Due documentari imperdibili su W. Eggleston. La fotografia a colori.

“Sono in guerra contro l’ovvio”

William Eggleston

Ciao, ho trovato questi due film documentari su William Eggleston che vi piaceranno sicuramente!

Mi è piaciuto molto vederlo al lavoro. Spero possa interessare anche a voi.

William Eggleston è stato un grande rivoluzionario nel mondo della fotografia. Sfidando le convenzioni, Eggleston fu uno dei pochi sostenitori della fotografia a colori.
Scardinò i canoni della fotografia tradizionale, non solo per l’utilizzo del colore ma anche per la scelta dei contenuti delle sue fotografie che vennero considerati banali perfino dal critico del New York Times Hilton Kramer.
Eggleston guardava la realtà anche del tutto ordinaria, dandole una vita nuova.

Mostrava il mondo per quello che era. Le sue fotografie sono sinonimo di sospensione: qualcosa è avvenuto o qualcosa sta per avvenire, ma nella fotografia in sé, non accade nulla.

Si pensa abbia ispirato i fratelli Coen, David Lynch e David Byrne e lo stesso Kubrick. La sua indagine della vita quotidiana ha separato la critica. Nonostante questo, oggi la valutazione delle sue opere è in continua ascesa.

Qui un’intervista su Vogue, interessantissima.

Qui la biografia dall’enciclopedia Treccani

Eggleston, William. – Fotografo statunitense (n. Memphis, Tennessee, 1939). Avvicinatosi alla fotografia sul finire degli anni Cinquanta, ha abbandonato l’università per studiare da autodidatta sui libri di fotografi quali H. Cartier-Bresson e W. Evans. E. è ricordato soprattutto per aver introdotto il colore nella fotografia, in un periodo in cui questo era utilizzato perlopiù per i messaggi pubblicitari: nel 1974, mentre insegnava ad Harvard ha preparato il suo primo portfolio (14 Pictures), le cui stampe sono state realizzate con il procedimento del dye transfers (in grado di donare saturazione e chiarezza alle immagini). Due anni dopo, grazie all’aiuto di J. Szarkowski ha raggiunto la notorietà con una memorabile personale al Museum of Modern Art (MoMA) di New York. E. ha definito il proprio modo di fotografare “democratico”; nei suoi scatti, infatti, compaiono soggetti comuni, spesso triviali (quali insegne, cortili, stazioni di servizio), che descrivono il sud degli Stati Uniti in cui il fotografo è cresciuto. Il celebre triciclo immortalato in Untitled 1970 è una delle opere di E. più quotate nel mercato dell’arte contemporanea.

1. “The Colourful Mr. Eggleston”presentato da Alan Yentob

2. “In The Real World”

 

Spero vi siano piaciuti, ciao Sara

Mostre di fotografia

Mustafa Sabbagh, ‘Ens Rationis’

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10.11.2015 _ 10.01.2016

museo civico di storia naturale _ ferrara Continua a leggere

Il fotografo del silenzio, Nadav Kander

http://www.nadavkander.com/

Nadav Kander (born 1961) is a London-based photographer, artist and director, known for his portraiture and landscapes. His work is included in the collections of the National Portrait Gallery, the Victoria and Albert Museum and other galleries and museums. His father flew Boeing 707s for El-Al but lost his eye and was unable to continue flying. His parents decided to start again in South Africa and moved to Johannesburg in 1963. Kander began taking pictures when he was 13 on a Pentax camera. After being drafted into the South African Air Force, Kander worked in a darkroom printing aerial photographs. He moved to London in 1986, where he still resides with his wife Nicole and their three children.

Kander’s best known images include Diver, Salt Lake, Utah 1997, in which a lone women peers out into the vast lake, and his 2009 portrait of Barack Obama photographed for The New York Times Magazine as a cover feature.

On 18 January 2009 Nadav Kander had 52 full page colour portraits published in one issue of The New York Times Magazine. These portraits (from a series titled Obama’s People) were of the people surrounding President Barack Obama, from Joe Biden (Vice President) to Eugene Kang (Special Assistant to The President). The same issue also included a series of cityscapes of Washington DC also taken by Kander. This is the largest portfolio of work by the same photographer The New York Times Magazine has ever showcased in one single issue.

