di riflessioni intime che hanno spinto gli autori e le autrici a indagare su un tema nel quale erano coinvolti in prima persona e che con questa mostra restituiscono al pubblico sotto forma di progetti e libri fotografici.

Gli autori e le autrici in mostra sono Vera Bessegato, Chiara Calgaro, Martina Ciconte, Vincenzo Foglia e Anna Michelotti. Oltre ai loro lavori, saranno esposti tutti i libri fotografici realizzati dalla classe.

In occasione dell’inaugurazione, a partire dalle ore 20, i cinque autori in mostra svolgeranno una visita guidata e racconteranno i loro progetti e i libri fotografici che hanno realizzato, disponibili a rispondere a tutte le domande e curiosità dei visitatori. Un’occasione unica per conoscere da vicino il lavoro di una serie di brillanti giovani autori.

29.06.2022 / 02.07.2022 – Spazio Labo – Bologna

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IRENE KUNG – VISIONI

Fino al 9 gennaio, presso le sedi di Banca Mediolanum di Palazzo Biandrà a Milano e in via Calle del Sale 19 a Mestre, in collaborazione con  CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia e con Alessia Paladini Gallery, sarà possibile visitare due mostre firmate Irene Kung. L’artista di fama internazionale, nota per i suoi scatti capaci di immortalare lo spirito dei luoghi, nasce e coltiva la sua passione artistica in Svizzera dove, dopo aver studiato pittura, scopre e sviluppa la passione per la fotografia.

«Immagini sospese nel tempo e nello spazio, visioni evanescenti sottratte al loro contesto che, superando la realtà, entrano a far parte di una dimensione onirica».

Le mura dello storico palazzo costruito nel 1900 dall’architetto Luca Beltrami, sede di Banca Mediolanum, ospitano una personale dell’artista che raccoglie la serie dei suoi scatti più noti, quella dedicata alle grandi città del mondo. A legare le fotografie dei panorami urbani della Kung è una chiave di lettura ben precisa: la capacità di riappropriarsi dello sguardo. Luoghi ed edifici, i veri protagonisti della vita cittadina, da sempre costituiscono quel contorno visivo che molto spesso dà forma alle nostre giornate. Irene Kung punta i riflettori su quattro luoghi simbolo di Milano: la Stazione Centrale, il Duomo, la Scala e la Torre Velasca. 

Nelle fotografie dell’artista l’immagine si spoglia di qualsiasi riferimento ordinario per trasformarsi in un’apparizione fantastica, un’autentica visione. L’ingrediente esterno, che invita oggi più che mai alla riflessione e che indaga il rapporto tra uomo e natura, ha le forme di un albero. L’elemento naturale funge da collante narrativo evidenziando la necessità umana di coesistere tra ciò che crea e ciò che è creato. 

Dallo Younnan, al Tibet fino a Mestre

Seguono, invece, una differente linea narrativa le opere esposte nella sede veneta di Banca Mediolanum. S’intitola Visioni dallo Yunnan e dal Tibet il ciclo di opere dedicato all’Estremo Oriente che coinvolge lo spettro emotivo di ognuno di noi in un percorso che unisce Occidente e Oriente. L’artista, attraverso l’utilizzo del colore conferisce alle sue immagini la dimensione dell’apparizione, portando alla luce la stessa sorpresa provata dai primi viaggiatori Occidentali di fronte ai paesaggi e alle architetture della cultura Orientale. Un tema importante quello indagato da Irene, che si sofferma sulla necessità di osservare le tracce di una cultura differente dalla propria. Per farlo l’obiettivo si stringe sulle immagini sospese nel tempo che, come visioni evanescenti, superano la realtà.

Forme e colori prendono corpo in un linguaggio visivo onirico, che pone l’artista davanti ad una riflessione alla ricerca del significato stesso di esperienza emotiva: 

«il tentativo di generare un nuovo significato a partire dalle percezioni di un’esperienza emotiva, è un’astrazione che mi conduce dalle zone più in ombra della dimensione meditativa, fino agli spazi inconsci dell’anima».

Le inquadrature della Kung hanno la sorprendente capacità di far emergere i soggetti dall’oscurità esprimendo, attraverso un gioco di luci e ombre, una vicinanza stilistica con il Rinascimento pittorico italiano. Nuove prospettive si aprono davanti ai suoi lavori che  giocano stimolando l’attenzione di ognuno di noi su tematiche quali l’equilibrio tra uomo e natura e l’inquietudine della solitudine urbana/umana, un connubio tipico anche della visione sublime raccontata nella storia dell’arte da artisti del calibro di Turner o Blake le cui opere hanno un sottile ma necessario punto in comune con la Kung, generano quel senso di inquietudine e bellezza a cavallo tra sogno e realtà. 

Dal 24 giugno al 9 gennaio – Palazzo Biandrà Milano

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Jacopo Benassi – Junk B

Jacopo Benassi, Junk B, NEUTRO

Con il progetto Junk B, Benassi rielabora gli scarti delle sue produzioni precedenti in dei poster/collage. Ciò che era stato abbandonato è ricomposto in una serie in bianco e nero da cui emergono scritte, personaggi, pezzi di corpo, oggetti, macchie. Alle opere Benassi aggiunge pezzi di legno, timbri, fanzine e si appropria di estratti del testo scritto da Carlo Antonelli creando una stratificazione di elementi cruda ed enigmatica.
L’esposizione è accompagnata da una pubblicazione limitata in 100 copie; all’interno è archiviata la serie progressiva dei sei collage esposti in mostra, accompagnati dal testo “Gli Antenati” di Carlo Antonelli

dal 30/05/2022 – al 31/08/2022 – SPAZIO NEUTRO – Reggio Emilia

PANGEA PHOTO FESTIVAL

Con un evento organizzato in collaborazione con l’associazione Effetto Notte,  sabato 18 giugno alle ore 18 alla Pineta di Casina (RE) – dove è esposta per la prima volta in Italia la mostra “Outside the binary” di Linda Bournane Egelberth – si inaugura la seconda edizione del Pangea Photo Festival, il primo festival di fotografia dedicato a tematiche contemporanee cruciali per il futuro della società e del pianeta.

