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Robert Frank, per approfondire un po’

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Avevamo già dedicato un paio di articoli a questo grande della fotografia americana, accennando ad un film su di lui in uscita e all’archivio delle sue foto della National Gallery of Art.

Proviamo ad approfondire un po’ la sua conoscenza.

Anna

Robert Louis Frank (Zurigo, 9 novembre 1924) è un fotografo e regista svizzero naturalizzato statunitense

Nato in una famiglia di origini ebraiche, dal 1941 al 1944 lavora come assistente fotografo al seguito di Hermann Segesser e Michael Wolgensinger. Nel 1946 si autofinanzia la prima pubblicazione, cui dà il titolo di 40 Fotos. Nel 1947 lascia l’Europa per trasferirsi negli Stati Uniti. A New York Alexey Brodovitch lo ingaggia come fotografo di moda per Harper’s Bazaar. Parallelamente alla fotografia di moda svolge una prolifica attività di reporter freelance che lo porta ad affrontare viaggi in Perù e Bolivia nel 1948 (una selezione delle fotografie là riprese sono pubblicate sulla rivista Neuf di Robert Delpire nel 1952 e, quattro anni dopo, nel libro Indiens pas morts) e nel 1949 in Europa (Francia, Italia, Svizzera e Spagna). Le fotografie di Parigi sono pubblicate in un libro dell’artista Mary Lockspeiser, che Frank sposerà l’anno successivo. Nel 1950 Frank ha già un nome ed Edward Steichen include alcune sue fotografie nella mostra 51 American Photographers allestita al Museum of Modern Art di New York e poi nella celebre The Family of Man del 1955.

Tra il 1952 e il 1953 continua in Europa la sua attività di reporter tra Parigi, Londra, Galles, Spagna e Svizzera. In questo periodo abbandona definitivamente la fotografia di moda e comincia a lavorare sempre più seriamente come fotogiornalista freelance. Nel 1955 Robert Frank è il primo fotografo europeo a ricevere la borsa di studio annuale promossa dalla Fondazione Guggenheim di New York. Con i soldi ricevuti viaggia per tutti gli Stati Uniti dal 1955 al 1956, riprendendo oltre 24.000 fotografie. Nel 1958 Robert Delpire pubblica a Parigi Les Américains, una selezione di 83 immagini tratte dal viaggio americano e l’anno dopo la Grove Press pubblica il volume negli Stati Uniti col titolo The Americans.

Al contempo Frank viene a contatto con i principali esponenti della nuova generazione letteraria e artistica americana, soprattutto con gli esponenti della Beat Generation. In primo luogo stringe una salda amicizia con lo scrittore Jack Kerouac, col quale porta a termine varie collaborazioni. Oltre ad aver compiuto un viaggio on the road insieme, compiuto nel 1958 verso la Florida, Kerouac si occupa di scrivere l’introduzione al libro The Americans per l’edizione americana. Nel 1959 viene realizzata la più nota collaborazione con la Beat Generation, quando Frank, unitamente al pittore Alfred Leslie, dirige il suo primo film, Pull My Daisy. Scritto e narrato da Jack Kerouac e interpretato, tra gli altri, da Allen Ginsberg e Gregory Corso, il film sarà considerato il padre del New American Cinema.

Negli anni sessanta, nonostante il crescente successo dei suoi lavori, Frank abbandona la fotografia per dedicarsi completamente alla realizzazione di film. Un cinema, il suo, carico di tensioni e tematiche prettamente private e introspettive, come Conversations in Vermont (1969) o About Me: A Musical (1971). Collabora ancora con i beats, soprattutto Ginsberg, Orlovsky e Burroughs, ma anche con i Rolling Stones (Cocksucker Blues, 1972, documentario censurato dallo stesso gruppo), Tom Waits, Joe Strummer (Candy Mountain, 1986) e Patti Smith.

Dopo la tragica perdita della figlia Andrea, appena ventenne, Frank ricomincia a riutilizzare la macchina fotografica. Dalla metà degli anni settanta a oggi, la sua fotografia è lontana dai reportage precedenti: usa collage, vecchie fotografie, fotogrammi, polaroid; scrive, graffia e incide direttamente sul lato sensibile della pellicola. Frank alterna soggiorni a New York con lunghe permanenze a Mabou, in Nova Scotia, insieme alla compagna e pittrice June Leaf.

Nel 1994 dona gran parte del suo materiale artistico alla National Gallery of Art di Washington che crea la Robert Frank Collection; è la prima volta che accade per un artista vivente. Nel 1996 ottiene l’Hasselblad Award e nel 2000 il Cornell Capa Award. Tra il 2005 e il 2006 un’ulteriore retrospettiva della sua vita artistica gira il mondo: si tratta della mostra Robert Frank: Story Lines, partita da Londra nel novembre 2004.

Qua un interessante approfondimento su Frank pubblicato sul NY Times

 

Robert Frank (born November 9, 1924) is an American photographer and documentary filmmaker. His most notable work, the 1958 book titled The Americans, earned Frank comparisons to a modern-day de Tocqueville for his fresh and nuanced outsider’s view of American society. Critic Sean O’Hagan, writing in The Guardian in 2014, said The Americans “changed the nature of photography, what it could say and how it could say it. [ . . . ] it remains perhaps the most influential photography book of the 20th century.” Frank later expanded into film and video and experimented with manipulating photographs and photomontage.