Kander published his first monograph, Beauty’s Nothing (Arena Editions) in 2001. He followed up the book with a catalogue of nocturnal landscapes entitled Nadav Kander – Night which accompanied his exhibitions at the Yancey Richardson Gallery, New York and Shine Gallery, London. Flowers Gallery published Obama’s People to accompany the solo exhibition. Yangtze – The Long River was published by Hatje Cantz in September 2010. Bodies.6 Women.1 Man, was published by Hatje Cantz in February 2013.

An interview

Postato da Anna

David LaChapelle, vi piace? Bella galleria e interessante intervista.

David LaChapelle nasce a Fairfield (Connecticut, USA) il giorno 11 marzo 1963. Fotografo e regista è attivo nei campi della moda, della pubblicità e della fotografia d’arte. Deve la sua fortuna al suo personalissimo stile surreale, spesso umoristico e sarcastico, tanto che viene riconosciuto come uno dei fotografi più geniali di sempre, talvolta con l’appellativo di “Fellini della fotografia”. Dichiaratamente omosessuale, note sono anche le sue foto di nudo maschile, fra le più apprezzate in questa categoria.
Il percorso di studi artistici di LaChapelle passa dapprima attraverso la “North Carolina School of the Arts” e successivamente da New York. Nella grande mela frequenta contemporaneamente la “Art Students League” e la “School of Visual Arts”. Non ha ancora terminato gli studi quando Andy Warhol gli commissiona un servizio per la rivista “Interview magazine”, di fatto è il primo incarico professionale per LaChapelle.
Terminati gli studi si arruola nei marines; poi si trasferisce a Londra: dopo un matrimonio presto fallito torna a New York. Lavora per copertine e servizi fotografici di per le testate internazionali di maggior prestigio fra cui Vanity Fair, Flaunt, i-D, The Face, Arena e Rolling Stone e non passa molto tempo che viene annoverato tra i più grandi fotografi del secolo.
Il primo libro fotografico “LaChapelle Land” (1996) permette a David di far conoscere il suo stile a un ampio pubblico: le sue fotografie dai colori molto accesi appaiono a volte oniriche, a volte bizzarre. Il successivo volume “Hotel LaChapelle” (1998) sarà uno dei libri fotografici più venduti di tutti i tempi: contiene diversi scatti raffiguranti visi celebri. Nel 2006 pubblica le raccolte “Artists and Prostitutes” (in tiratura limitata, venduto a 1500 dollari il pezzo, con l’autografo dell’artista) e “Heaven to Hell”.
Il fotografo ha poi esteso la sua attività alla regia, prima di videoclip musicali, poi anche a eventi teatrali e documentari.

“L’arte è stata una vocazione, ho sempre saputo che sarei diventato un artista”
“Provo a fotografare l’in-fotografabile”

Sito dell’autore

Bella intervista su Vogue

Quote by Richard Avedon from the -The New York Times article by Amy M. Spindler
“Mr. LaChapelle is certain to influence the work of a new generation of photographers in the same way that Mr. Avedon pioneered so much of what is familiar today.”

“Mr. Avedon said that ‘of all the photographers inventing surreal images, it was Mr. LaChapelle who has the potential to be the genre’s Magritte.'”
-The New York Times

Quote by Helmut Newton from the NY Times article by Cathy Horyn
“He isn’t very impressed by current photography. ‘There’s a lot of pornographic pictures taken by the young today,’… He frowned. ‘A lot of the nudity is just gratuitous. But someone who makes me laugh is David LaChapelle. I think he’s very bright, very funny, and good.’”
– The New York Times

English version

David LaChapelle’s photography career began in the 1980’s in New York City galleries. After attending the North Carolina School of Arts, he moved to New York where he enrolled at both the Art Students League and the School of Visual Arts. With shows at 303 Gallery, Trabia McAffee and others, his work caught the eye of his hero Andy Warhol and the editors of Interview Magazine, who offered him his first professional photography job.

