Photographer

PENTTI SAMMALLAHTI, visioni dal nord. Uno dei miei fotografi preferiti!

/ saramunari / 7 commenti

Il fotografo che vi presentiamo oggi, vi farà completamente immergere nelle atmosfere del freddo nord, con una straordinaria sensibilità e una leggera ironia che non guasta mai.

Buona visione.

Ciao

Anna

 

 

Pentti Sammallahti è nato a Helsinki, in Finlandia,  nel 1950. E’ cresciuto circondato dalle opere di sua nonna, Hildur Larsson (1882-1952), una fotografa nata in Svezia che lavorava a Helsinki per il giornale Kaiku nei primi anni del 900. Doopo aver visitato la mostra  The Family of Man alla Helsinki Art Hall (1961) Sammallahti scattò le sue prime fotografie all’età di 11 anni. Pentti si unì al Helsinki Camera Club nel 1964. La sua prima mostra personale si tenne nel 1971.

Sammallahti ha viaggiato molto come fotografo, dalla nativa Scandinavia, attraverso le Repubbliche Sovietiche, in Giappone, India, Nepal, Marocco, Turchia, attraverso l’Europa, in Gran Bretagna e persino in Sud Africa. I viaggi di Sammallahti e l’interesse nei processi di stampa e litografia lo hanno portato a pubblicare numerosi portfolio, tra cui il più ampio e più conosciuto è “The Russian Way” (1996).  Come figura rappresentativa della fotografia finlandese contemporanea, il suo lavoro unisce una straordinaria sensibilità per l’attimo nel tempo con la capacità di mostrare la bellezze del mondo, attraverso gli animali.  Il suo particolare utilizzo dei cani, che riflette l’esperienza esistenziale umana, ci mostra la natura condivisa della terra, con uno humor gentile e un’attitudine fugace. Sammallahti si descrive come un vagabondo a cui piace la natura del grande nord, il silenzio, il freddo e il mare. Ama le persone e gli animali di posti remoti e registra le relazioni tra questi e l’ambiente circostante.

Come un abile artigiano, Sammallahti lavora meticolosamente alle sue stampe, che sono di vari formati, da 4×5 pollici a panoramiche di 6×14 pollici. Nel 2010 per la sua retrospettiva a Helsinki, ha creato stampe a pigmenti di grande formato, delle dimensioni di circa 9×21 pollici e 15×35.5 pollici.

Da appassionato ricercatore del metodo meccanico perfetto di stampa, le sue tecniche di stampa innovative e la reintroduzione del portfolio hanno risvegliato l’interesse nell’arte fotografica pubblicata. Influenzato dall’idea dei “libri d’artista” – lavori individuali in cui l’artista è responsabile del tutto: fotografia, stampa, layout, design e tipografia, riproduzione e spesso la vera e propria stampa col metodo offset o gravure. Dal 1979, Pentti Sammallahti ha pubblicato tredici libri e portfolio e ha ricevuto premi quali il Samuli Paulaharju Prize della Finnish Literature Society, lo State Prizes for Photography, l’Uusimaa Province Art Prize, il Daniel Nyblin Prize, e il Finnish Critics Association Annual.

Dal 1974 al 1991 Sammallahti ha insegnato alla University of Art and Design a Helsinki, lasciando quando ha ricevuto un grant di 15 anni dal governo finlandese, una sovvenzione inusualmente lunga, che non viene più assegnata. Sia come fotografo che come insegnante, ha avuto un’enorme influenza su un’intera generazione di fotografi documentari in Scandinavia.

Samallahti ha esposto in una personale a Parigi al Mois de la Photographie nel 1996 e un’altra nel 1998 allo Houston Fotofest, in Texas. Nel 2001 la University of Art and Design ha assegnato a Pentti Sammallahti il titolo di Dottore Onorario in Arte. Nel 2004, il famoso fotografo francese Henri Cartier-Bresson ha inserito Sammallahti tra i suoi 100 fotografi preferiti per la mostra inaugurale della sua Fondazione a Parigi. La French Photo Poche book series ha pubblicato il suo libro editato da Robert Delpire nel 2005, e lo stesso anno,  Sammallahti ha esposto con una personale all’ International Photography Festival ad Arles. La sua seconda mostra a Les Rencontres D’Arles è stata una grande retrospettiva nel 2012, accompagnata dalla pubblicazione della prima monografia retrospettiva Here Far Away, pubblicata in 6 lingue (tedesco, francese, inglese, italiano, spagnolo e finlandese).

Tra le collezioni dei musei, i lavori di Sammallahti possono essere visti  al Victoria & Albert Museum, a Londra; al Museum of Fine Arts a Houston, Texas,; alla Bibliothèque Nationale a Parigi; allo Stedelijk Museum ad Amsterdam; al Museum fur Kunst und Gewerbe ad Amburgo; Moderna Museet / Fotografiska Museet, a Stoccolma; e al The Finnish State Collections and the Photographic Museum of Finland.

Fonte: libera traduzione dalla biografia sul sito della  Nailya Alexander Gallery

Qua trovate un’interessante intervista rilasciata dall’artista al Guardian nel 2014

Pentti Sammallahti was born in 1950 in Helsinki, Finland. Growing up, he was surrounded by the works of his grandmother, Hildur Larsson (1882-1952), a Swedish-born photographer, who worked for the Helsinki newspaper Kaiku in the early 1900s. After visiting The Family of Man exhibition at Helsinki Art Hall (1961) Sammallahti made his first photographs at age eleven. Pentti joined the Helsinki Camera Club in 1964. His first solo exhibition was in 1971.

Sammallahti has travelled widely as a photographer, from his native Scandinavia, across the Soviet Republics through Siberia, to Japan, India, Nepal, Morocco, Turkey, across Europe and Great Britain, and even to South Africa.  Sammallahti’s travels and interest in fine printing and lithography has led him to publish numerous portfolios of which the largest and most well known is “The Russian Way” (1996).  As a benchmark figure in contemporary Finnish photography, his work has a supernatural sense of a moment in time with the sensitivity and beauty of the world displayed through its animalistic existence. His particular use of dogs, which reflects the human existential experience, shows the shared nature of the earth with a gentle humor and fleeting attitude. Sammallahti describes himself as a wanderer who likes the nature of the great north, the silence, the cold, and the sea. He likes the people and the animals of far off places and he records the relationships between them and their environment.