Il Pangea Photo Festival è un’iniziativa nata per volere di un gruppo informale di ragazze e ragazzi nati, cresciuti e residenti sull’Appennino Reggiano, per portare attenzione, nel proprio territorio, attraverso la fotografia d’autore e di reportage, su temi legati all’attualità globale: cambiamento climatico, conflitti, migrazione, relazione uomo/natura e uomo/potere, temi che troppo spesso passano inosservati nelle nostre vite, ma che hanno un forte impatto sul nostro presente e sul nostro futuro.

Il festival di fotografia è nato infatti per riflettere sulle tematiche contemporanee cruciali per il futuro della società e del Pianeta ed è organizzato insieme al Comune di Castelnovo ne’ Monti e con il sostegno della locale Azienda Speciale Consortile Teatro Appennino, che lo ha inserito quest’anno nel contesto della quinta edizione de L’Uomo Che Cammina, evento dedicato al rapporto tra l’uomo, l’ambiente naturale e la dimensione del sacro, nato a Castelnovo ne’ Monti, in provincia di Reggio Emilia.

La seconda edizione del festival ospita fino al 18 settembre cinque reportage, di cui due inediti in Italia, open air visitabili 24/7, di autrici e autori nazionali e internazionali in alcuni dei luoghi più suggestivi dell’Appennino Reggiano come la Pietra di Bismantova, citata da Dante nel Purgatorio. Le mostre sono completamente gratuite aperte e fruibili 24/7 e sono allestite in diverse sedi outdoor in contesti significativi a livello paesaggistico o sociale nel Comune di Castelnovo ne’ Monti, e quest’anno anche in quello di Casina.

Le fotografe e i fotografi coinvolti affrontano grandi tematiche dell’attualità globale che accendono domande su come questi temi impattino sulle comunità locali e sulla vita di ciascuno di noi.

Le mostre fotografiche, allestite a cielo aperto, che interagiscono con la natura circostante, sono:

  • a Ginepreto “Drowning in plastic” di James Whitlow Delano, documentarista americano con base a Tokyo, curata da Marta Cannoni e Livia Corbò dell’agenzia Photo Op
  • alla Pineta di Monte Bagnolo “Burning dreams” di Carolina Rapezzi, fotografa italiana con base a Londra che si occupa di questioni sociali, umanitarie ed ambientali tra Europa e Africa occidentale;
  • alla Pineta di Casina, per la prima volta in Italia, “Outside the binary” di Linda Bournane Engelberth, fotografa documentarista focalizzata sull’identità umana, sulle identità di genere e sulle comunità rurali;
  • ai Giardini di via Monzani a Castelnovo il reportage, vincitore del premio World Press Photo 2018 (3° classificato nella sezione General News), “Lives in limbo” di Francesco Pistilli, fotoreporter e videomaker Abruzzese che si occupa di reportage e ritratto editoriale dai contenuti politici, sociali e ambientali;
  • lungo la salita alla Pietra di Bismantova, vicino a Castelnovo ne’ Monti, sui muri che dal piazzale Dante conducono all’Eremo di Bismantova, la mostra inedita in Italia “God’s Honey” di Nadia Shira Cohen, freelance già stinger per Associated Press, poi per Sipa Press e VII Photo Agency.

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LE FORME DEL TEMPO. FOTOGRAFIE DI FABIO BARILE E DOMINGO MILELLA

Conoscere il passato è un’impresa altrettanto stupefacente che conoscere le stelle”: scrive così George Kubler nel suo libro The Shape of Time (1972) da cui è tratto il titolo della mostra Le forme del tempo, che dal 22 giugno al 31 luglio 2022 presenta le fotografie di Fabio Barile e Domingo Milella in un inedito dialogo con gli spazi archeologici delle Terme di Diocleziano a Roma.
 
La mostra, a cura di Alessandro Dandini de Sylva, è un viaggio nel tempo geologico, archeologico e  presente. Dopo i primi due capitoli espositivi al Centro Arti Visive Pescheria e nell’antica Sinagoga di Pesaro, Le forme del tempo cerca ora un nuovo legame con le Grandi Aule delle terme romane.
 
La mostra è un’evoluzione del dialogo tra i due artisti, questa volta dedicato al rapporto tra archeologia del paesaggio earcheologia del linguaggio: i due artisti e il curatore hanno immaginato il percorso espositivo come una conversazione tra immagini e spazio archeologico, per un ritorno arcaico alla riflessione e per una profonda ricerca sulla fotografia e sull’atto stesso del guardare. 
 
Le opere di Fabio Barile e Domingo Milella sono fotografie che riflettono il Tempo. Le immagini di Barile mostrano forme in perenne evoluzione, fin dal tempo profondo del mondo e della geologia, mentre quelle di Milella affondano le loro radici nella pietra dell’arcaico, del primitivo nel presente in un solo sguardo. – dice Alessandro Dandini de Sylva, curatore della mostra – Il discorso sull’antico è evocato dal dialogo tra le immagini in mostra: dalle Piramidi di Giza alla Tomba di Re Mida in Frigia dall’altopiano di Campo Imperatore alla Gola di Gorropu in Supramonte. Attraverso il dialogo tra i due artisti la mostra intende avvicinare geologie mute e pietre parlanti ricercando un’archeologia comune.”
 
Insieme ai lavori fotografici, Le forme del tempo presenta una selezione di reperti archeologici, scelti con il direttore del Museo Nazionale Romano Stéphane Verger, con l’intento di creare accostamenti visivi e semantici inaspettati tra le fotografie, le Grandi Aule e i frammenti di tempo riportati alla luce dai magazzini del museo. 
 
Spiega il Direttore del Museo Nazionale Romano Stéphane Verger: “Con la mostra Le forme del Tempo prosegue il progetto “Archeologia e Fotografia” del Museo Nazionale Romano. Il progetto è nato per promuovere il patrimonio archeologico attraverso il linguaggio universale della fotografia. La scelta di esporre opere conservate nei depositi del Museo accanto alle immagini dei fotografi Fabio Barile e Domingo Milella, consente di evidenziare la portata della relazione che esiste tra il Museo e il suo contenuto e la creatività contemporanea. Inoltre, l’esposizione fotografica trova nella sede delle Terme di Diocleziano lo spazio ideale per un racconto visivo dedicato allo scorrere del tempo, e si pone in costante dialogo con le imponenti strutture delle aule delle Terme e i reperti”. 
 