Frank was born in Switzerland. Frank states in the 2005 documentary “Leaving Home, Coming Home” by Director Gerald Fox, that his mother, Rosa (other sources state her name as Regina), had a Swiss passport, while his father, Hermann originating from Frankfurt, Germany had become stateless after losing his German citizenship as a Jew. They had to apply for the Swiss citizenship of Frank and his older brother, Manfred. Though Frank and his family remained safe in Switzerland during World War II, the threat of Nazism nonetheless affected his understanding of oppression. He turned to photography, in part as a means to escape the confines of his business-oriented family and home, and trained under a few photographers and graphic designers before he created his first hand-made book of photographs, 40 Fotos, in 1946. Frank emigrated to the United States in 1947, and secured a job in New York City as a fashion photographer for Harper’s Bazaar. He soon left to travel in South America and Europe. He created another hand-made book of photographs that he shot in Peru, and returned to the U.S. in 1950. That year was momentous for Frank, who, after meeting Edward Steichen, participated in the group show 51 American Photographers at the Museum of Modern Art (MoMA); he also married fellow artist Mary Frank née Mary Lockspeiser, with whom he had two children, Andrea and Pablo.

Though he was initially optimistic about the United States’ society and culture, Frank’s perspective quickly changed as he confronted the fast pace of American life and what he saw as an overemphasis on money. He now saw America as an often bleak and lonely place, a perspective that became evident in his later photography. Frank’s own dissatisfaction with the control that editors exercised over his work also undoubtedly colored his experience. He continued to travel, moving his family briefly to Paris. In 1953, he returned to New York and continued to work as a freelance photojournalist for magazines including McCall’s, Vogue, and Fortune. Associating with other contemporary photographers such as Saul Leiter and Diane Arbus, he helped form what Jane Livingston has termed The New York School of photographers (not to be confused with the New York School of art) during the 1940s and 1950s.

With the aid of his major artistic influence, the photographer Walker Evans, Frank secured a Guggenheim Fellowship from the John Simon Guggenheim Memorial Foundation in 1955 to travel across the United States and photograph all strata of its society. Cities he visited included Detroit and Dearborn, Michigan; Savannah, Georgia; Miami Beach and St. Petersburg, Florida; New Orleans, Louisiana; Houston, Texas; Los Angeles, California; Reno, Nevada; Salt Lake City, Utah; Butte, Montana; and Chicago, Illinois. He took his family along with him for part of his series of road trips over the next two years, during which time he took 28,000 shots. 83 of these were selected by him for publication in The Americans.

Frank’s journey was not without incident. He later recalled the anti-Semitism to which he was subject in a small Arkansas town. “I remember the guy [policeman] took me into the police station, and he sat there and put his feet on the table. It came out that I was Jewish because I had a letter from the Guggenheim Foundation. They really were primitive.” He was told by the sheriff, “Well, we have to get somebody who speaks Yiddish. They wanted to make a thing out of it. It was the only time it happened on the trip. They put me in jail. It was scary. Nobody knew where I was.” Elsewhere in the South, he was told by a sheriff that he had “an hour to leave town.”

Shortly after returning to New York in 1957, Frank met Beat writer Jack Kerouac on the sidewalk outside a party and showed him the photographs from his travels. Kerouac immediately told Frank “Sure I can write something about these pictures,” and he contributed the introduction to the U.S. edition of The Americans. Frank also became lifelong friends with Allen Ginsberg, and was one of the main visual artists to document the Beat subculture, which felt an affinity with Frank’s interest in documenting the tensions between the optimism of the 1950s and the realities of class and racial differences. The irony that Frank found in the gloss of American culture and wealth over this tension gave his photographs a clear contrast to those of most contemporary American photojournalists, as did his use of unusual focus, low lighting and cropping that deviated from accepted photographic techniques.

This divergence from contemporary photographic standards gave Frank difficulty at first in securing an American publisher. Les Américains was first published in 1958 by Robert Delpire in Paris, as part of its Encyclopédie Essentielle series, with texts by Simone de Beauvoir, Erskine Caldwell, William Faulkner, Henry Miller and John Steinbeck that Delpire positioned opposite Frank’s photographs. It was finally published in 1959 in the United States, without the texts, by Grove Press, where it initially received substantial criticism. Popular Photography, for one, derided his images as “meaningless blur, grain, muddy exposures, drunken horizons and general sloppiness.” Though sales were also poor at first, the fact that the introduction was by the popular Kerouac helped it reach a larger audience. Over time and through its inspiration of later artists, The Americans became a seminal work in American photography and art history, and is the work with which Frank is most clearly identified. Critic Sean O’Hagan, writing in The Guardian in 2014, said “it is impossible to imagine photography’s recent past and overwhelmingly confusing present without his lingeringly pervasive presence.” and that The Americans “changed the nature of photography, what it could say and how it could say it. [ . . . ] it remains perhaps the most influential photography book of the 20th century.”

In 1961, Frank received his first individual show, entitled Robert Frank: Photographer, at the Art Institute of Chicago. He also showed at MoMA in New York in 1962.

To mark the fiftieth anniversary of the first publication of The Americans, a new edition was released worldwide on May 30, 2008. For this new edition from Steidl most photographs are uncropped compared with the cropped versions in previous editions, and two photographs are replaced with those of the same subject but from an alternate perspective.