Working at Interview Magazine, LaChapelle quickly began photographing some of the most famous faces of the times. Before long, he was shooting for the top editorial publications of the world, and creating the most memorable advertising campaigns of a generation. His striking images have appeared on and in between the covers of magazines such as Italian Vogue, French Vogue, Vanity Fair, GQ, Rolling Stone and i-D. In his twenty-year career in publishing, he has photographed personalities as diverse as Tupac Shakur, Madonna, Amanda Lepore, Eminem, Philip Johnson, Lance Armstrong, Pamela Anderson, Lil’ Kim, Uma Thurman, Elizabeth Taylor, David Beckham, Paris Hilton, Jeff Koons, Leonardo DiCaprio, Hillary Clinton, Muhammad Ali, and Britney Spears, to name just a small selection.

After establishing himself as a fixture amongst contemporary photography, LaChapelle expanded his work to include direction of music videos, live theatrical events, and documentary film. His directing credits include music videos for artists such as Christina Aguilera, Moby, Jennifer Lopez, Britney Spears, The Vines and No Doubt.

His stage work includes Elton John’s The Red Piano, the Caesar’s Palace spectacular he designed and directed in 2004, which just recently ended its five year run in Las Vegas. His burgeoning interest in film led him to make the short documentary Krumped, an award-winner at Sundance from which he developed RIZE, the feature film acquired for worldwide distribution by Lions Gate Films. The film was released in the US and internationally in the Summer of 2005 to huge critical acclaim, and was chosen to open the 2005 Tribeca Film Festival in New York City.

Recent years have brought LaChapelle back to where he started, with some of the world’s most prestigious galleries and museums exhibiting his works. Galleries such as the Tony Shafrazi Gallery in New York, Jablonka Galerie in Berlin, the Robilant + Voena Gallery in London; and Maruani & Noirhomme in Belgium have housed his works as well as Institutions such as the Palazzo delle Esposizioni and Palazzo Reale in Italy; the Barbican in London, and The Helmut Newton Foundation in Berlin.

In 2009, exhibitions in Mexico City at the Museo del Antiguo Colegio de San Ildefonso, in Paris at the Musee de La Monnaie, and in Guadalajara at the Museo de Las Artes all broke attendance records. These shows presented his latest series of works with which LaChapelle has broken out of the frame, presenting three-dimensional sculptural murals.

” I am presenting a selection of works that best portray the consistent themes I have been exploring throughout my career – from some of my earliest works that were shown during the 1980’s in New York galleries, on through the 15 years I spent while working for magazines.

This time my objective was to document America’s obsessions and compulsions using publications as a means to reach the broadest possible audience. I was employing “pop” in the broadest sense of the word. I was photographing the most popular people in the world to the marginalized always attempting to communicate to the public in an explicit and understandable way. The images were always meant to attract, not alienate. Inclusion has always been the goal when making these pictures, and continues on in the newest works that will be exhibited.

The difference between the works I did as a photographer for hire and the most recent is that I’m freed from the constraints of magazines. The work has not only been liberated from the limitations of glossy pages, but has also emerged from the white frame, engaging the viewer with the exploration of three-dimensional tableaux.

I feel that we are living in a very precarious time, with environmental devastation, economic instability, religious wars waged, and excessive consumption amidst extreme poverty. I have always used photography as a means to try to understand the world and the paradox that is my life.

There is the feeling that we are living at a precipice. My hope is that through the narratives told in my images, I will engage people and connect with them addressing the same ideas or questions that possibly challenge them.

My latest pictures are a reflection of my earliest pictures. I reintroduce my personal ideas of transfiguration, regaining paradise, and the notion of life after death. “

Haas e la fotografia a colori

La prima volta in cui ho visto una fotografia a colori, una fotografia in cui il colore avesse senso di essere fermato, era di Ernst Haas.

The first time I saw a REALLY color photograph  was from Haas, and was this:

La fotografia era questa:

Clicca per ingrandire.image

Da quel giorno in poi ho potuto comprendere quando il colore facesse parte del soggetto e quando il soggetto fosse semplicemente a colori.