Come nei precedenti capitoli espositivi le opere dei due artisti sono presentate in un allestimento disegnato per favorire il dialogo con lo spazio archeologico, assorbirne tutte le preziose vibrazioni e offrire ai visitatori un’esperienza culturale originale.
 
La mostra sarà anche una stanza di riflessione dove, durante il periodo espositivo, si terrà un incontro con scrittori e studiosi di archeologia e un laboratorio per bambini in collaborazione con l’associazione Cartastraccia
 
Le forme del tempo è accompagnata da una pubblicazione edita da Fondazione Malaspina che raccoglie un testo del direttore del Museo Nazionale Romano Stéphane Verger e una conversazione tra il curatore Alessandro Dandini de Sylva e i fotografi Fabio Barile e Domingo Milella.

Dal 21 Giugno 2022 al 31 Luglio 2022 – Museo Nazionale Romano – Terme di Diocleziano -Roma

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SOGNI opere di Mario Lasalandra e Umberto Cornale

Sensazioni visive o auditive identificate come reali; così viene definito un sogno. Di queste percezioni gli autori in mostra ne hanno fatto una poetica e hanno permesso che il senso attribuito alle loro opere rispondesse a leggi diverse da quelle imposte dalla logica e dalla realtà.

Pur partendo dal tangibile, entrambi si sono spinti, per strade distinte e personali, verso la creazione di una propria identità visiva, di un vissuto fantastico per molti versi inquietante e a tratti magico.  

Impossibile è astenersi dal vivere una partecipazione emotiva forte. Come in uno specchio chi guarda trova la sua realtà e trova la sua personale logica al sogno.

Gli autori, entrambi veneti, sono esposti in dialogo per la prima volta nel loro percorso artistico in questa lettura dell’opera curata da Simona Guerra.

dal 3 al 31 luglio – Spazio Piktart – Senigallia

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Torna FotoLeggendo, dedicato ai vent’anni di Officine Fotografiche

FotoLeggendo

XV edizione del Festival di Fotografia

dedicato ai vent’anni di Officine Fotografiche

24 giugno-20 luglio 2022

Si inaugura a Roma, venerdì 24 Giugno alle 18.30, negli spazi di Officine Fotografiche, la XV edizione del Festival di Fotografia FotoLeggendo, che quest’anno sarà dedicato alla celebrazione dei 20 anni di Officine Fotografiche.

Nasce nel 2001, alla Garbatella, una piccola scuola di fotografia che diventa da subito molto popolare nel quartiere. Comincia sin da subito a collaborare con affermate realtà come Contrasto e VII e con istituzioni come il Museo di Roma in Trastevere dove per anni diviene partner per l’organizzazione di grandi mostre da Franco Fontana a Berengo Gardin. La varietà dell’offerta didattica,  il contatto con i grandi protagonisti della fotografia,  la capacità inclusiva di Officine Fotografiche (OF) la portano a crescere e così nell’ottobre del 2010 fa il grande salto che la porterà nell’attuale sede di Via G. Libetta al quartiere Ostiense: uno spazio di 600mq, con una sala espositiva capace di ospitare artisti di livello internazionale, un bookshop, una biblioteca con sala di lettura e diverse aule per una programmazione didattica di altissimo livello. Negli anni sono stati tantissimi i nomi di primo piano del panorama fotografico nazionale a collaborare come docenti per corsi e master di fotografia e fotogiornalismo.

Da allora, come è ancora oggi nelle intenzioni del suo fondatore e direttore artistico Emilio D’Itri,  Officine Fotografiche è stata molto di più di una scuola, è diventata un riferimento per tanti fotografi, un fulcro del dibattito culturale romano, uno sguardo sul mondo. In poche parole è stata ed è  “la casa della fotografia”, quella casa che purtroppo, per quanto più volte promesso dalle istituzioni, la fotografia a Roma non ha mai avuto.

Emilio D’Itri ha poi creato un festival, FotoLeggendo completamente autoprodotto, che ha portato nella capitale grandi nomi della fotografia: da Larry Fink, a Michel Ackerman, da Gianni Berengo Gardin a Vanessa Winship e David Alan Harvey e tantissimi altri che sarebbe impossibile menzionare. Più che un festival FotoLeggendo è una festa della fotografia dove da sempre si sperimentano linguaggi, si riflette e ci si racconta con video, installazioni, mostre, nei dibattiti, nelle letture di portfolio e nei workshop. Si guarda il mondo attraverso la visione dei grandi fotografi ma anche attraverso gli obiettivi degli studenti e dei fotografi esordienti.

Si perché nella grande casa della fotografia c’è spazio per tutti. Ed è questo che probabilmente ha premiato Officine Fotografiche, regalandogli la grande popolarità e il seguito che in questi 20 anni, nonostante la pandemia, non ha mai perso.

OF ha anche avuto il merito di stringere relazioni con importanti festival di fotografia promuovendo tantissimi giovani talenti attraverso lo scambio di mostre, in particolare con Boutographies di Montpellier. E’ bene sottolineare che tutte queste mostre sono state fruibili dal pubblico sempre a titolo gratuito proprio perché lo spirito che ha sempre animato l’organizzazione è quello della divulgazione e non del profitto.

Ci sarebbe davvero da scrivere pagine e pagine sulla storia di Officine Fotografiche, sulla sua filosofia e sul suo festival, FotoLeggendo, che quest’anno è giustamente dedicato alla celebrazione dei 20 anni. È un festival speciale perciò anche perché torna dopo tre anni di pausa.

Emilio D’Itri, direttore artistico del festival ha voluto quest’anno raccontare “mondi” particolari, quello delle famiglie circensi, quello dei travestiti, il modo del porno e alcune realtà distopiche. L’idea è dare spazio a mondi non convenzionali, quasi a voler raccontare quello spirito di libertà che ha sempre animato Officine Fotografiche. Tutto attraverso lo sguardo di grandi nomi come Castore e Stefano De Luigi, Paolo Pellegrin, accanto a nuove promesse della fotografia Italiana come Stephanie Gengotti e Gabriele Cecconi.