A celebratory exhibit of The Americans, titled Looking In: Robert Frank’s The Americans, was displayed in 2009 at the National Gallery of Art in Washington, D.C., the San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), and at the Metropolitan Museum of Art in New York.The second section of the four-section, 2009, SFMOMA exhibition displays Frank’s original application to the John Simon Guggenheim Memorial Foundation (which funded the primary work on The Americans project), along with vintage contact sheets, letters to photographer Walker Evans and author Jack Kerouac, and two early manuscript versions of Kerouac’s introduction to the book. Also exhibited were three collages (made from more than 115 original rough work prints) that were assembled under Frank’s supervision in 2007 and 2008, revealing his intended themes as well as his first rounds of image selection. An accompanying book, also titled Looking In: Robert Frank’s The Americans, was published.

Here an interesting article published on the NY Times

 

Christophe Agou, bravo reporter, da conoscere.

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Ciao, oggi vi voglio far conoscere questo  bravissimo fotografo francese, che ci ha lasciato troppo presto lo scorso anno.

Anna

 

Christophe Agou (Montbrison, 14 ottobre 1969 – 16 settembre 2015) è stato un fotografo francese.

Dall’inizio degli anni Novanta, Christophe Agou si dedica alla fotografia documentaristica con grande sensibilità e senso poetico. Passa con disinvoltura dal bianco e nero al colore, dal paesaggio al ritratto, dal reportage al documento, senza privilegiare alcuno stile ma cercando continuamente di rinnovare le forme e le condizioni della propria visione. Sempre seguendo il proprio intuito, Christophe ha esteso la sua espressività anche ad altri media, creando assemblage e film.

Christophe Agou nasce nel 1969 a Montbrison, in Francia. Autodidatta, scopre la fotografia nel corso dei suoi viaggi in Europa e negli Stati Uniti. Nel 1992 si stabilisce a New York e nel 1998 incomincia a ritrarre in una serie di foto i passeggeri della metropolitana della Grande Mela. Il risultato di questo lavoro diventa oggetto di un libro, Life Below (Quantuck Lane Press / W.W. Norton & Company 2004).

Nell’inverno del 2002, Christophe Agou torna in Francia, nella regione del Forez in cui è nato; percorrendo questi aspri territori si accorge di non averli mai dimenticati. Qui conosce varie famiglie di agricoltori e a poco a poco, visitandole regolarmente, ne diventa intimo amico. Comincia la serie Face au Silence (Di Fronte al Silenzio).

Nel 2006 è finalista del prestigioso premio W. Eugene Smith, nel 2008 del Prix de la Photographie dell’Académie des Beaux-Arts di Parigi e nel 2009 riceve la menzione speciale al Prix Kodak de la Critique Photographique. Nel 2010, Christophe è vincitore della diciassettesima edizione del European Publishers Award for Photography.

I suoi scatti sono stati pubblicati ed esposti in tutto il mondo: al MoMA di New York, al Museum of Fine Arts di Houston, al Jeu de Paume di Parigi, alla Fondazione Pilar y Juan Miró di Palma di Maiorca, al festival francese Rencontres d’Arles, al Smithsonian American Art Museum di Washington DC, al Noorderlicht Fotofestival nei Paesi e in alcuni festival di fotografia in Cina.

Fonte: Wikipedia

Questo è il suo sito personale. Date un’occhiata anche ai suoi cortometraggi, qua

Qua trovate un’intervista rilasciata da Agou a Eric Kim nel 2014

Christophe Agou (1969 – September 2015) was a French documentary photographer and street photographer who lived in New York City. His work has been published in books and is held in public collections. He was a member of the In-Public street photography collective.

Agou was born in Montbrison, France in 1969. A self-taught photographer, Agou grew up in a small town in the Forez region, on the eastern side of the Massif Central.

From the early 1990s, Agou made documentary-style photographs in both black and white and color which take an allusive approach to the human condition. He also made short films and sculpture. In 1992, he moved to New York City.He began taking photographs in the streets that evoked a sense of longing and isolation. He made photographs at Ground Zero on September 11th, 2001, which were used in numerous publications. He first came to prominence with photographs taken in the New York City Subway, published in his book Life Below (2004).

In 2002 Agou returned to Forez. He traveled to the lesser-known parts of the region and got to know a community of family farmers whose identities are deeply rooted to the land. He photographed and filmed them at work and at home for eight years. This resulted in Face au Silence / In the Face of Silence, a documentary about rural life in early twenty-first century France. The work won him the 2010 European Publishers Award for Photography,and publication in six editions and in six languages.

He became a member of the In-Public street photography collective in 2005.

Agou died in September 2015 of cancer.

Source: Wikipedia

This is his personal website. Here are also some films he made

Here an interview given to Eric Kim in 2014

Fabio Bucciarelli, un fotoreporter

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Fabio Bucciarelli (Torino, 23 ottobre 1980) è un fotografo italiano, specializzato in conflitti e diritti umani.

Dal 2010 documenta i grandi cambiamenti storici avvenuti in Africa e Medio Oriente, in particolare, la guerra civile libica dai suoi inizi fino alla morte di Gheddafi. I suoi più recenti reportage raccontano la guerra civile siriana e le situazioni umanitarie in Sud Sudan, Mali ed Haiti.

