Capire la scala dei diaframmi

23 Settembre 20253 Marzo 2025 / saramunari / 2 commenti

La scala dei diaframmi è un concetto fondamentale in fotografia che indica l’apertura dell’obiettivo, ovvero la dimensione del foro attraverso cui passa la luce. Ogni valore sulla scala corrisponde a una precisa quantità di luce che raggiunge il sensore della fotocamera e influisce direttamente sulla profondità di campo dell’immagine.

Come funziona la scala dei diaframmi?

La scala dei diaframmi è composta da una serie di numeri preceduti dalla lettera “f”, ad esempio f/2, f/4, f/8, f/16. Questi numeri rappresentano una frazione: il numeratore è la lunghezza focale dell’obiettivo e il denominatore è il diametro dell’apertura del diaframma.

Valori bassi come f/2, f/2.8 indicano un’apertura ampia, che lascia passare molta luce. Questo comporta una ridotta profondità di campo, ovvero solo una piccola porzione dell’immagine sarà a fuoco, mentre lo sfondo sarà sfocato.

Valori alti come f/16, f/22 indicano un’apertura stretta, che lascia passare poca luce. Questo comporta una maggiore profondità di campo, ovvero una porzione più ampia dell’immagine sarà a fuoco.

La scala dei diaframmi più comune:

f/1.4, f/1.8, f/2 sono aperture molto ampie, ideali per ritratti con lo sfondo sfocato e in condizioni di scarsa illuminazione, fotografia con le quali otterrai foto con la percezione pochi elementi a fuoco nella fotografia.

f/2.8, f/4, f 5/6 sono aperture intermedie, versatili per diversi tipi di fotografia con le quali otterrai foto con la percezione alcuni elementi a fuoco nella fotografia.

f/8, f/11, f 16 sono aperture che offrono un buon equilibrio tra profondità di campo e luminosità e otterrai foto con la percezione di quasi tutto a fuoco fino al fono della fotografia.

La scala dei diaframmi è un concetto fondamentale in fotografia che indica l’apertura dell’obiettivo, ovvero la dimensione del foro attraverso cui passa la luce. Ogni valore sulla scala corrisponde a una precisa quantità di luce che raggiunge il sensore della fotocamera e influisce direttamente sulla profondità di campo dell’immagine.

Come funziona la scala dei diaframmi?

La scala dei diaframmi più comune:

f/2.8, f/4, f 5/6 sono aperture intermedie, versatili per diversi tipi di fotografia con le quali otterrai foto con la percezione alcuni elementi a fuoco nella fotografia.

f/8, f/11, f 16 sono aperture che offrono un buon equilibrio tra profondità di campo e luminosità e otterrai foto con la percezione di quasi tutto a fuoco fino al fono della fotografia.

f/16, f/22 sono aperture molto chiuse, ideali per i paesaggi e quando si desidera una grande profondità di campo con la quale otterrai una foto con la percezione di tutti gli elementi a fuoco fino a infinito. nella fotografia.

Perché la scala dei diaframmi non è lineare?

Potresti notare che la scala dei diaframmi non aumenta in modo lineare. Ad esempio, passando da f/4 a f/5.6 la quantità di luce che entra nell’obiettivo si dimezza. Questo perché ogni “stop” (passaggio da un valore all’altro) corrisponde a un raddoppio o dimezzamento della quantità di luce.

Come si usa il diaframma?

Modalità manuale: Ti permette di controllare manualmente l’apertura del diaframma.

Priorità di diaframma: La fotocamera seleziona automaticamente il tempo di esposizione in base al valore f (diaframma) che hai scelto.

Modalità programma: La fotocamera seleziona sia il diaframma che il tempo di esposizione in base a una determinata scena.

Il diaframma aperto (f basso) potrebbe essere utilizzato nei ritratti per isolare il soggetto dallo sfondo e creare un effetto sfuocato. Per creare una sorta di cornice sfuocata che direzioni lo sguardo sul soggetto o, nella macrofotografia per mettere in risalto i dettagli e per far entrare più luce in condizioni di scarsa illuminazione.

Il diaframma chiuso (f alto) potrebbe essere utilizzato per fotografie e paesaggi, per avere una maggiore profondità di campo e rendere nitidi sia il primo piano che lo sfondo. Nelle fotografie di reportage per far percepire al fruitore cosa succede su più piani dell’immagine o per esempio, nelle fotografie fatte a prodotti commerciali o still life, per avere una resa nitida e dettagliata di tutto l’oggetto.

Consigli pratici, quando usare diverse modalità della tua fotocamera:

Priorità di diaframma: Utilizza questa modalità per impostare manualmente il diaframma e lasciare che la fotocamera scelga automaticamente il tempo di esposizione.

Prova diversi valori: Sperimenta con aperture diverse per capire come influenzano l’immagine.

Considera la luce: In condizioni di scarsa illuminazione, dovrai aprire di più il diaframma per far entrare più luce.

Pensa alla composizione: Il diaframma può essere utilizzato per guidare l’occhio dell’osservatore verso i punti focali dell’immagine.

Il diaframma è uno strumento fondamentale per qualsiasi fotografo. Comprendere come funziona e come utilizzarlo ti permetterà di creare immagini con un impatto visivo più forte e di esprimere al meglio la tua creatività. La scelta del diaframma è fondamentale per ottenere l’effetto desiderato nella tua fotografia. Un diaframma aperto ti permetterà di isolare il soggetto, mentre un diaframma chiuso ti darà una maggiore profondità di campo. Sperimentando con i diversi valori, potrai trovare il diaframma perfetto per ogni situazione.