Anche quest’anno FotoLeggendo avrà il suo ospite internazionale e sarà Joan Fontcuberta che presenterà un suo libro  Il bacio di Giuda. Fotografia e verità di Joan Fontcuberta (Mimesis Edizioni, 2022) insieme all’autore interverranno Francesca Adamo e Michele Smargiassi.

E a proposito di prestigiose collaborazioni internazionali, anche quest’anno trova il suo naturale spazio l’editoria attraverso la presentazione della mostra di Aperture, unica tappa italiana del tour mondiale della famosa casa editrice.

Ad anticipare il festival è la prima edizione del Premio Emiliano Mancuso, alla memoria del nostro amico, fotografo e docente di Officine, scomparso prematuramente a settembre 2018 al quale è stata dedicata  una grande retrospettiva curata da Renata Ferri al Museo di Roma in Trastevere.

Tantissimi gli ospiti che animeranno le 3 giornate di FotoLeggendo, un programma tutto da leggere e prendere appunti.

Durante il weekend inaugurale (sabato 25 e domenica 26 giugno) sono previste letture portfolio con photo editor, curatori e fotografi. Officine ha voluto invitare tutte quelle figure che nel corso degli anni hanno sempre manifestato il loro sostegno e la loro sentita partecipazione. Al termine delle giornate dedicate alle letture sarà proclamato il vincitore del Premio Officine Fotografiche, che si aggiudicherà la produzione della mostra da esporre a Officine Fotografiche l’anno successivo.

Il programma delle giornate inaugurali prevede: incontri con gli autori, visite guidate alle mostre, talk, presentazioni editoriali e un nuovo format per presentare i propri progetti il: “Photographic Corner”.

Dopo 14 edizioni Fotoleggendo ci aveva lasciato, nel 2019 Emilio D’Itri aveva annunciato l’ultima edizione del festival  “si avevo deciso di chiudere, ero stanco degli sforzi organizzativi ed economici che ogni volta bisognava mettere in campo nel totale disinteresse delle istituzioni – afferma Emilio D’Itri- ma  questi due anni di fermo di tutte le attività soprattutto culturali, mi ha dato modo di riflettere sull’importanza di quello che facciamo, sulla necessità di continuare ad offrire alla città di Roma un festival di fotografia che è uno spazio di confronto/incontro, un laboratorio di idee, un’officina di creatività…servono energie vitali e creative in questo momento e noi di Officine Fotografiche non vogliamo tirarci indietro”.

Ufficio stampa

Roberta de Fabritiis

robertadefabritiis@libero.it

cell.3484463496

www.fotoleggendo.it

Le mostre in programma:

Lorenzo Castore GLITTER BLUES

Marcello (Lulù) e Antonio (Cioccolatina) partono ogni giorno dalle loro case in periferie lontane dal centro della città verso il quale convergono per arrivare a San Berillo. Con loro Ramona, Brigida, Ornella, Monica la vichinga, Fiorella, Rosa, Ambra, Graziella si muovono per la città da un estremo ad un altro, mischiandosi al caos di un’umanità varia in cui tutto sembra indistinto.

La mostra è stata prodotta in collaborazione con la galleria UNSOCIAL STUDIO di Modena.

Stephanie Gengotti Circus Love – The Magical Life of Europe’s Family Circuses 

Circus Love è un progetto a lungo termine sul ‘nouveau cirque’ in cui l’autrice racconta la storia e la vita quotidiana di sei famiglie circensi. È un gioioso ma potente urlo di ribellione per riaffermare la dimensione umana, per evidenziare le necessità prioritarie di recuperare il senso di condivisione, di famiglia e il bisogno di riscoprire il rapporto con la Natura.

Gabriele Cecconi KUWAIT SOUL

a cura di Laura Carnemolla in collaborazione con Parallelozero.

Il Kuwait, uno dei paesi più piccoli e ricchi del mondo, raramente sotto i riflettori ma al centro della scena durante la prima Guerra del Golfo, è ancora oggi un luogo di estremi: le temperature estive raggiungono livelli record, solo il due per cento della terra del Paese è coltivabile, le raffinerie di petrolio contribuiscono alla pessima qualità dell’aria che ha un pesante impatto sulla salute della popolazione del Paese. Negli ultimi anni ha goduto di un’enorme ricchezza economica e ha sviluppato una visione piuttosto estrema del modello capitalista: una realtà in cui un materialismo di livelli quasi distopici si fonde con forti tradizioni islamiche.

Paris Photo-Aperture Foundation Photobook Awards
è uno dei maggiori premi internazionali riservato esclusivamente alle pubblicazioni di libri fotografici e a cui partecipano le più importanti case editrici di tutto il mondo, quelle indipendenti, ed anche self-publishing. Officine Fotografiche ospita l’unica tappa italiana della mostra itinerante.

Stefano De Luigi PORNOLAND REDUX – installazione video
A distanza di vent’anni, l’autore ha rivisitato completamente la sua opera restituendoci una visione più personale con più della metà delle fotografie inedite.

Pornoland Redux è la storia del ritorno da una terra dove si combattono battaglie e si compiono imprese epiche, un luogo di cui tutti parlano e che tutti vorrebbero almeno visitare.

Paolo Pellegrin Bordelines – installazione video

Pellegrin ha viaggiato lungo la frontiera tra il Messico e gli Stati Uniti e tra i sobborghi di

Rochester, Miami e Milwaukee documentando le tensioni e i conflitti che segnano l’america contemporanea.

Seguendo il percorso delle pattuglie di confine, gli interventi della polizia nelle città e lavorando a stretto contatto con le comunità, il video esplora le dinamiche legate alle linee di separazione, fisiche e metaforiche, che caratterizzano gli Stati Uniti.

Premio Marco Bastianelli –

Durante il weekend di apertura sarà possibile consultare libri fotografici realizzati tra il 2004 e il 2021 provenienti dall’archivio del Premio Marco Bastianelli.