Prima di diventare fotografo, nel 2006 Fabio si laurea in Ingegneria delle Telecomunicazioni presso il Politecnico di Torino specializzandosi nello studio delle immagini digitali. Dopo avere lavorato come ingegnere per Il Master dei Talenti della Fondazione CRT decide di lasciare la sua carriera per dedicarsi interamente alla fotografia. Nel 2009 viaggia in Turchia ed in Iran per i suoi primi reportages. Torna in Italia e documenta il terremoto in Abruzzo, avviando una collaborazione con l’agenzia di stampa LaPresse/Ap. Le sue immagini vengono pubblicate su diverse testate internazionali e nel maggio dello stesso anno entra a far parte dei fotografi di staff. Verso fine 2010 abbandona l’agenzia e inizia a lavorare come freelance. Da allora comincia a viaggiare per documentare i conflitti mondiali e la violazione dei diritti umani. Nel 2011 lavora in Medio Oriente concentrandosi sui movimenti di rivolta civile conosciuti come Primavera Araba. Viaggia a Lampedusa, in Tunisia, in Egitto e documenta il conflitto libico dalle sue prime fasi fino alla morte di Gheddafi. Nel 2012 scrive, insieme a Stefano Citati, il libro L’Odore della guerra (Inviati al fronte, Aliberti editore) con le fotografie del conflitto libico. Nel Settembre del 2012 decide di documentare la guerra civile siriana. Il suo reportage da Aleppo vince la Robert Capa Gold Medal riconoscimento dato dal Overseas Press Club, che ogni anno individua il miglior reportage fotografico dall’estero, per realizzare il quale siano stati necessari eccezionali doti di coraggio e intraprendenza, oltre che con il World Press Photo, il Picture of the Year International (POYi) ed il Sony Award, Il Premio Ponchielli ed il Best of Photojournalism (BOP).

I suoi lavori sono stati pubblicati da TIME Magazine, The New York Times, BBC, Al Jazeera America, The Guardian and Observer, The Wall Street Journal, Los Angeles Times, Foreign Policy, Paris Match, Stern, Die Zeit, Paris Match, Internazionale, La Stampa, L’Espresso, Il Fatto Quotidiano, Il Corriere e La Repubblica. Attualmente collabora con l’Agence France-Presse e con diversi quotidiani e magazine internazionali oltre che con ONG come l’ICRC (Croce Rossa Internazionale) e CCM(Comitato Collaborazione Medica).

Fonte: Wikipedia

Qua trovate il suo sito personale, qua un’interessante intervista sul sito Nikon

Avevamo parlato di Fabio, in occasione del lancio di MeMo Magazine.

 

Fabio Bucciarelli (Italy, 1980) is an award-winning photographer who focuses his attention on conflicts and humanitarian consequences of war.

Fabio spent the last years covering the major world changing events in Africa and Middle East. He reported from Libya – from its earliest stages until the death of Gaddafi – from Syria – during the civil war – and from forgotten countries in Africa as South Sudan and Mali. Fabio feels the urgency to tell the stories of people who are rendered powerless and provide unbiased information focused on human rights.

Before becoming a photographer in 2006 Fabio received the MS in Engineering from Politecnico of Turin. After, he attended the Universidad of Valencia where he specialized in Digital Imaging. In 2007 he won “Master dei Talenti” an Engineering grants program which offered him to work in a company in Barcelona. From 2009 he devoted himself entirely to photography and started working as staff member for La Presse/Ap. A couple of years later, he leaved the agency to dedicate his attention fully to documentary photography  working  beside in 2010/2011 as staff photographer for the Italian agency LuzPhoto.

Nowadays Fabio collaborates as a freelancer with Agence France-Presse and works on assignment worldwide for magazines and newspapers and NGO’s and International agencies such as UNHCR and  ICRC.

In 2013, his project Battle To Death – focusing on Syria’s civil war – won the prestigious Robert Capa Gold Medal awarded by the Overseas Press Club of America. Fabio has also been prized by World Press Photo, Prix Bayeux-Calvados, Pictures of The Year International, Best of Photojournalism, Leica Oskar Barnack, Sony International Photography Award and FotoEvidence Book Award.

His work has been published, among others, by TIME Magazine, The New York Times, BBC, CNN, Al Jazeera America, AL Jazeera English, The Guardian and Observer, The Wall Street Journal, Los Angeles Times, Foreign Policy, Paris Match, Le Monde, El Pais, Stern, Die Zeit, Internazionale, La Stampa, L’Espresso, Il Fatto Quotidiano, La Repubblica and Il Corriere della Sera.

In recent years Fabio’s dispatches from the field have been published by Il Fatto Quotidiano, La Stampa, Time Magazine and Al Jazeera America. Fabio images appear in several books, between them “The Gold Medals” and “10 Fotografi, 10 Storie 10 Anni” edited by Contrasto.  Beside this, he wrote with Stefano Citati the book  “The Smell of the War”.

In 2015, with other committed photographers and a group developers, Fabio founded MeMo Mag, a platform that uses the strength of digital technology to develop new ways of storytelling.

Source: personal website

Here an interesting interview recently published on Time

Anna

Joan Fontcuberta, realtà o fantascienza?

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Joan Fontcuberta (Barcellona, 24 febbraio 1955) è un fotografo, docente, saggista, curatore e scrittore spagnolo.

Laureato in Scienza dell’informazione, Fontcuberta insegna Comunicazione Audiovisiva all’Università Pompeu Fabra di Barcellona. È considerato uno dei massimi esponenti della fotografia contemporanea. Nel 1980 fonda la rivista Photovision e dal 1984 ad oggi ha pubblicato sei saggi sulla fotografia alcuni dei quali tradotti in varie lingue. Le sue opere sono state esposte in numerosi musei nel mondo, e formano parte di importanti collezioni pubbliche e private.