As a master craftsman, he meticulously tones his prints, which come in various formats, from 4 by 5 inches in image size to panoramas of 6 by 14 inches. In 2010 for his retrospective exhibition in Helsinki he created large format pigment prints, about 9 by 21 inches and 15 by 35.5 inches in size. As a passionate seeker of the perfect mechanical printing method, his own innovative printing techniques and reintroduction of the portfolio form have re-awakened broader interest in published photographic art. Influenced by the idea of ‘artist books’ – individual works in which the artist is responsible for the whole: photography, the making of prints, layout, design and typography, reproduction and often the actual printing process either with the offset or the gravure method. Since 1979, Pentti Sammallahti has published thirteen books and portfolios and has received awards such as the Samuli Paulaharju Prize of the Finnish Literature Society, State Prizes for Photography, Uusimaa Province Art Prize, Daniel Nyblin Prize, and the Finnish Critics Association Annual.

From 1974 to 1991 Sammallahti taught at the University of Art and Design in Helsinki, retiring when he received a 15-year grant from the Finnish government, an unusually long endowment, which is no longer awarded. Both as a photographer and a teacher, he has had an enormous influence on a whole generation of documentary photographers in Scandinavia.

Sammallahti had a solo exhibition at Paris’ Mois de la Photographie in 1996 and another in 1998 at Houston Fotofest, Texas.  In 2001 the Helsinki University of Art and Design awarded Pentti Sammallahti the title of Honorary Doctorate in Art.  In 2004, the famous French photographer Henri Cartier-Bresson ranked Sammallahti among his 100 favorite photographers for his Foundation’s inaugural exhibition in Paris. The French Photo Poche book series published his book edited by Robert Delpire in 2005, and the same year, Sammallahti had a personal exhibition at the International Photography Festival in Arles. His second exhibition at Recontres d’Arles was a major retrospective in 2012 accompanied by the release of the first retrospective monograph Here Far Away, published in six languages (German, French, English, Italian, Spanish, and Finnish).

Among museum collections Sammallahti’s work can be found at the Victoria & Albert Museum, London, England; Museum of Fine Arts, Houston, Texas, USA; Bibliothèque Nationale, Paris, France; Stedelijk Museum, Amsterdam, the Netherlands; Museum fur Kunst und Gewerbe, Hamburg, Germany; Moderna Museet / Fotografiska Museet, Stockholm, Sweden; and The Finnish State Collections and the Photographic Museum of Finland.

Source: Nailya Alexander Gallery 

Larry Sultan

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Ciao, oggi vi vorrei presentare questo fotografo americano, in Italia non molto conosciuto dal grande pubblico, ma l’influenza del suo lavoro si percepisce chiaramente nelle opere di fotografi contemporanei soprattutto statunitensi, come per esempio Alec Soth e Todd Hido solo per citarne un paio, tra quelli maggiormente conosciuti.

Anna

 

 

Larry Sultan è cresciuto nella San Fernando Valley, in California, luogo che divenne per lui fonte d’ispirazione per molti suoi progetti. Il suo lavoro è un mix di fotografia documentaria  e fotografia staged,  con lo scopo di creare immagini che raffigurano la vita famigliare suburbana, sia a livello psicologico che come paesaggio fisico. Il primo libro di Sultan, che conicide anche con la sua prima mostra Pictures from Home (1992) riguarda un progetto durato una decade che rappresenta sua madre e suo padre come soggetti primari, esplorando il ruolo della fotografia nella creazione delle mitologie famigliari. Utilizzando gli stessi setting suburbani, il suo libro The Valley (2004) esamina l’industria del cinema per adulti e l’area delle villette a schiera della classe media che vengono utilizzate come set per i film pornografici. Katherine Avenue, (2010) mostra e libro, affianca le tre serie più importanti di Sultan, Pictures From Home, The Valley, e Homeland, per approfondire ulteriormente come le immagini di Sultan siano costantemente in bilico tra realtà e fantasia, vita domestica e desiderio, come le banali caratteristiche del’ambiente domestico diventano importanti simboli culturali. Nel 2012, venne pubblicata la monografia Larry Sultan and Mike Mandel, per esaminare in profondità i 30 e più anni di collaborazione tra questi due artisti, che hanno affrontyato numerosi progetti concettuali, tra cui Billboards, How to Read Music In One Evening, Newsroom  e il libro di fotografia Evidence, una raccolta di fotografie istituzionali ritrovate, pubblicato inizialmente nel 1977.

Il lavoro di Larry Sultan è stato esposto e pubblicato ampiamente ed è incluso nelle collezioni del Los Angeles County Museum of Art, dell’Art Institute of Chicago, del Museum of Modern Art, del Whitney Museum of American Art, del Solomon Guggenheim Museum, e del San Francisco Museum of Modern Art, dove gli è stato anche riconosciuto il Bay Area Treasure Award nel 2005. Sultan ha isnegnato come Distinguished Professor di fotografia al California College of the Arts a San Francisco. Nato a Brooklyn, New York nel 1946, Larry Sultan è deceduto nella sua casa di Greenbrae, California nel 2009.

Fonte: libera traduzione dal sito dell’autore

Se desiderate approfondire la conoscenza di questo autore, questo è il suo sito.

Larry Sultan grew up in California’s San Fernando Valley, which became a source of inspiration for a number of his projects. His work blends documentary and staged photography to create images of the psychological as well as physical landscape of suburban family life.   Sultan’s pioneering book and exhibition Pictures From Home (1992) was a decade long project that features his own mother and father as its primary subjects, exploring photography’s role in creating familial mythologies. Using this same suburban setting, his book, The Valley (2004) examined the adult film industry and the area’s middle-class tract homes that serve as pornographic film sets. Katherine Avenue, (2010) the exhibition and book, explored Sultan’s three main series, Pictures From Home, The Valley, and Homeland along side each other to further examine how Sultan’s images negotiate between reality and fantasy, domesticity and desire, as the mundane qualities of the domestic surroundings become loaded cultural symbols.  In 2012, the monograph, Larry Sultan and Mike Mandel was published to examine in depth the thirty plus year collaboration between these artists as they tackled numerous conceptual projects together that includes  Billboards, How to Read Music In One Evening, Newsroom, and the seminal photography book Evidence, a collection of found institutional photographs, first published in 1977.

Larry Sultan’s work has been exhibited and published widely and is included in the collections of the Los Angeles County Museum of Art, the Art Institute of Chicago, the Museum of Modern Art, the Whitney Museum of American Art, the Solomon Guggenheim Museum, and the San Francisco Museum of Modern Art, where he was also recognized with the Bay Area Treasure Award in 2005.  Sultan served as a Distinguished Professor of Photography at California College of the Arts in San Francisco.  Born in Brooklyn, New York in 1946, Larry Sultan passed away at his home in Greenbrae, California in 2009.