Programma delle Giornate Inaugurali

Letture Portfolio 

Cortile Esterno Officine Fotografiche 

sabato 25 giugno orario: 10 – 13 e 15 – 18

domenica 26 giugno 10 – 13 

I Lettori:  Chiara Capodici – Laura Carnemolla – Claudio Corrivetti –  Lorenzo Castore – Annalisa D’Angelo – Marco Delogu – Stefano De Luigi – Tiziana Faraoni –  Renata Ferri (streaming) – Stefano Mirabella – Emanuela Mirabelli  – Maysa Moroni – Chiara Oggioni Tiepolo –  Diego Orlando  – Lina Pallotta – Alessandro Penso – Fiorenza Pinna –  Massimo Siragusa  – Augusto Pieroni – Giulia Tornari 

Costo di una lettura: 15 euro – durata 20 minuti

Info e prenotazioni: https://forms.gle/oujVGonFTQK5wHpe6

Sabato 25 giugno 2022

Laboratori

Ore 10 – Laboratorio fotografico gratuito per bambini e ragazzi

a cura di Simona Filippini

Ore 10:30 – Laboratorio di Cianotipia gratuito con Giordana Citti

Prenotazioni gratuite scrivendo: of@officinefotografiche.org

Incontri con gli autori – sede OF

Ore 16.30 – Incontro con Stephanie Gengotti e visita guidata alla mostra

 Circus Love – The Magical Life of Europe’s Family Circuses

Ore 17.30 – Incontro con Stefano De Luigi e talk su “Pornoland Redux”

Incontri tematici – sala A (circolo degli illuminati)

Ore 11 – Presentazione editoriale 

Gioele, il mondo fuori (Self-Publishing) di Fabio Moscatelli

insieme all’autore interverrà Irene Alison

ore 15 – Presentazione Alta Formazione 

Racconti dai Master di Officine Fotografiche

a cura di Lina Pallotta, Augusto Pieroni e Alessandro Penso

ore 17 – Presentazione editoriale 

Fastidiosa di Jean-Marc Caimi e Valentina Piccinni (Overlapse, 2022)

in presenza degli autori

ore 18 –  Incontro

Paris Photo–Aperture Foundation PhotoBook Awards

Presentazione del Premio e approfondimento su alcuni libri presenti in mostra

con Fiorenza Pinna

ore 19.30 – Incontro 

Il bacio di Giuda. Fotografia e verità di Joan Fontcuberta (Mimesis Edizioni, 2022)

insieme all’autore interverranno Francesca Adamo, Michele Smargiassi

ore 21.00 – Chiusura Mostre

Domenica 26 giugno 2022 

 mattina

Incontri tematici – sala A (circolo degli illuminati)

Ore 11 – L’importanza della fotografia sociale 

Presentazioni dei progetti curati da Simona Filippini, Tania Boazzelli con Scatto Libero,  Andrea Petrosino e Ornella Mazzola

Laboratori

Ore 10:30 – Laboratorio di Cianotipia gratuito con Giordana Citti

Ore 10.30 – Laboratori Street Photography con Stefano Mirabella

Ore 11 – Laboratorio di Ritratto Ambientato gratuito con Alessandro Prinzivalle 

Prenotazioni gratuite scrivendo: of@officinefotografiche.org

Pomeriggio 

Incontri tematici – sala A (circolo degli illuminati)

ore 16 – Instagram e Fotografia – scenari in continua mutazione . Incontro con Irene Ferri – modera Annalisa Polli

Ore 17 – Incontro con Gabriele Cecconi e visita guidata gratuita alla mostra Kuwait Soul

ore 17 – Presentazione editoriale “Nei miei occhi” di Anna di Prospero, edizione Contrasto

ore 18 – Incontro con Lorenzo Castore Glitter Blues – modera Lina Pallotta

Premiazioni

ore 19 – Proclamazione del vincitore del Premio Officine Fotografiche al miglior portfolio

ore 19.30 – Proclamazione e premiazione del Premio Emiliano Mancuso 

ore 20.00 – Saluti finali

Martedì 28 giugno ore 18.30 – 

Sovrappasso ATAC – metro Garbatella

Inaugurazione della collettiva fotografica 

Un Ponte per la Fotografia mostra dei soci di Officine Fotografiche Roma

in collaborazione con ATAC Spa

The Many Lives of William Klein, il documentario sull’autore.

Fotografia di William Klein

Diretto da Richard Bright, The Many Lives of William Klein fa parte di una serie televisiva della BBC.
Nel cast alcuni dei grandi maestri della fotografia come: Don McCullin, Martin Parr e William Klein stesso.
Il film è stato girato a New York un mese prima di una grande mostra della Tate Modern che celebra il suo lavoro, William Klein + Daido Moriyama, nel 2012.

Fotografia di William Klein

William Klein (19 aprile 1928) è un fotografo americano noto per aver incorporato elementi insoliti nelle sue fotografie e nei suoi video.
Nato a New York, ebreo in una zona in cui l’antisemitismo era molto presente, si avvicina alla fotografia per sfuggire ai suoi coetanei. W.Klein studia al City College di New York. Nel 1948, parte per un viaggiò in Francia, studia pittura con Fernand Léger e si iscrive successivamente alla Sorbona.

Fotografia di William Klein


Klein studia pittura e ha lavora brevemente come assistente di Fernand Léger a Parigi, anche se non ha mai ricevuto una effettivamente un formazione in fotografia, lavora nella moda (pubblicherà su Vogue) ed èpubblica numerosi libri fotografici iconici, tra cui Life is good e good for you in New York (1957) e Tokyo (1964). Negli anni ’80, si è dedica a progetti cinematografici producendo numerosi documentari e film memorabili, come Muhammed Ali, The Greatest (1969). Klein fotografa inizialmente con una Rolleiflex, passerà poi a Leica. Soltanto all’inizio degli anni ’80, riprende a fotografare e in questa occasione vengono riscoperte anche le sue prime fotografie.

Fotografia di William Klein

Con Klein nasce un nuovo modo di fotografare, le sue immagini sembrano accidentali, deformate caratterizzate dal mosso e dal contrasto esagerato. Per questo William Klein è considerato una della figure più anticonformiste della fotografia americana del dopoguerra.
Klein attualmente vive e lavora a Parigi, in Francia. Le sue opere sono conservate nelle collezioni del Museum of Modern Art di New York, della National Gallery of Art di Washington, DC e dell’Art Institute di Chicago, tra gli altri.