È maestro nel manipolare la fotografia, attraverso la quale riesce a dare una percezione distorta eppure plausibile della realtà, allo scopo di instillare il dubbio sulla veridicità della rappresentazione e della comunicazione, il sospetto che il confine fra realtà e illusione sia spesso così sottile da non poter essere colto.

Premiato dalla Fotografisches Akademie GDL in Germania nel 1988, Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres dal Ministero della Cultura in Francia nel 1994, Premio Nazionale di Fotografia in Spagna nel 1998, Premio Nacionale di Saggistica nel 2011 e l’Hasselblad Award nel 2013.

Questo è il suo sito personale, qua un’intervista rilasciata lo scorso anno in occasione della sua partecipazione a Fotografia Europea e qua una video-intervista in inglese pubblicata su Lensculture

Io lo trovo fantastico, voi?

Anna

Joan Fontcuberta (born 24 February 1955 in Barcelona, Catalonia, Spain) is a conceptual artist whose best-known works, such as Fauna and Sputnik, examine the truthfulness of photography. In addition, he is a writer, editor, teacher, and curator.

Fontcuberta received a degree in communications from the Autonomous University of Barcelona in 1977. He worked in advertising in his early career, and his family had also worked in advertising. From 1979 to 1986 he was a professor at the Faculty of Fine Arts of the University of Barcelona, after which he earned a living through his art.

In 1980 he co-founded the Spanish/English visual arts journal PhotoVision, and he is still Editor in Chief. Since 1993 Fontcuberta has been a professor of audiovisual communication at Pompeu Fabra University in Barcelona. Among other teaching appointments, he was visiting lecturer in Visual and Environmental Studies at Harvard University in 2003. Among other awards, he was named an Officer in the Order of Arts and Letters by the French Ministry of Culture in 1994. His curatorial experience includes serving as the Artistic Director of the 1996 Rencontres d’Arles, an international photography festival. He exhibited at Les Rencontres d’Arles, France, in 2005 and 2009.

One of his fingers is missing as a result, he said in a 2014 interview, to a home-made bomb blowing up in his hand. He says that the missing finger makes him a terrible photographer, although in 2013 he won the Hasselblad International Award in Photography.

Fontcuberta describes himself as “self-taught in photography” and considers himself “a conceptual artist using photography.” He states that the propaganda and dictatorship of Spain under Franco in his first 20 years led him to be skeptical about authority, which is reflected in his art. His background in communications and advertising led him to contemplate the relationship between photography and truth, and Fontcuberta believes that humor is an important component of his work. His art has been described as “postmodern.

Fontcuberta’s works are held in the permanent collections of many museums, such as Art Institute of Chicago; Center for Creative Photography, Tucson; George Eastman House, Rochester; Los Angeles County Museum of Art; Metropolitan Museum of Art, New York; Musée National d’Art Moderne / Centre Georges Pompidou, Paris; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires; Museu d’Art Contemporani de Barcelona; Museum Folkwang, Essen; Museum Ludwig, Cologne; Museum of Fine Arts, Houston; Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Canada, Ottawa; and San Francisco Museum of Modern Art.

This is his personal website, here a video interview published by Lensculture

Anna

Un giovanissimo fotoreporter turco da seguire: Furkan Temir

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Furkan Temir è nato nel 1995 in una piccola città nella Turchia Orientale. Dopo aver trascorso gli anni della sua adolescenza a Sivas e Bursa, ha vinto una borsa di studio per il dipartimento di cinema all’Università di Sehir e si è tarsferito a Istanbul. A quel tempo aveva sviluppato interesse verso il fotogiornalismo e aveva viaggiato diverse volte nel suo paese e all’estero per i suoi progetti. Durante il suo primo anno all’università, le sue fotografie sono state pubblicate da media internazionali, quali The Guardian, CNN International, Stern e Paris Match.

All’età di 17 anni, aveva definitivametne deciso che questo era il alvoro che avrebbe voluto fare per il resto della sua vita, al confine con la Siria, dove si era recato a fotografare.A causa delle sue assenze, è stato allontanato dall’università e ha dovuto trasferirsi in un altro dipartimento di cinema.All’età di 19 anni è andato in Iraq per la prima volta e a 20 anni ha cominciato un progetto sulla città siriana di Kobane.

Il suo scopo principale è di utilizzare tecniche differenti, pittura, video, fotografia, installazioni per eseguire lavori incentrati sulle minoranze, in Medio Oriente e nella regione dove vive.

Questo è il suo sito.

Qui un approfondimento sul giovane fotoreporter, recentemente apparso su Lens, il blog di fotografia del NY Times.

Furkan Temir was born in a small town near Eastern Turkey in 1995. After spending his childhood years in Sivas and Bursa, he earned a scholarship for the cinema department in Sehir University and moved to Istanbul. By that time, he has developed an interest on photojournalism and has traveled many times in his country and to abroad for his projects. During his first year in University his photography was published in international media outlets such as The Guardian, CNN International, Stern and Paris Match.   By the time he turned seventeen, he definitely decided that this is the kind of work to do for the rest of his life, in the Syria border where he went for photography. Because of his absence, he was dismissed from the University and had to transfer to another cinema department. When he was nineteen he went to Iraq for the first time and at the twenties he started to make a project about Syria’s Kobane city. His main aim is using different techniques painting, video, photography, installation to do works focused on minorities, in Middle East and the region he lives.