Source: author’s website

Wolfgang Tillmans, da scoprire!

/ saramunari / Lascia un commento

Ciao,

oggi vi presento Wolfgang Tillmans, un autore di origine tedesca, che però ha vissuto molto a Londra, documentando la vita dei giovani inglesi negli anni 90,a ll’inizio della sua carriera. Le sue foto più recenti appartengono a generi differenti, still life, astratto ec.

E’ sicuramente fonte d’ispirazione per molti fotografi di oggi.

Devo dire che condivido in pieno il suo motto “scatto fotografie per vedere il mondo”.

Date un’occhiata e fatemi sapere che ne pensate.

Anna

P.S. Nella galleria, trovate alcune foto per ognuno dei generi fotografici che Tillmans ha toccato nella sua carriera. Questo per darvi un’idea di tutto quello che lui ha fatto. Potete poi approfondire ciò che più vi interessa.

 

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Wolfgang Tillmans (nato nel 1968) è un fotografo fine-art tedesco. Le sue opere, molto varie, si contraddistingue per l’osservazione dell’ambiente che lo circonda e per la continua ricerca sulle fondamenta del mezzo fotografico.

Tillmans è stato il primo fotografo – e anche la prima persona non inglese – a cui è stato assegnato il Tate annual Turner Prize. Ha anche vinto l’Hasselblad Award ed è un membro della Royal Academy of Arts. Tillmans vive tra Berlino e Londra.

Tra i 14 e i 16 anni, frequenti visite a musei di Düsseldorf e al Museum Ludwig di Colonia, gli fecero conoscere l’arte basata sulla fotografia di Gerhard Richter, Sigmar Polke, Robert Rauschenberg and Andy Warhol, personaggi che lo hanno fortemente influenzato agli inizi. Durante il suo primo viaggio in Inghilterra, come studente in scambio nel 1983, scoprì la cultura giovanile britannica, la moda locale e le riviste musicali dellìepoca. Dal 1987 al 1990 visse ad Amburgo; lì, nel 1988, fece le sue prime mostra personale al Café Gnosa, al Fabrik-Foto-Forum, e al Front. Tra il 1990 e il 1992, studiò al Bournemouth and Poole College of Art and Design  nell’Inghilterra meridionale. Dopo tali studi si trasferì a Londra e poi a New York per un anno, dove incontrò il pittore tedesco Jochen Klein. Dopo essere tornato in Inghilterra, Tillmans visse con Klein fino alla morte di quest’ultimo per complicazioni dovute all’AIDS nel 1997.

Dal 1995, Tillmans visse e lavorò prevalentemente a Londra. Nell’estate del 1998, Tillmans ha partecipato ad un internato di un mese nell’ultima comunità Shaker attiva nel mondo, a Sabbathday Lake, nel Maine. Dal 2007 ha diviso il suo tempo tra Berlino e Londra. Dopo aver avuto una cattedra come ospite alla Hochschule für bildende Kunst di Amburgo dal 1998 al 1999 e una Borsa di Studio onoraria alla Arts University College di Bournemouth nel 2001, Tillmans divenne professore di Arte Multidisciplinare alla Städelschule di Francoforte dal 2003 al 2006.

Nel 2011 Tillmans si è recato ad Haiti Con l’organizzazione Christian Aid per documentare i lavori di ricosrtuzione deopo il terremoto che ha devastato il paese l’anno precedente.

Tra il 2009 e il 2014 Tillmans ha prestato servizio come Trustee (una sorta di garante/amministratore n.d.t.) per gli artisti nel consiglio di Amministrazione della Tate. E’ anche membro del Collection Committee del museo e del Tate Britain Council.

Tillmans divenne inizialmente conosciuto per i ritratti dei suoi amici, apparentemente casuali, quasi delle istantanee e si creò una reputazione come importante testimone dei movimenti sociali contemporanei. Tillmans era considerato come “il documentarista della sua generazione, specialmente sulla scena dei club londinesi e dei localy gay.” Metà del suo lavoro è staged, con l’artista che sceglie gli abiti, la location, e persino le posizioni dei suoi modelli. La serie dei suoi amici Lutz e Alex, pubblicata nel 1192 su i-D, è considerata un’mportante documentazione fotografica degli anni 90. Dal 1192 al 1994 Tillmans visse e lavorò a  Londra, trasferendosi a New York nel 1994

La fotografia di Tillmans in seguito si sviluppò ad includere un ampio spettro di generi. I suoi ritratti, gli still life, le fotografie del cielo (ad es. la Serie Concorde), l’astrofotografia, la fotografia aerea e di paesaggio sono tutte ugualmente motivate da interessi estetici e politici, spiecialmente legati all’omosessualità e all’identità di genere. Tillmans dice del suo lavoro:” Scatto fotografie per vedere il mondo”.

Nel 2009, dopo che per oltre 20 anni aveva utilizzato esclusivamente una macchina fotografica analogica 50mm Contax, si è convertito alla fotografia digitale. Nel 2012 ha abbandonato definitivamente la pellicola ed è deiventato un fotografo digitale a tempo pieno. In un’intervista, quell’anno, egli descrive il passaggio dal vedere tramite il mirino all’utilizzo del monitor integrato nella fotocamera come “una svolta epocale della psicologia della fotografia all’interno della sua mente, che era sempre stato un dialogo tra il fotografo, l’oggetto e l’immagine immaginaria concepita, pensata e sperata”. Secondo Tillmans, l’alta risoluzione delle fotografie digitali si correla ad “una trasformazione del mondo intero”: spiegando ulteriormente “Negli anni recenti, tutto è diventato HD, quindi penso sia inevitabile che la natura  travolgente di questa densità di informazioni sia riflessa nelle mie immagini. In questo modo, esse descrivono ancora piuttosto bene la mia percezione oggi”.

Fonte: libera traduzione da Wikipedia

Qua trovate il suo sito e qua un’intervista rilasciata al British Journal of Photography

Wolfgang Tillmans (born 1968) is a German fine-art photographer. His diverse body of work is distinguished by observation of his surroundings and an ongoing investigation of the photographic medium’s foundations.

Tillmans was the first photographer – and also the first non-English person – to be awarded the Tate annual Turner Prize. He has also been awarded the Hasselblad Award and is a member of the Royal Academy of Arts. Tillmans lives in Berlin and London.