Buona visione, ciao! Sara

https://archive.org/details/the.-many.-lives.of.-william.-klein.

Se volete conoscere e acquistare i libri di William Klein, eccone alcuni:

Per acquisto William più Klein
Per acquisto Paris + Klein
Brooklyn + Klein by William Klein

Cosa esce da un workshop a Palermo

Buongiorno, ecco i lavori prodotti durante il workshop di fotografia svoltosi a Palermo durante l’ultimo periodo di Pasqua. Io sono molto felice dei risultati e spero troviate piacevole la consultazione! Buona giornata!

Sara

P.S. I lavori sono inseriti in ordine alfabetico

PALCOSCENICOSI DI PALERMO di Pietro Arrigoni

Un microcosmo rispecchiante il macrocosmo, il variegato riflesso di una società nelle sue contraddizioni.                                   

La Settimana Santa a Palermo, non è riducibile solo a ciò che “mostra” al pubblico. Il momento dell’esibizione, della rappresentazione scenica è la sintesi di aggregazioni pubbliche che si muovono e agiscono nel corpo sociale.

VISIONI E SGUARDI NEL MERAVIGLIOSO

E’ dentro l’azione della persona nella sua quotidianità che la fotografia si rende comprensibile e attraverso gli scatti, carpire l’accadimento della Settimana Santa dentro le vie e i quartieri di Palermo.                                 

Una “narrazione” per le immagini e la definizione di una competenza: saper intendere, saper dire e saper fare “che mette in gioco i rapporti della Comunità che partecipa/agisce durante il periodo pasquale con sé stessa e il suo ambiente”.

Una duplice lettura di questo progetto è stata quella di “immortalare”, la “ Processione” e la laicità dei Pupi Siciliani in una battaglia che affronta il tema della morte come consapevolezza, perché: “fin quando noi esistiamo, la morte non c’è e quando la morte è presente noi non esistiamo”.

Nella Passione di Cristo, c’è la morte e la Resurrezione;                                                                                      Nel Teatro dei Pupi, il sipario rosso con la sua chiusura e apertura scenica.

Tutto questo in un evento momentaneo, stabilito da una preparazione scenica fra persone che decidono di diventare figuranti di una processione e pupari di una “baracca di legno della finzione” impegnati a costruire tra l’incipit e l’explicit una temporalità, effimera se si vuole, in quanto legata alla narrazione, ma significativa e significante.

La narrazione attraverso la fotografia per una “macchina che produce emozioni infinite di senso”.

L’esperienza sul campo per identificare lo “strano/puro” che appartiene a quei racconti dove si narrano avvenimenti che non si possono spiegare mediante le leggi della ragione, ma che in un modo o in un altro sono incredibili, straordinari, impressionanti, singolari, inquietanti, insoliti e necessari.

Ho cercato di cogliere tutti questi aspetti attraverso la lettura laica e religiosa ed ha la straordinaria capacità di trasformare i pensieri, i sentimenti, l’inconscio e il subconscio delle persone come in un libro aperto: ciò che nei nostri dialoghi umani di solito è mascherato e invisibile, sebbene in qualche modo percepito da tutti inconsciamente, nella drammaturgia della Passio Christi e nell’ Orlando Furioso dei Pupi Siciliani,  diventa un gioco a carte scoperte.

La mia idea di documentare la Settimana Santa/Opera dei Pupi non è stata quella di elevare tutta questa sconfinata spiritualità sommersa verso la sua liberazione e il suo compimento, ma, attraverso le immagini di rivelarla, di metterla a nudo, di farla esprimere, di metterla alla luce del sole.

Non cerco la salvezza di questa realtà, mi fermo prima: cerco di osservarla, di registrarla, di far sapere che c’è e com’è. Non si può cercare una guida verso la verità, mi accontento di svolgere un compito preliminare, cioè di mettere in scena/scatto (come faccio da oltre trent’anni con il teatro) ciò che noi tendiamo a nascondere perché non si scopra quel che siamo, che sentiamo, di cui siamo colpevoli, di cui abbiamo bisogno.

Un evento teatro/rappresentazione dove è il rimando di un linguaggio apparentemente statico alla ricerca di un equilibrio o di un limite.

La stabilità di un avvenimento, di un’opera che si perde nella sua chiusura e tutto ciò che resta, sta nell’immagine.

Pietro Arrigoni – Per conoscere Pietro @arrigoniregista su Instagram

Tutte le fotografie sono di Pietro Arrigoni, chiedere il permesso in caso di pubblicazione

I Pupi

Home is wherever I am with you di Pietro Calligaris

“Home is wherever I am with you” è un progetto che racconta l’accoglienza dei profughi ucraini nell’area di Palermo. Nel contesto della più grande crisi d’accoglienza di profughi in Europa dalla fine della Seconda guerra mondiale, la comunità locale ha dimostrato grande solidarietà fin dall’inizio del conflitto Russo-Ucraino; offrendo il loro aiuto in ogni modo possibile, hanno dato casa a chi non ne aveva più una.

Da quel 24 marzo in cui la notte fece fragore e il giorno diede alla luce la notizia di una nuova guerra, quella tra la Russia e Ucraina, il numero di profughi ucraini continua ad aumentare ogni giorno.

Mentre le forze armate dei due paesi coinvolti si fronteggiano, i civili sono le prime vittime, con circa tredici milioni di rifugiati ucraini. Ci sono quasi otto milioni di sfollati interni e più di cinque milioni di rifugiati che hanno dovuto lasciare il proprio Paese. Tra questi, ci sono soprattutto donne e bambini che hanno bisogno di essere accolti, visto che hanno lasciato tutto, anche i loro mariti e parenti.

La guerra in Ucraina ha causato la più grande crisi nell’accoglienza dei profughi in Europa dopo la fine della Seconda guerra mondiale; la Sicilia, grazie alle numerose iniziative pubbliche e private a sostegno dell’Ucraina, si è rivelata un centro nevralgico fondamentale.