This is his website. Here a recent article on this teenage photoreporter, recently published on Lens, the photography blog of NY Times.

Anna

Tutte le mostre da non perdere a giugno

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Come di consueto  vi segnalo alcune mostre da vedere nel corso del prossimo mese di giugno, qualcuna in Italia e qualcuna all’estero.

Anna

 William Klein – Il fattore umano

William-Klein-Il-fattore-umano-Fotografie-installazioni-e-film

dal 16 giugno all’11 settembre 2016 – Palazzo della Ragione – Milano

La mostra, già presentata in parte alla Tate Modern di Londra e al FOAM di Amsterdam, è una fantastica retrospettiva che racchiude il lavoro dell’eclettico William Klein, non solo fotografo, ma anche artista, cineasta, designer e scrittore. Si tratta di una grande esposizione che riempirà gli spazi di Palazzo della Ragione con un impianto speciale e rinnovato di nuova produzione, creato per l’occasione attraverso un ricco allestimento multimediale.

 William Klein è nato a New York nel 1928 da una famiglia ebrea di origine ungherese, all’età di 18 anni passa due anni nell’esercito d’occupazione e si stabilisce poi a Parigi per diventare pittore. Nel 1954 torna a New York e lavora a una sorta di diario fotografico che uscirà due anni dopo in un volume disegnato dallo stesso autore, Life is Good & Good for You in New York, che gli varrà il premio Nadar. Raggiunge Fellini a Roma per fargli da assistente. Alla fine degli anni ’50 si avvicina al cinema al quale si dedicherà in maniera esclusiva per alcuni anni realizzando diversi film. Negli anni ’80 torna alla fotografia e pubblica numerosi libri. Il suo lavoro viene esposto in tutto il mondo e riceve molti premi e riconoscimenti. Innumerevoli i lavori, i libri, i progetti realizzati da questo poliedrico e instancabile artista. William Klein ha pubblicato, editi da Contrasto, i seguenti volumi: Retrospettiva (2002), Parigi+Klein (2006), Contacts (2008), Roma+Klein (2009), Brooklyn (2014).

Qua tutti i dettagli

Michael Ackerman

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Edward Weston, uno dei fotografi americani più influenti del 900.

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Edward Weston (Highland Park, 24 marzo 1886 – Carmel, 1º gennaio 1958) è stato un fotografo statunitense, tra i più importanti della prima metà del ‘900.

Biografia

Lavorò molto in California e fu invitato al Salon of Photography di Londra. Nel 1920 Weston fece una revisione dei propri lavori, nei quali fino a quel momento aveva prevalso l’uso dell’effetto flou, lo sfocato artistico. Dal 1923 al 1926 lavorò in Messico accanto a Tina Modotti e fece amicizia con alcune personalità del Rinascimento messicano. Fu questo un periodo in cui ritrovò se stesso e la sua strada stilistica iniziò a mutare. Era convinto che la fotografia servisse per catturare la vita e sotto qualunque forma essa si presentasse, l’unico modo possibile per farlo era attraverso il realismo. Nel 1932 insieme ad altri fotografi, tra cui Ansel Adams, fondò il Gruppo f/64 (chiamato così perché in genere usavano l’apertura minima di diaframma degli obiettivi che impiegavano per ottenere la massima profondità di campo). Questo gruppo di fotografi fondò un’estetica che si basava sulla ‘”perfezione tecnica e stilistica”: qualunque foto non perfettamente a fuoco, o perfettamente stampata, o montata su cartoncino bianco era “impura”. Si trattava di una reazione violenta allo stile sdolcinato e sentimentale che in quegli anni aveva reso celebri i fotografi pittorici della California.L’aspetto principale della visione di Weston fu il suo insistere continuamente sul fatto che il fotografo doveva già “visualizzare la foto dentro di sé prima ancora di scattarla”. Nel 1946 Edward Weston iniziò a soffrire di Parkinson e nel 1948 scattò la sua ultima fotografia a Point Lobos. Morì il 1º gennaio 1958.

L’ambiente

Se facciamo un attimo mente locale e cerchiamo di entrare in quello che poteva essere il mondo degli artisti che lavoravano nella costa ovest dell’America del nord, nel periodo che va tra gli anni ’20 e gli anni ’40, troviamo una serie di movimenti in leggero scontro tra loro, modernismo, realismo e pittorialismo. È proprio nel bel mezzo di quest’ultimo movimento che a New York E. Weston fa i primi passi nella fotografia, cominciando con i ritratti porta a porta.

Lo stile

Ben presto si rende conto che la sua ambizione è un’altra, e che non è solo, con altri fotografi come A. Stieglitz e P. Strand condivide la passione per la natura come soggetto, una natura nella quale vanno ricercate purezza e verità, e la necessità di allontanarsi dalla società per la quale non provano altro che disprezzo. Così già dai primi anni 20, abbandonando completamente le basi del pittorealismo si lascia ispirare dal nuovo ambiente che lo circonda, quello del modernismo, che riflette gli influssi delle avanguardie europee, soprattutto del cubismo, e le sue fotografie sono caratterizzate da naturalezza e semplicità, ma soprattutto da nitidezza e precisione.