At the age of 14 to 16, visits to museums in Düsseldorf and to the Museum Ludwig in Cologne acquainted him with the photo-based art of Gerhard Richter, Sigmar Polke, Robert Rauschenberg and Andy Warhol, which counts among his earliest influences. During his first visit to England as an exchange student in 1983, he discovered the British youth culture and the local fashion and music magazines of the time. From 1987 to 1990, he lived in Hamburg; there, in 1988, he had his first solo exhibitions, at Café Gnosa, Fabrik-Foto-Forum, and Front. From 1990 through 1992, he studied at Bournemouth and Poole College of Art and Design in southern England. After his studies he moved to London and then to New York in 1994 for a year, where he met the German painter Jochen Klein. After moving back to England, Tillmans lived with Klein until he died of AIDS-related complications in 1997.

From 1995, Tillmans primarily lived and worked in London. During the summer of 1998, Tillmans participated in a month-long residency at the last active Shaker community in the world, in Sabbathday Lake, Maine. Since 2007, he has divided his time between Berlin and London. Following a guest professorship at the Hochschule für bildende Kunst in Hamburg from 1998 to 1999 and an Honorary Fellowship at the Arts University College at Bournemouth in 2001, Tillmans was a professor for Interdisciplinary Art at the Städelschule in Frankfurt am Main from 2003 to 2006.

In 2011, Tillmans travelled to Haiti with the charity Christian Aid to document reconstruction work after the country’s devastating earthquake one year before.[

Between 2009 and 2014 Tillmans served as an Artist Trustee of the Tate Board. He is also a member of the museum’s Collection Committee and the Tate Britain Council.

Tillmans was initially known for his seemingly casual, sometimes snapshotlike portraits of friends and established his reputation as a prominent witness of a contemporary social movement.

Tillmans was considered the “documentarian of his generation, especially that of the London club and gay scenes.” Half of his work is staged, with the artist choosing the clothes and the location, as well as setting his models up in their positions. The series of his friends Lutz and Alex, also published in i-D in 1992, are considered important photographic documents of the 1990s. From 1992 to 1994 Tillmans lived and worked in London, moving to New York in 1994.

Tillmans’ photographic practice subsequently developed to encompass a wide array of genres. His portraits, still lifes, sky photographs (e.g. the Concorde series), astrophotography, aerial shots and landscapes are motivated equally by aesthetic and political interests, especially related to homosexuality and gender identity. Tillmans says of his work: “I take pictures, in order to see the world.”

In 2009, after Tillmans had been using an analog 50 mm Contax SLR camera almost exclusively for over two decades, he turned to digital photography. In 2012, he abandoned film altogether and became a full-time digital photographer. In an interview that year, he describes the corresponding change from using viewfinders to integrated camera monitors as “completely turning on its head the psychology of photography, which has always been a dialogue between photographer, object and the imaginary image that one is envisioning, thinking, hoping for.” According to Tillmans, the higher resolution of digital photographs correlates to “a transformation in the whole world”; he further explains: “In recent years, everything has become HD, so I think it is inevitable that the overwhelming nature of this information density is reflected in my images. In this way, they again describe quite well my sense of perception today.”

Source: Wikipedia

Here is his website and here an interview published on BJP

 

 

Sul quando vi sentite Photographer, ma anche no!

/ saramunari / 84 commenti
Buongiorno a tutti,
Come state?
Sto per farvi una confessione.
Da tempo mi chiedo con quale logica aggiungiate la parola photographer alle diciture dei vostri siti.
Le domande che mi son sempre fatta in merito sono tre:
1) Perché in inglese? Secondo voi un photographer ammerecano è meglio di un fotografo italiano? Boh, i misteri impenetrabili degli italiani esterofili.
2) Perché aggiungete la definizione di fotografo in una qualsiasi lingua del mondo? Avete bisogno di ricordarlo a voi o a altri? Chi ci cerca, ci cerca col nome, giusto?
Mi spiego meglio.
Figuccio Carmelo photographer viene ricercato in Internet come Figuccio Carmelo … dato che cercando come photographer certo non esce lui, quindi se dopo il nome c’è scritto mungitore di latte di balena, che caz cambia?
3) La dicitura photographer mi preoccupa, così come mi preoccupa quella di artista, tipo Figuccio Carmelo Artista. Chi vi definisce fotografi o artisti, voi stessi? Lo sapevate che non è fotografo chi produce immagini con la macchina fotografica, non è artista chi produce quadri con colori a olio e non è scrittore chi scrive con la penna?
4) Lo sapevate che in mezzo a ‘sto marasma ci sono i  photographers  quelli veri che fanno i  photographers  e quasi mai lo scrivono?
5) Poi fate un po’ quello che vi va…chissenefrega. Mica  è la parola Photographer  che migliorerà la vostra produzione fotografica, altrimenti la avrei già aggiunta anche io!
Queste sono considerazioni rivolte a chi lo scrive senza riflettere perché sta bene nella grafica del logo o perche fa figo. Non ai fotografi che combattono ogni giorno con professionalità, perseveranza e coerenza, per affermarsi in questo settore.
Ciao Sara
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Sara Munari “Be the bee body be boom”

“Non curante, ma non indifferente”, Man Ray: geniale

/ saramunari / 2 commenti

Buongiorno!

Oggi vi presento un artista a tutto tondo. Nato in America, ha vissuto per lungo tempo in Francia, venendo a contatto con i movimenti artistici del Surrealismo e del Dadaismo.

Io trovo le sue fotografie geniali.

Voi che dite?

Anna

 

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Man Ray, nato Emmanuel Rudzitsky (Filadelfia, 27 agosto 1890 – Parigi, 18 novembre 1976), è stato un pittore, fotografo e grafico statunitense esponente del Dadaismo.

Pur essendo un pittore, un fabbricante di oggetti e un autore di film d’avanguardia (Le retour à la raison (1923), Anémic Cinéma con Marcel Duchamp (1925), Emak-bakia (1926), L’étoile de mer (1928), Le mystères du chateau de dé (1929) precursori del cinema surrealista) è conosciuto soprattutto come fotografo surrealista, avendo realizzato le sue prime fotografie importanti nel 1918.

Emmanuel nasce a Filadelfia da una famiglia di immigrati russi di origine ebraica. Cresce a New York dove completa gli studi. Termina la scuola superiore ma rifiuta una borsa di studio in architettura per dedicarsi all’arte. A New York lavora nel 1908 come disegnatore e grafico. Nel 1912 inizia a firmare le sue opere con lo pseudonimo “Man Ray”, che significa uomo raggio. Acquista la sua prima macchina fotografica nel 1914, per fotografare le sue opere d’arte.