“Home is wherever I am with you” è un progetto che racconta l’accoglienza dei profughi ucraini nell’area di Palermo. I suoi abitanti e le associazioni locali si sono mobilitati dall’inizio della guerra per accogliere famiglie, amici, sconosciuti, offrendo le loro case, organizzando spedizioni di generi di prima necessità e medicinali in Ucraina, mettendo a disposizione le proprie attività, i propri servizi, le proprie competenze o denaro.

Nonostante le difficoltà e le contraddizioni nell’accoglienza delle persone, il progetto mira a mettere al centro le iniziative concrete che sono state realizzate per l’accoglienza dei rifugiati e le storie di coloro che ne sono stati protagonisti.

Per conoscere Pietro @pietrocalligaris su Instagram

Tutte le fotografie sono di Pietro Calligaris, chiedere il permesso in caso di pubblicazione

SETTIMANA SANTA A PALERMO di Paolo Panero
“Venerdissanto contingentato,
Cristo sta in fila al supermercato.”
(Ahmed il lavavetri)
Il Venerdì Santo a Palermo è speciale. Le processioni delle molte Confraternite riempiono una parte del Centro Storico,
le bande musicali passano suonando marce funebri dal ritmo lento e solenne, molti giovani e anziani in costume
sollevano con grande sforzo fisico i pesanti baldacchini del Cristo Morto.
Contemporaneamente, a poco distanza, la Palermo turistica beve aperitivi e mangia fritture nelle vie in cui le processioni
non passeranno.
Da due anni le manifestazioni del Venerdì Santo erano state sospese a causa della pandemia da COVID, l’ultima volta si
erano svolte nel 2019.
Credere che il Cristo risorgerà dalla morte è un atto di fede. La religione non si discute ma si crede, non c’è il dubbio ma
c’è la speranza e la ricerca della consolazione dalle tragedie del mondo terreno.
A Palermo le processioni del Venerdì Santo avvolgono la città in un’aria di redenzione, e questo è esteticamente molto
bello, forse molto più bello che altrove, anche per un non credente. Non ci si può sottrarre da questo miracolo terrestre,
perché la Settimana Santa a Palermo è meravigliosa.
Per conoscere Paolo Panero https://www.facebook.com/paolo.panero.7/

Tutte le fotografie sono di Paolo Panero, chiedere il permesso in caso di pubblicazione

NIOFAR, STARE INSIEME – di Giulia Rosco

A Palermo l’associazione Senegalese, durante il periodo del ramadan, si ritrova nella propria sede per preparare e distribuire pasti caldi.

La preparazione dei pasti inizia alle 14 e finisce alle 20 ed è tutta gestita dai ragazzi che, nonostante la stanchezza del digiuno di acqua e cibo, trovano le forze e il tempo per cucinare. I piatti vengono distribuiti non solo a persone di fede musulmana, ma a tutti coloro che si trovano in una situazione di difficoltà e di bisogno, senza nessuna distinzione.

Per conoscere Giulia @giulia_rosco su Instagram

Tutte le fotografie sono di Giulia Rosco, chiedere il permesso in caso di pubblicazione

UN’ALTRA SOGLIA di Giulia Rosco

In Sicilia, a Palermo, tutto è contaminazione, dall’arte al cibo, dalle tradizioni ai riti, un luogo che è crogiolo di esperienze e che oggi, nel caos post-moderno del nuovo millennio, ancora è capace di accogliere, fondere, conservare diverse esperienze e storie. Chi viene dal mondo a vendere i suoi prodotti, a cucinare per noi, per gli altri, a Palermo, in Sicilia, presidia la sua tradizione e la offre alla contaminazione, difende il suo territorio – sulla soglia, orgoglioso e geloso – e si offre al contatto, alla prova, all’offerta. Sulla soglia, che è confine e varco, insegna identitaria e spazio di comunicazione. 

Per conoscere Giulia @giulia_rosco su Instagram – Sito internet

Tutte le fotografie sono di Giulia Rosco, chiedere il permesso in caso di pubblicazione

PALERMO FABER (HOMO FABER) di Salvatore Tassone

A Palermo basta fare un giro a piedi, con lentezza, nei vicoli del centro o nelle borgate fuori dalla città antica, per notare un fenomeno nuovo, in crescita.

Accanto alle poche botteghe artigiane sopravvissute, che da secoli tramandano antichi  mestieri, nuovi laboratori creativi sono tornati a popolare i vecchi quartieri riprendendo e innovando tradizioni che sembravano destinate a scomparire. 

Quartieri,  cito la Kalsa dove il fenomeno è più evidente, dove vivono e nascono attività che propongono un modo di produrre nuovo ed allo stesso tempo antico. Fatto di manualità e creatività.

Sarti, ceramisti, cesellatori, restauratori, pupari, artigiani del cuoio, del tessuto, della carta, creatori di gioielli, e tanti altri: sono il patrimonio artigianale e artistico, senza tempo, di Palermo.

Un fenomeno inclusivo, multietnico, che coinvolge oltre a giovani isolani tanti altri giovani giunti a Palermo da ogni parte del mondo.

Per conoscere Salvatore @amitaxxon su Instagram

Tutte le fotografie sono di Salvatore Tassone, chiedere il permesso in caso di pubblicazione

Sospesa di Chiara Vergani

Le città hanno molte anime e Palermo non fa eccezione.

Non a caso Roberto Alajmo, scrittore palermitano, definisce la sua città natale una “cipolla” e sfida il viaggiatore a scoprirne i diversi strati in un gioco potenzialmente infinito in cui “ogni volta che ne sbucci uno, ne resta un altro da sbucciare”.

Sospesa” è uno di questi strati. Ho provato a raccontare l’anima onirica di Palermo, una città fuori dal tempo, sospesa a mezz’aria tra passato e presente, costantemente in bilico tra degrado e bellezza, caratterizzata da contrasti e contraddizioni che, non si sa come, finiscono per trovare un equilibrio e un’armonia tra loro.

I luoghi iconici della città – le piazze, le cupole delle chiese, i chiostri profumati di agrumi, i palazzi fatiscenti ravvivati dalla street art e le porte monumentali che si aprono verso il mare – assumono un aspetto rarefatto, sono visibili attraverso un velo visivamente quasi tangibile.