Ernst Haas (Vienna, 2 marzo 1921 – New York, 12 settembre 1986) è stato un fotografo austriaco.

Nella sua carriera sperimentò l’utilizzo della fotografia a colori e con soggetti in movimento. Fece parte dell’agenzia Magnum Photos. Negli anni ’40 intraprese gli studi di medicina, purtroppo a lui preclusi a causa delle leggi razziali (Haas era di origine ebraica). Nel 1941 entra nell’Istituto Grafico di Vienna che abbandona dopo pochi mesi. Pochi anni dopo incomincia a lavorare in studio e ad insegnare fotografia presso la Croce Rossa. Famosa la sua prima mostra con le foto di guerra di Vienna (per esempio Sunbathers). Conosce Capa, Cartier Bresson e Bischof presso la Magnum, e a partire dagli anni ’50 incomincia a lavorare per la rivista Life. Nel 1959 viene eletto Presidente della celebre agenzia Magnum, e continua coi suoi reportage fotografici in tutto il mondo, sperimentando l’uso del colore, specialmente del Kodakchrome. Tra i suoi ultimi importanti reportage ricordiamo il servizio per le Olimpiadi di Los Angeles nel 1984.

Haas e il colore: “Penso che il colore rappresenti una sfida maggiore. Col bianco e nero esistono solo tonalità di grigio. Col colore ci si trova davanti alle più incredibili combinazioni di sottili sfumature che possono essere sfruttate per esprimere profondità o rilievo. Il bianco e nero riproduce le linee essenziali nel modo più immediato. Se, per esempio, si deve fotografare una situazione in cui il soggetto principale è vestito in grigio mentre un personaggio secondario è in rosso, l’occhio sarà costantemente attratto da quest’ultimo. Col bianco e nero il problema non sussiste, ma col colore bisogna procedere con molta attenzione. Fotografare a colori è più difficile: è necessario pensare e sentire in un modo diverso… Continuo a non capire tutte queste problematiche discussioni sul bianco e nero e il colore. Amo sia l’uno che l’altro, ma parlano lingue diverse nello stesso ambito. Sono entrambi affascinanti. Il colore non significa bianco e nero più colore, come il bianco e nero non è solo un’immagine senza colore. Ciascuno di questi mezzi richiede una diversa sensibilità nel vedere e, di conseguenza, una diversa disciplina.. Ci sono gli snob del bianco e nero, e ci sono gli snob del colore. Incapaci di usare bene entrambi, si mettono sulla difensiva e militano in campi opposti. Non bisognerebbe mai giudicare un fotografo dal tipo di pellicola che usa, ma solo da come la usa“.

Biography

Ernst Haas (1921–1986) is acclaimed as one of the most celebrated and influential photographers of the 20th century and considered one of the pioneers of color photography. Haas was born in Vienna in 1921, and took up photography after the war. His early work on Austrian returning prisoners of war brought him to the attention of LIFE magazine. He declined a job offer as staff photographer in order to keep his independence. At the invitation of Robert Capa, Haas joined Magnum in 1949, developing close associations with Capa, Henri Cartier-Bresson, and Werner Bishof.
Haas moved to the United States in 1951 and soon after, began experimenting with Kodachrome color film. He went on to become the premier color photographer of the 1950s. In 1953 LIFE magazine published his groundbreaking 24-page color photo essay on New York City. This was the first time such a large color photo feature was published by LIFE. In 1962 a retrospective of his work was the first color photography exhibition held at New York’s Museum of Modern Art.

Throughout his career, Haas traveled extensively, photographing for LIFE, Vogue, and Look, to name a few of many influential publications. He authored four books during his lifetime: The Creation (1971), In America (1975), In Germany (1976), and Himalayan Pilgrimage (1978).
Ernst Haas received the Hasselblad award in 1986, the year of his death. Haas has continued to be the subject of museum exhibitions and publications such as Ernst Haas, Color Photography (1989), Ernst Haas in Black and White (1992), and Color Correction (2011). The Ernst Haas Studio, located in New York, continues to manage Haas’s legacy, aiding researchers and overseeing all projects related to his work.

Qui il sito ufficiale