Nel 1915 il collezionista Walter Conrad Arensberg  lo presenta a Marcel Duchamp, di cui diverrà grande amico. I tre fondarono la Society of Independent Artists.
Nel 1919 dipinge le sue prime aerografie, immagini prodotte con un’aeropenna, uno strumento di ritocco di uso comune per un grafico disegnatore. A New York, con Marcel Duchamp formò il ramo americano del movimento Dada che era iniziato in Europa come un rifiuto radicale dell’arte tradizionale. Dopo alcuni tentativi senza successo e soprattutto dopo la pubblicazione di un unico numero di “New York Dada” nel 1921, Man Ray affermò che “il Dada non può vivere a New York”.

Nel 1921 Duchamp torna a Parigi. Man Ray, che in precedenza aveva rinunciato a trasferirsi in Francia a causa della grande guerra, lo segue. A Parigi Duchamp gli presenta gli artisti più influenti di Francia, fra cui anche André Breton e Philippe Soupault. Soupault ospitò nella sua libreria (Librarie Six) la prima mostra di Man Ray, dove venne esposta la famosa opera Cadeau, un ferro da stiro su cui erano stati incollati dei chiodi, tipico esempio della sua giustapposizione sintagmatica di oggetti senza un legame logico, ma solo «mentale», paradossale, controverso; in questo caso decontestualizzandone la normale utilizzazione «codificata», fino a trovare uno strettissimo rapporto allusivo al «negativo».[4] Il successo Parigino di Man Ray è dovuto alla sua abilità come fotografo, soprattutto di ritrattista. Celebri artisti dell’epoca, come James Joyce, Gertrude Stein, Jean Cocteau e molti altri, posarono di fronte alla sua macchina fotografica.
Nel 1922 Man Ray produce i suoi primi fotogrammi, che chiama ‘rayographs’ (rayografie), ovvero immagini fotografiche ottenute poggiando oggetti direttamente sulla carta sensibile.

Man Ray scoprì per caso le rayografie nel 1921. Mentre sviluppava alcune fotografie in camera oscura, un foglio di carta vergine, accidentalmente, finì in mezzo agli altri e dato che continuava a non comparirvi nulla, poggiò, piuttosto irritato, una serie di oggetti di vetro sul foglio ancora a mollo e accese la luce. L’artista ottenne così delle immagini deformate, quasi in rilievo sul fondo nero. Attraverso i suoi rayographs, termine costruito sul suo cognome, ma che contemporaneamente evoca il disegno luminoso, poteva sondare ed esaltare il carattere paradossale e inquietante del quotidiano.

Nel 1924 nasce ufficialmente il surrealismo, Man Ray è il primo fotografo surrealista. La produzione dei suoi lavori di ricerca va di pari passo con la pubblicazione delle sue fotografie di moda su Vogue. Si innamora della famosa cantante francese Alice Prin, spesso chiamata Kiki de Montparnasse, che in seguito divenne la sua modella fotografica preferita. Insieme a Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró e Pablo Picasso, fu rappresentato nella prima esposizione surrealista alla galleria Pierre a Parigi nel 1925.

Nel 1934, la celebre artista surrealista Meret Oppenheim, conosciuta per la sua tazza da te ricoperta di pelliccia, posò per Man Ray in quella che divenne una ben nota serie di foto che la ritraggono nuda in piedi vicino a un torchio da stampa. Anche della pittrice surrealista Bridget Bate Tichenor, del cui padre Ray era grande amico, restano numerose fotografie. Insieme alla fotografa surrealista Lee Miller che fu la sua amante e assistente fotografica. All’epoca utilizzò sistematicamente per primo la tecnica fotografica della solarizzazione.

Lo scoppio della seconda guerra mondiale obbliga Man Ray, che è di origine ebrea, a rientrare negli Stati Uniti. Nel 1940 arriva a New York ma poco dopo si trasferisce a Los Angeles. In questo periodo insegna fotografia e pittura in un college, espone in varie mostre le sue fotografie, fra cui anche alla galleria di Julien Levy di New York. Finita la seconda guerra mondiale Man Ray ritorna a Parigi, dove vivrà fino al giorno della sua morte, in questi anni continua a dipingere ed a fare fotografie. Nel 1975 espone le sue fotografie alla Biennale di Venezia.

Negli ultimi anni della sua vita Man Ray fece spesso ritorno negli Stati Uniti, dove visse a Los Angeles per alcuni anni. Tuttavia egli considerava Montparnasse come casa sua e vi fece sempre ritorno e fu lì che morì il 18 novembre 1976. Venne seppellito nel cimitero di Montparnasse. Il suo epitaffio recita: “Non curante, ma non indifferente.”

Di Man Ray fotografo si è già parlato, non va tuttavia dimenticato il suo contributo di pittore e scultore. Sono infatti famose le sue sculture note come “oggetti d’affezione”. Un altro è noto come “Oggetto da distruggere”, un metronomo sulla cui punta Man Ray incolla la fotografia di un occhio. L’originale è perduto, la leggenda vuole che durante un’esposizione un visitatore abbia preso alla lettera l’invito implicito nel nome e lo abbia appunto distrutto.
L’originalità del suo lavoro si evince anche dal fatto che “L’oggetto di Man Ray, non è mai soltanto un ready made, ma, quasi sempre un ready made modificato … in cui opera … uno strano connubio, che comunque si abbini all’altro per contraddizione, creando una situazione di paradosso… Tra i dadaisti Man Ray è quello la cui operazione si è svolta secondo un procedimento più analogo a quello letterario – e surrealista – che non a quello degli esponenti del Dadaismo nelle arti plastiche

 

Man Ray (born Emmanuel Radnitzky, August 27, 1890 – November 18, 1976) was an American visual artist who spent most of his career in France. He was a significant contributor to the Dada and Surrealist movements, although his ties to each were informal. He produced major works in a variety of media but considered himself a painter above all. He was best known for his photography, and he was a renowned fashion and portrait photographer. Man Ray is also noted for his work with photograms, which he called “rayographs” in reference to himself.

During his career as an artist, Man Ray allowed few details of his early life or family background to be known to the public. He even refused to acknowledge that he ever had a name other than Man Ray.

Man Ray was born as Emmanuel Radnitzky in South Philadelphia, Pennsylvania, U.S. in 1890. He was the eldest child of Russian Jewish immigrants. He had a brother and two sisters, the youngest born in 1897 shortly after they settled in the Williamsburg neighborhood of Brooklyn, New York. In early 1912, the Radnitzky family changed their surname to Ray. Man Ray’s brother chose the surname in reaction to the ethnic discrimination and antisemitism prevalent at the time. Emmanuel, who was called “Manny” as a nickname, changed his first name to Man and gradually began to use Man Ray as his combined single name.