Così anche se un po’ controcorrente E. Weston va avanti con il suo stile, cercando di mostrare al mondo il suo modo di “vedere” le cose. Con una quasi maniacale cura dell’immagine, cerca di cogliere l’essenza atemporale dell’oggetto, estraendone una forma pura e perfetta contrapposta allo sfondo che lo circonda…e che a volte risulta anche più “reale” dell’oggetto stesso, pronta per essere reinterpretata. Volendo usare le sue stesse parole “…con il massimo rigore; la pietra è dura, la corteccia di un albero è aspra, la carne è viva…” Si definiva un fotografo “diretto”, in continua ricerca della quintessenza della cosa… È capace di trasformare i soggetti fotografati in pure metafore visive degli elementi della natura: i primi piani di conchiglie, peperoni, cavoli; la serie di rocce e cipressi, fotografati astraendoli dal selvaggio paesaggio di Point Lobos; i nudi “incompleti”, estremamente sensuali, che non incarnano nient’altro se non se stessi; gli studi di cieli e nuvole… Si può dire che facciano tutti parte di quello che poi più avanti è stato definito “purismo Westoniano”. Anche l’America che lui rappresenta è più cruda e reale di quanto non fosse nella realtà o per lo meno di quanto non avessero “raccontato” fino ad allora i suoi colleghi fotografi. L’occhio che vede l’America di Weston è estremamente obbiettivo: luoghi desolati, vecchie macchine, fattorie abbandonate, pianure fangose. Nulla di confortevole o rassicurante.

Il perché

Ed è forse proprio per questo che Edward Weston piace tanto agli Americani, finalmente un fotografo che abbandona lo stereotipo della fotografia intesa come arte. A quei tempi molti credevano che la fotografia non fosse altro che una nuova classe della pittura e il tentativo di creare con la camera effetti pittorici crebbe, creando una serie di fotografie e fotografi molto simili tra loro; dando luogo ad una serie di “fotopitture” che non avevano nulla a che vedere con la naturalezza della fotografia. E anche se i risultati non erano legati al Pittorialismo, anche chi era lontano da questo tipo di fotografia, fotografava un’America un po’ irreale, o comunque di un’America che ben poco rivelava le condizioni effettive. Anche uno dei maestri della fotografia come Walker Evans fotografava lo stato di degradazione dell’America e divenne famoso per i suoi ritratti alle classi basse della società. Tuttavia quello che rende Weston più sincero è forse il fatto che nei suoi paesaggi o nei suoi ritratti non c’è traccia di “posa”. Non ci sono occhi che guardano l’obiettivo, non ci sono cartelloni pubblicitari, non c’è il disordine che distrae l’occhio. La sua verità è fatta di linee, di ombre, del bianco del nero e di tutte le tonalità di grigio. Così Weston a costo di apparire controcorrente si dedica al suo obiettivo a realizzare immagini che siano così pure, vere e semplici, da essere accessibili a chiunque. Anche perché il suo essere oggettivo gli conferiva non solo originalità, ma anche e soprattutto sincerità. E se le immagini sono i testimoni della vita del fotografo stesso, qui stiamo parlando di una persona umile, semplice, senza le pretese che normalmente hanno gli artisti, e che forse un po’ incarna l’americano medio, un fotografo come avrebbe potuto essere chiunque, un uomo che il suo scopo unico era un’enorme voglia di far conoscere al suo mondo quella che per lui era la verità.

La poetica

Ansel Adams amava dire: “Weston è uno dei pochi artisti creativi del nostro tempo… I suoi lavori illuminano il viaggio spirituale dell’uomo verso la perfezione”.

Weston è l’incarnazione della poesia applicata alla fotografia, e il suo motore è senza dubbio la ricerca continua di identificarsi con la natura per conoscerla fino alla più profonda essenza. Non è un caso che nel 1941 gli viene proposto dall’editore di Walter Whitman (1819 – 1892), uno dei poeti più importanti della storia Americana, di illustrare la quarta edizione del suo libro di poesie “Leaves of grass”. La poesia di Whitman è caratterizzata dall'”invenzione” del verso libero (totalmente in contrasto con le correnti attuali), che gli sembrava il mezzo più diretto per essere compreso, a questo si aggiunge il forte amore e l’esaltazione delle forze della natura. Almeno quanto le foto di Point Lobos dove Weston tentava di “fotografare la vita”. La stessa passione per la purezza delle cose, siano esse fotografie o poesie, entrambi erano fedeli alla purezza dell'”essere”. Nonostante i due artisti provengano da due correnti artistiche differenti per periodo e stile, tra loro si notano più punti d’unione. In entrambi si nota una scia di trascendentalismo, che distingue le loro creazioni, volendo definire in questo modo l’innata passione per il descrivere le loro ispirazioni artistiche in una maniera totalmente libera da ogni vincolo, ma soprattutto l’esprimere le sensazioni con assoluta oggettività. Il movimento trascendentalista era caratterizzato da una specie di “ottimismo”, che induceva a cogliere della natura solo gli aspetti positivi, dove l’unica realtà sarebbe quella trascendentale, la forma a priori di ogni altra realtà.

Per quanto riguarda Weston, soprattutto negli anni trascorsi in Messico (1922-27), dove si concentra sui rapporti tra “forma e soggetto, realismo e astrazione”, si può osservare nel suo stile, questa nota di trascendentalismo; la continua ricerca di un’immagine che sia totalmente vera, pura e libera da qualsiasi artificio innaturale lo porta a realizzare degli scatti che pur essendo molto differenti tra loro, come tema, hanno tutti lo stesso alone, la stessa forza d’impatto …una realtà che quasi supera la realtà, W. esigeva la chiarezza della forma, ed il fatto che la macchina potesse vedere più dell’occhio umano era come un miracolo per lui. Egli stesso ci racconta nei suoi “day books” che “la macchina deve essere usata per registrare la vita” anche se astratta, e non esiste mezzo migliore per registrare con totale esattezza l’oggettività. In questo modo il risultato finale è un’immagine talmente vera, che quasi ci appare come un simbolo dell’immagine stessa, ma che di nuovo ci sorprende apparendoci per ciò che è, ma come se fosse la prima volta che la si osserva. Una specie di iperrealismo che rivela l’essenza vitale delle cose.