Un possibile sguardo sulla città, un punto di vista lontano dallo stereotipo chiassoso e colorato che solitamente la caratterizza. Una Palermo sospesa, eterna ed eterea.

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Tutte le fotografie sono di Chiara Vergani, chiedere il permesso in caso di pubblicazione

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Fotografia e pittura: contrapposizione o integrazione?

Di Lorenzo Vitali

Da quando Baudelaire nel 1859, agli albori della fotografia, espresse una critica ferocissima e velenosa contro la fotografia: “Bisogna dunque che essa torni al suo vero compito, quello di essere la serva delle scienze e delle arti, ma la serva umilissima, come la stampa e la stenografìa, che non hanno né creato né sostituito la letteratura”, sono passati più di 150 anni.

Ormai, a mio avviso, non ha più senso porre in contrapposizione queste due forme di arte, ma può essere invece più interessante soffermarsi su quanto profondamente esse possano integrarsi.

E non dobbiamo pensare che ciò sia avvenuto solo in un certo periodo storico o con limitate modalità. Se in un primo tempo il “pittorialismo” fu, almeno in certi casi, espressione di una sorta di sudditanza della fotografia nei confronti della pittura, non dobbiamo ignorare per converso l’importante corrente “iperrealista” in pittura, che giunse sino a produrre dipinti monocromatici non facilmente distinguibili da fotografie in bianco e nero (pensiamo allo spagnolo Bernardo Torrens ad esempio).

Nei prossimi appuntamenti vorrei di volta in volta proporre, attraverso l’osservazione di fotografie realizzate da Artisti visivi differenti fra loro per caratteristiche, l’incredibile varietà di commistioni che fin dal XIX secolo si sono verificate fra fotografia e pittura e che hanno sinergicamente contribuito alla realizzazione di varie opere di arte visiva.

Questo mese possiamo provare a confrontare le immagini di due Autori che appartengono ad epoche estremamente diverse, che hanno quindi operato con mezzi ovviamente molto differenti, e che hanno in comune solo il Paese in cui le immagini sono state scattate.

Felice Beato, italiano ed europeo (nato a Corfù, poi naturalizzato britannico), uno dei primissimi Autori di reportage di guerra molto crudi in cui erano anche presenti cadaveri, ma qui dedito a tutt’altro e cioè alla rappresentazione ad uso degli Occidentali del mondo nipponico in un periodo peculiare (quello in cui il Giappone usciva dall’isolamento legato alla dominazione degli Shogun). Beato rimase in Giappone a lungo: fra il 1863 e il 1877. Ne diede, verosimilmente anche con finalità commerciali, una visione volutamente vicina all’immaginario europeo dell’epoca più che alla realtà giapponese: in aggiunta agli aspetti estetici, i lunghi tempi di esposizione allora necessari furono verosimilmente di stimolo per inquadrare e posizionare accuratamente i soggetti delle sue fotografie. Eseguiva stampe all’albumina da lastre in vetro al collodio umido e fu un pioniere delle tecniche di colorazione a mano delle fotografie, che eseguiva sistematicamente. Le sue opere, di ottima fattura, sono raccolte in vari Musei italiani.

Chloé Jafé, francese ed europea, artista contemporanea, si è a sua volta stabilita in Giappone per un consistente periodo (dal 2013 al 2019) allo scopo di indagare un aspetto poco noto e difficilmente accessibile ai più (la Yakuza al femminile), un qualcosa di cui gli occidentali non sanno nulla, realizzando una fotografia documentaria (reportage), accompagnata da una personalissima estetica intimistica. A differenza di Beato in certi casi ha avuto necessità di scattare velocemente per non perdere momenti decisivi (ha ricorso a volte anche ad una pocket camera, come afferma in una recente intervista su Artribune a cura di Manuela De Leonardis), ma ha pur realizzato fotografie in bianco e nero (dal ritratto al reportage), usando diversi tipi di fotocamera e di obiettivi ed eseguendo sulle stampe in BN interventi successivi, utilizzando la pittura e i glitter. Attratta da soggetti delicati e difficili, spesso apparentemente marginali, Chloé Jafé oltrepassa decisamente i limiti della fotografia in senso stretto lavorando direttamente su stampe, in acrilico e pennello. Ciascuna delle sue serie ha dato origine a un libro in edizione limitata, rilegato e realizzato a mano dall’artista.

E’ verosimile che ambedue questi artisti conoscessero l’antica tecnica ukiyo-e (una serie di blocchi di legno veniva inchiostrata in diversi colori, che successivamente venivano impressi su carta a più riprese) di cui sembra cogliersi a tratti qualche richiamo formale, ma è evidente quanto lo stimolo che li ha portati a realizzare le loro opere fosse profondamente diverso sia dall’antica originaria finalità dell’ukiyo-e (fornire stampe a buon mercato a chi non poteva permettersi dipinti) sia dal loro personale obiettivo. Se nel caso di Beato lo scopo era quello di fornire un’immagine stereotipata di un Paese nel XIX secolo sconosciuto ai più, nel caso di Chloè Jafè è evidente che l’impegno principale è quello di far emergere un aspetto nascosto (le donne della Yakuza in teoria non esistono se non come “addette” agli uomini dell’organizzazione) di una società, come quella giapponese, che oggi nel XXI secolo globalizzato, abbiamo l’illusione di conoscere sufficientemente, ma che in realtà ancora riserva situazioni oscure.

Epoche ed intenti quindi totalmente diversi, tecniche assolutamente differenti, ma alla fine non ci si può non rendere conto che in entrambi i casi fotografia e pittura hanno contribuito a rappresentare, integrandosi, il pensiero dell’artista.

Lorenzo Vitali

LINK utili per approfondire

https://loeildelaphotographie.com/en/whats-new-chloe-jafe-interview-by-nadine-dinter-kk/

https://www.fotodemic.org/okinawamonamour

https://it.wikipedia.org/wiki/Felice_Beato

https://www.artribune.com/professioni-e-professionisti/who-is-who/2022/05/intervista-chloe-jafe-fotografa-donne-mafia-giapponese/

https://www.gettyimages.it/immagine/felice-beato