Man Ray’s father worked in a garment factory and ran a small tailoring business out of the family home. He enlisted his children to assist him from an early age. Man Ray’s mother enjoyed designing the family’s clothes and inventing patchwork items from scraps of fabric. Man Ray wished to disassociate himself from his family background, but their tailoring left an enduring mark on his art. Mannequins, flat irons, sewing machines, needles, pins, threads, swatches of fabric, and other items related to tailoring appear in almost every medium of his work.Art historians have noted similarities between Ray’s collage and painting techniques and styles used for tailoring.

Mason Klein, curator of a Man Ray exhibition at the Jewish Museum, titled Alias Man Ray: The Art of Reinvention, suggests that the artist may have been “the first Jewish avant-garde artist.”

Man Ray displayed artistic and mechanical abilities during childhood. His education at Brooklyn’s Boys’ High School from 1904 to 1909 provided him with solid grounding in drafting and other basic art techniques. While he attended school, he educated himself with frequent visits to the local art museums, where he studied the works of the Old Masters. After his graduation, Ray was offered a scholarship to study architecture but chose to pursue a career as an artist. Man Ray’s parents were disappointed by their son’s decision to pursue art, but they agreed to rearrange the family’s modest living quarters so that Ray’s room could be his studio. The artist remained in the family home over the next four years. During this time, he worked steadily towards becoming a professional painter. Man Ray earned money as a commercial artist and was a technical illustrator at several Manhattan companies.

The surviving examples of his work from this period indicate that he attempted mostly paintings and drawings in 19th-century styles. He was already an avid admirer of contemporary avant-garde art, such as the European modernists he saw at Alfred Stieglitz’s “291” gallery and works by the Ashcan School. However, with a few exceptions, he was not yet able to integrate these trends into his own work. The art classes he sporadically attended, including stints at the National Academy of Design and the Art Students League, were of little apparent benefit to him. When he enrolled in the Ferrer School in the autumn of 1912, he began a period of intense and rapid artistic development.

New York

While living in New York City, Man Ray was visually influenced by the 1913 Armory Show and galleries of European contemporary works. His early paintings display facets of cubism. After befriending Marcel Duchamp, who was interested in showing movement in static paintings, his works began to depict movement of the figures. An example is the repetitive positions of the dancer’s skirts in The Rope Dancer Accompanies Herself with Her Shadows (1916).

In 1915, Man Ray had his first solo show of paintings and drawings after he had taken up residence at an art colony in Grantwood, New Jersey, across the Hudson River from New York City. His first proto-Dada object, an assemblage titled Self-Portrait, was exhibited the following year. He produced his first significant photographs in 1918.

Man Ray abandoned conventional painting to involve himself with Dada, a radical anti-art movement. He started making objects and developed unique mechanical and photographic methods of making images. For the 1918 version of Rope Dancer, he combined a spray-gun technique with a pen drawing. Like Duchamp, he did readymades—ordinary objects that are selected and modified. His Gift readymade (1921) is a flatiron with metal tacks attached to the bottom, and Enigma of Isidore Ducasse is an unseen object (a sewing machine) wrapped in cloth and tied with cord. Aerograph (1919), another work from this period, was done with airbrush on glass.

In 1920, Man Ray helped Duchamp make the Rotary Glass Plates, one of the earliest examples of kinetic art. It was composed of glass plates turned by a motor. That same year, Man Ray, Katherine Dreier, and Duchamp founded the Société Anonyme, an itinerant collection that was the first museum of modern art in the U.S.

Man Ray teamed up with Duchamp to publish one issue of New York Dada in 1920. For Man Ray, Dada’s experimentation was no match for the wild and chaotic streets of New York.He wrote that “Dada cannot live in New York. All New York is dada, and will not tolerate a rival.”

In 1913, Man Ray met his first wife, the Belgian poet Adon Lacroix (Donna Lecoeur) (1887–1975), in New York. They married in 1914, separated in 1919, and formally divorced in 1937.

Paris

In July 1921, Man Ray went to live and work in Paris, France. He soon settled in the Montparnasse quarter favored by many artists. Shortly after arriving in Paris, he met and fell in love with Kiki de Montparnasse (Alice Prin), an artists’ model and celebrated character in Paris bohemian circles. Kiki was Man Ray’s companion for most of the 1920s. She became the subject of some of his most famous photographic images and starred in his experimental films, Le Retour à la Raison and L’Étoile de mer. In 1929, he began a love affair with the Surrealist photographer Lee Miller.

For the next 20 years in Montparnasse, Man Ray was a distinguished photographer. Significant members of the art world, such as James Joyce, Gertrude Stein, Jean Cocteau,
Man Ray was represented in the first Surrealist exhibition with Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró, and Pablo Picasso at the Galerie Pierre in Paris in 1925. Important works from this time were a metronome with an eye, originally titled Object to Be Destroyed, and the Violon d’Ingres,[14] a stunning photograph of Kiki de Montparnasse, styled after the painter/musician Ingres. Violon d’Ingres is a popular example of how Man Ray could juxtapose disparate elements in his photography to generate meaning.

In 1934, surrealist artist Méret Oppenheim, known for her fur-covered teacup, posed nude for Man Ray in a well-known series of photographs depicting her standing next to a printing press.

With Lee Miller, his photographic assistant and lover, Man Ray reinvented the photographic technique of solarization. He also created a type of photogram he called “rayographs”, which he described as “pure dadaism”.

Man Ray directed a number of influential avant-garde short films, known as Cinéma Pur. He directed Le Retour à la Raison (2 mins, 1923); Emak-Bakia (16 mins, 1926); L’Étoile de Mer (15 mins, 1928); and Les Mystères du Château de Dé (27 mins, 1929). Man Ray also assisted Marcel Duchamp with the cinematography of his film Anemic Cinema (1926), and Ray personally manned the camera on Fernand Léger’s Ballet Mécanique (1924). In René Clair’s film Entr’acte (1924), Man Ray appeared in a brief scene playing chess with Duchamp.

Duchamp, Man Ray, and Francis Picabia were friends and collaborators. The three were connected by their experimental, entertaining, and innovative art.

Hollywood

Man Ray was forced to return from Paris to the United States due to the Second World War. He lived in Los Angeles, California from 1940 to 1951 where he focused his creative energy on painting. A few days after arriving in Los Angeles, Man Ray met Juliet Browner, a first-generation American of Romanian-Jewish lineage. She was a trained dancer, who studied dance with Martha Graham, and an experienced artists’ model. The two married in 1946 in a double wedding with their friends Max Ernst and Dorothea Tanning. In 1948 Man Ray had a solo exhibition at the Copley Galleries in Beverley Hills, which brought together a wide array of work and featured his newly painted canvases of the Shakespearean Equations series.