Fonte Wikipedia

Avevamo già parlato di lui e della sua relazione con Tina Modotti qua

Biography

Edward Henry Weston was born March 24, 1886, in Highland Park, Illinois.  He spent the majority of his childhood in Chicago where he attended Oakland Grammar School. He began photographing at the age of sixteen after receiving a Bull’s Eye #2 camera from his father. Weston’s first photographs captured the parks of Chicago and his aunt’s farm. In 1906, following the publication of his first photograph in Camera and Darkroom, Weston moved to California. After working briefly as a surveyor for San Pedro, Los Angeles and Salt Lake Railroad, he began working as an itinerant photographer. He peddled his wares door to door photographing children, pets and funerals. Realizing the need for formal training, in 1908 Weston returned east and attended the Illinois College of Photography in Effingham, Illinois. He completed the 12-month course in six months and returned to California. In Los Angeles, he was employed as a retoucher at the George Steckel Portrait Studio. In 1909, Weston moved on to the Louis A. Mojoiner Portrait Studio as a photographer and demonstrated outstanding abilities with lighting and posing.) Weston married his first wife, Flora Chandler in 1909. He had four children with Flora; Edward Chandler (1910), Theodore Brett (1911), Laurence Neil (1916) and Cole (1919). In 1911, Weston opened his own portrait studio in Tropico, California. This would be his base of operation for the next two decades. Weston became successful working in soft-focus, pictorial style; winning many salons and professional awards. Weston gained an international reputation for his high key portraits and modern dance studies. Articles about his work were published in magazines such as American Photography, Photo Era and Photo Miniature. Weston also authored many articles himself for many of these publications. In 1912, Weston met photographer Margrethe Mather in his Tropico studio. Mather becomes his studio assistant and most frequent model for the next decade. Mather had a very strong influence on Weston. He would later call her, “the first important woman in my life.” Weston began keeping journals in 1915 that came to be known as his “Daybooks.” They would chronicle his life and photographic development into the 1930’s.

In 1922 Weston visited the ARMCO Steel Plant in Middletown, Ohio. The photographs taken here marked a turning point in Weston’s career. During this period, Weston renounced his Pictorialism style with a new emphasis on abstract form and sharper resolution of detail. The industrial photographs were true straight images: unpretentious, and true to reality. Weston later wrote, “The camera should be used for a recording of life, for rendering the very substance and quintessence of the thing itself, whether it be polished steel or palpitating flesh.” Weston also traveled to New York City this same year, where he met Alfred Stieglitz, Paul Strand, Charles Sheeler and Georgia O’Keeffe

In 1923 Weston moved to Mexico City where he opened a photographic studio with his apprentice and lover Tina Modotti. Many important portraits and nudes were taken during his time in Mexico. It was also here that famous artists; Diego Rivera, David Siqueiros, and Jose Orozco hailed Weston as the master of 20th century art.

After moving back to California in 1926, Weston began his work for which he is most deservedly famous: natural forms, close-ups, nudes, and landscapes. Between 1927 and 1930, Weston made a series of monumental close-ups of seashells, peppers, and halved cabbages, bringing out the rich textures of their sculpture-like forms. Weston moved to Carmel, California in 1929 and shot the first of many photographs of rocks and trees at Point Lobos, California. Weston became one of the founding members of Group f/64 in 1932 with Ansel Adams, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham and Sonya Noskowiak. The group chose this optical term because they habitually set their lenses to that aperture to secure maximum image sharpness of both foreground and distance. 1936 marked the start of Weston’s series of nudes and sand dunes in Oceano, California, which are often considered some of his finest work. Weston became the first photographer to receive a Guggenheim Fellowship for experimental work in 1936. Following the receipt of this fellowship Weston spent the next two years taking photographs in the West and Southwest United States with assistant and future wife Charis Wilson. Later, in 1941 using photographs of the East and South Weston provided illustrations for a new edition of Walt Whitman’s Leaves of Grass.

Weston began experiencing symptoms of Parkinson’s disease in 1946 and in 1948 shot his last photograph of Point Lobos. In 1946 the Museum of Modern Art, New York featured a major retrospective of 300 prints of Weston’s work. Over the next 10 years of progressively incapacitating illness, Weston supervised the printing of his prints by his sons, Brett and Cole. His 50th Anniversary Portfolio was published in 1952 with photographs printed by Brett. An even larger printing project took place between1952 and 1955. Brett printed what was known as the Project Prints. A series of 8 -10 prints from 832 negatives considered Edward’s lifetime best. The Smithsonian Institution held
the show, “The World of Edward Weston” in 1956 paying tribute to his remarkable accomplishments in American photography. Edward Weston died on January 1, 1958 at his home, Wildcat Hill, in Carmel, California. Weston’s ashes were scattered into the Pacific Ocean at Pebbly Beach at Point Lobos.

Source: Edward-Weston.com

Anna