Man Ray called Montparnasse home and returned there in 1951. In 1963, he published his autobiography, Self-Portrait, which was republished in 1999. He died in Paris on November 18, 1976 from a lung infection. He was interred in the Cimetière du Montparnasse in Paris. Ray’s epitaph reads “unconcerned, but not indifferent”. When Juliet Browner died in 1991, she was interred in the same tomb. Her epitaph reads “together again”. Juliet organized a trust for his work and donated much of his work to museums. Her plans to restore the studio as a public museum proved too expensive, such was the structure’s disrepair. Most of the contents were stored at the Pompidou Center

Larry Clark, fotografie prepotenti, da conoscere!

/ saramunari / 2 commenti

 Oggi vi voglio presentare questo fotografo americano (ora si dedica prevalentemente alla regia cinematografica) che durante la sua adolescenza ha dato scandalo, fotografando la gioventù americana e raffigurandola senza filtri o mediazioni, con immagini dirette e molto esplicite. Quelle che trovate di seguito sono solo alcune e ho cercato di non mostrarvi le più pesanti.

Sicuramente negli anni 70 ha rotto gli schemi della fotografia ed ha aperto la strada a numerosi fotografi che hanno poi ripercorso queto tipo di strada.

Ciao

Anna

Larry Clark
Larry Clark

Non cerco di essere controverso, cerco solo di essere onesto e di dire la verità sulla vita. Venendo dal mondo dell’arte, non penso mai ci siano cose che non si possano fare o mostrare. Ritengo che i film di Hollywood stiano davverso sottovalutando il loro pubblico. Sono artista da tanti, tanti anni. Non sono interessato a fare film per fare soldi. Sono interessato a fare un lavoroc he mi soddisfi, mostrando le vite delle persone che nonv engono mostrate. Se vedessi questa cosa da altre parti, non do0vrei fare questi film. Larry Clark

Lawrence Donald Clark, meglio noto come Larry Clark (Tulsa, 19 gennaio 1943), è un fotografo e regista statunitense.

Fotografo fra i più influenti degli anni settanta e ottanta, fece le prime esperienze a seguito della madre, specializzata in ritratti infantili. Ha frequentato la Layton School of Art di Milwaukee, Wisconsin, e ha combattuto in Vietnam.

Il suo primo libro di fotografie, Tulsa, pubblicato nel 1971, riproduce foto scattate in tre distinti periodi (1963, 1968, 1971) nell’ambiente dei giovani tossicomani di Tulsa, Oklahoma, viventi sul confine e spesso oltre il confine della legge, ambiente di cui Clark fu fino a tutti gli anni sessanta parte attiva (guadagnandone anche alcuni soggiorni in carcere, uno per tentato omicidio). In questo protratto diario-reportage, Clark si limitò a vivere la vita del gruppo (che negli otto anni degli scatti procede verso un progressivo annichilimento) senza interferire e senza mai separarsi dalla macchina fotografica, ragione per cui queste foto in bianco e nero, spesso crude – con immagini di uso di aghi ipodermici, atti di violenza, sesso esplicito – ma sempre visivamente calibratissime, hanno un senso di verità assente da imprese simili. Tulsa ha influenzato largamente non solo la fotografia americana, ma anche il cinema, venendo direttamente citato come ispirazione da registi come Martin Scorsese (Taxi Driver) e Gus Van Sant (Drugstore Cowboy).

I libri successivi, in cui Clark adopera anche il colore (Teenage Lust, 1983, A Perfect Childhood, 1992) dimostrano un’attenzione sempre più accentuata e, secondo alcuni, morbosa, verso la sessualità adolescenziale, resa esplicita del resto dall’attività di regista cinematografico intrapresa come attività prevalente dal 1995 (Kids, 1995, Another Day in Paradise, 1997, Bully, 2001, Teenage Caveman, 2002, Ken Park, 2002 – occasione di scandalo e tuttora non proiettato negli Stati Uniti -, Wassup Rockers, 2005, The Smell of Us, 2014).

Fonte: Wikipedia

Qua trovate un’intervista rilasciata a Vice

Questo è il suo sito

I don’t try to be controversial, I just try to be honest and tell the truth about life. Coming from the art world, I never think there are things you can’t do or show. I think that Hollywood films are really underestimating their audience. I’ve been an artist for many, many years. I’m not interested in making films to make money. I’m interested in making work that I’m satisfied with, showing people’s lives that aren’t shown.  If I could see this anywhere else, I wouldn’t have to make these films. Larry Clark

Lawrence Donald “Larry” Clark (born January 19, 1943) is an American film director, photographer, writer and film producer who is best known for his controversial teen film Kids (1995) and his photography book Tulsa. His work focuses primarily on youth who casually engage in illegal drug use, underage sex, and violence, and who are part of a specific subculture, such as surfing, punk rock or skateboarding.

Clark was born in Tulsa, Oklahoma. He learned photography at an early age. His mother was an itinerant baby photographer, and he was enlisted in the family business from the age of 13. His father was a traveling sales manager for the Reader Service Bureau, selling books and magazines door-to-door, and was rarely home.  In 1959, Clark began injecting amphetamines with his friends.

Clark attended the Layton School of Art in Milwaukee, Wisconsin, where he studied under Walter Sheffer and Gerhard Bakker.

In 1964, he moved to New York City to freelance, but was drafted within two months to serve in the Vietnam War. His experiences there led him to publish the 1971 book Tulsa, a photo documentary illustrating his young friends’ drug use in black and white.

Routinely carrying a camera, from 1963 to 1971 Clark produced pictures of his drug-shooting coterie that have been described by critics as “exposing the reality of American suburban life at the fringe and … shattering long-held mythical conventions that drugs and violence were an experience solely indicative of the urban landscape.”

His follow-up was Teenage Lust (1983), an “autobiography” of his teen past through the images of others. It included his family photos, more teenage drug use, graphic pictures of teenage sexual activity, and young male hustlers in Times Square, New York City. Clark constructed a photographic essay titled “The Perfect Childhood” that examined the effect of media in youth culture. His photographs are part of public collections at several art museums including the Whitney Museum of American Art, and the Museum of Fine Arts, Boston.

In 1993, Clark directed Chris Isaak’s music video “Solitary Man”. This experience developed into an interest in film direction. After publishing other photographic collections, Clark met Harmony Korine in New York City and asked Korine to write the screenplay for his first feature film Kids, which was released to controversy and mixed critical reception in 1995. Clark continued directing, filming a handful of additional independent feature films in the several years after this.

In 2002, Clark spent several hours in a police cell after punching and trying to strangle Hamish McAlpine, the head of Metro Tartan, the UK distributor for Clark’s film Ken Park. According to McAlpine, who was left with a broken nose, the incident arose from an argument about Israel and the Middle East, and he claims that he did not provoke Clark.

In a 2016 interview, Clark discussed his lifelong struggle with drug abuse, although stating he maintained total sobriety while filmmaking. Clark stated that his films were made in periods of complete sobriety. He confessed that the only exception made to his practice of abstinence while filming was Marfa Girl 2. Clark explained that while filming that movie he used opiates for pain due to double knee replacement surgery

Source: Wikipedia

 

Lee Friedlander, che autore!

/ saramunari / Lascia un commento

 

Oggi vi presento un altro grande interprete della fotografia statunitense, famoso soprattutto per aver rappresentato nelle sue immagini il paesaggio sociale americano e la strada.

Spero vi piaccia.

Ciao

Anna

Lee Friedlander (Aberdeen, 14 luglio 1934) è un fotografo statunitense.

Friedlander ha studiato fotografia presso l’Art Center College of Design di Pasadena, in California. Nel 1956 si trasferisce a New York City dove ha avuto occasione di fotografare musicisti jazz, in particolare per le copertine dei loro dischi: nei suoi primi lavori è evidente l’influenza di Eugène Atget, Robert Frank e Walker Evans. Nel 1960, il Guggenheim Memorial Foundation aggiudica a Friedlander una borsa di studio, consentendogli di concentrarsi sulla sua arte e rinnovando successivamente le sovvenzioni nel 1962 e nel 1977. Alcune delle sue fotografie più famose appaiono nel numero di settembre del 1985 sulla rivista Playboy: si tratta di immagini di nudo in bianco e nero di Madonna, all’epoca studentessa e pagata 25$ per il servizio fotografico. Una delle immagini fu battuta a 37.500 $ in un’asta di Christie’s Art House.

Friedlander lavorava principalmente con Leica 35 mm e pellicola in bianco e nero, senza dedicarsi esclusivamente al ritratto: la sua fotografia è caratterizzata anche da immagini di vita urbana, riflessioni store-front, con strutture incorniciate da recinzioni e cartelli ed insegne a catturare l’aspetto della vita moderna.

Nel 1963, Friedlander espone al Museo Internazionale di Fotografia presso la George Eastman House nella sua prima mostra solista. Nel 1967 le sue fotografie compaiono nella mostra “New Documents” organizzata al Museum of Modern Art di New York insieme agli scatti di Garry Winogrand e Diane Arbus. Nel 1990, la Fondazione MacArthur gli concede una ulteriore borsa di studio.

Friedlander lavora oggi principalmente con fotocamere medio formato (ad esempio, Hasselblad Superwide). Sofferente di artrite e non autosufficiente, si è dedicato a fotografare i suoi dintorni: in questo senso, le immagini sono simili a quelli di Josef Sudek che ha anche fotografato i confini della sua casa e studio. Anche il suo libro “Stems” riflette la sua vita e le conseguenti limitazioni, ed è stato prodotto durante prima e dopo l’intervento chirurgico di sostituzione del ginocchio.

Nel 2005 il Museo d’Arte Moderna presenta una grande retrospettiva della carriera di Friedlander, tra cui quasi 400 fotografie dal 1950 ad oggi. Nello stesso anno ha ricevuto il Premio Internazionale Hasselblad. La mostra retrospettiva è stata presentata anche nel 2008 al San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA).

Fonte “Wikipedia”

Lee Friedlander (born July 14, 1934) is an American photographer and artist. In the 1960s and 1970s Friedlander evolved an influential and often imitated visual language of urban “social landscape,” with many of his photographs including fragments of store-front reflections, structures framed by fences, posters and street signs

Friedlander studied photography at the Art Center College of Design in Pasadena, California. In 1956, he moved to New York City where he photographed jazz musicians for record covers. His early work was influenced by Eugène Atget, Robert Frank, and Walker Evans. In 1960 Friedlander was awarded a Guggenheim Fellowship to focus on his art, and was awarded subsequent grants in 1962 and 1977. Some of his most famous photographs appeared in the September 1985 Playboy, black and white nude photographs of Madonna from the late 1970s. A student at the time, she was paid only $25 for her 1979 set. In 2009, one of the images fetched $37,500 at a Christie’s Art House auction.

Working primarily with Leica hand-held 35 mm cameras and black-and-white film, Friedlander’s style focused on the “social landscape”. His photographs used detached images of urban life, store-front reflections, structures framed by fences, and posters and signs all combining to capture the look of modern life.

In 1963, Nathan Lyons, Assistant Director and Curator of Photography at the International Museum of Photography at George Eastman House mounted Friedlander’s first solo exhibition. Friedlander was then a key figure in curator John Szarkowski’s 1967 “New Documents” exhibition, at the Museum of Modern Art in New York along with Garry Winogrand and Diane Arbus. In 1973, his work was honored at the Rencontres d’Arles festival in France with the screening “Soirée américaine : Judy Dater, Jack Welpott, Jerry Uelsmann, Lee Friedlander” presented by Jean-Claude Lemagny. In 1990, the MacArthur Foundation awarded Friedlander a MacArthur Fellowship. In 2005, the Museum of Modern Art presented a major retrospective of Friedlander’s career, including nearly 400 photographs from the 1950s to the present; it was presented again in 2008 at the San Francisco Museum of Modern Art.

Whilst suffering from arthritis and housebound, he focused on photographing his surroundings. His book, Stems, reflects his life during the time of his knee replacement surgery. He has said that his “limbs” reminded him of plant stems. These images display textures which were not a feature of his earlier work. In this sense, the images are similar to those of Josef Sudek who also photographed the confines of his home and studio.

Friedlander began photographing parks designed by Frederick Law Olmsted for a six-year commission from the Canadian Centre for Architecture in Montreal beginning in 1988. After completing the commission he continued to photograph Olmsted parks, for twenty years in total. His series includes New York City’s Central Park; Brooklyn’s Prospect Park; Manhattan’s Morningside Park; World’s End in Hingham, Massachusetts; Cherokee Park in Louisville, Kentucky; and Niagara Falls State Park. On the occasion of the 150th anniversary of the design for Central Park, the Metropolitan Museum of Art held an exhibition of Friedlander’s photographs of that park and a book was published, Photographs: Frederick Law Olmsted Landscapes.

It has been claimed that Friedlander is “notoriously media shy”.

He now works primarily with medium format cameras such as the Hasselblad Superwide.

Source “Wikipedia”