Consigli per un panning perfetto

2 Settembre 202519 Agosto 2025 / saramunari / Lascia un commento

Ecco qualche consiglio per la tecnica del panning, buona giornata

Sara Munari

Opta per soggetti che si muovono a una velocità costante, come un’auto che sfreccia su una strada o un ciclista.

Imposta la tua fotocamera sulla modalità manuale o priorità di otturatore.

Sperimenta con tempi di scatto compresi tra 1/60 e 1/8 di secondo. Più veloce è il soggetto, più corto dovrà essere il tempo di scatto. Un diaframma aperto (numero basso) ti permetterà di ottenere uno sfocato più pronunciato sullo sfondo. Utilizza la messa a fuoco continua per seguire il soggetto in movimento.

Posizionati in modo da avere lo sfondo sfocato nella direzione del movimento del soggetto.

Ruota la fotocamera in modo fluido e costante, seguendo il movimento del soggetto con l’obiettivo. Aumenta le tue possibilità di successo scattando in modalità raffica (solo all’inizio, non consiglio l’utilizzo smodato di questa impostazione).

Il panning richiede pratica. Non scoraggiarti se i primi risultati non sono perfetti.

Errori comuni da evitare:

I movimenti della fotocamera devono essere fluidi e costanti. Se il tempo di scatto fosse troppo corto, lo sfondo potrebbe non essere abbastanza mosso. Se il tempo di scatto fosse troppo lungo, il soggetto potrebbe risultare mosso. Assicurati che la messa a fuoco sia impostata correttamente e segua il soggetto.

Esempi di soggetti adatti al panning:

Veicoli: Auto, moto, treni.

Atleti: Ciclisti, corridori, sciatori.

Animali: Uccelli in volo, animali in movimento.

Perché fare panning?

Il panning ti permette di catturare il senso di movimento e trasmettere l’energia e la dinamicità della scena. Le immagini avranno quindi un impatto molto creativo. Inoltre potrai migliorare le tue abilità fotografiche dato che questa tecnica richiede precisione e coordinazione, esercitandoti potrai affinare le tue capacità tecniche e fotografiche.

Il panning è una tecnica affascinante che può aggiungere un tocco di dinamismo alle tue fotografie. Con un po’ di pratica, sarai in grado di creare immagini uniche e accattivanti.

Consigli pratici per imparare a usare il tempo di scatto

8 Luglio 20253 Marzo 2025 / saramunari / Lascia un commento

Ecco qualche suggerimento per i tempi di scatto, buona lettura, ciao

Sara Munari

La modalità manuale ti offre il massimo controllo su tutti i parametri della tua fotocamera: tempo di scatto, diaframma e ISO. È come guidare una macchina con il cambio manuale, all’inizio può sembrare complicato, ma ti dà una libertà e una precisione che non avresti in modalità automatica. Vedremo più avanti come applicarla.

Inizia con soggetti statici, come un paesaggio o un oggetto fermo. In questo modo potrai concentrarti sull’impostazione del tempo di scatto senza preoccuparti del movimento.

Prova a variare il tempo di scatto e osserva come cambia l’aspetto dell’immagine. Prova tempi molto lunghi per soggetti luminosi e tempi molto corti per congelare il movimento.

Crea una serie scegliendo un soggetto e scatta una serie di foto variando solo il tempo di scatto. Confronta i risultati e osserva come cambia l’aspetto dell’immagine.

Prova anche a fotografare lo stesso soggetto in diverse condizioni di luce: al mattino, a mezzogiorno, al tramonto. Ognuna di queste condizioni ti permetterà di utilizzare tempi di scatto diversi.

Treppiede: il tuo alleato per tempi lunghi

Un treppiede è essenziale per evitare il mosso quando utilizzi tempi di scatto lunghi. Anche il più piccolo movimento della fotocamera può rovinare l’immagine. Scegli un treppiede stabile e robusto, adatto al peso della tua fotocamera e dell’obiettivo. Assicurati che la testa del treppiede sia perfettamente livellata (ogni cavalletto ha la bolla per controllare se sei posizionato correttamente) per evitare che l’orizzonte sia storto, a meno che tu non lo voglia “pendente”.

Altri consigli:

Se pensi ti possa servire, utilizza un telecomando o il timer per evitare vibrazioni durante lo scatto.

Prova la modalità Bulb che è una funzione presente in molte fotocamere e permette di effettuare esposizioni di durata estremamente lunga. A differenza delle normali modalità di scatto, in cui il tempo di esposizione è preimpostato, la modalità Bulb offre al fotografo un controllo completo sulla durata dello scatto. In modalità Bulb, l’otturatore della fotocamera rimane aperto finché il pulsante di scatto viene tenuto premuto. Questo significa che puoi decidere esattamente per quanto tempo vuoi esporre la pellicola o il sensore alla luce, permettendoti di catturare immagini con effetti molto particolari.

I filtri ND (acronimo di “Neutral Density”) sono degli accessori fotografici che assorbono una parte della luce che entra nell’obiettivo della tua fotocamera. In pratica, funzionano come degli “occhiali da sole” per la tua fotocamera, riducendo l’intensità luminosa e consentendoti di utilizzare tempi di esposizione più lunghi. Sono ideali per creare effetti come l’acqua che sembra seta, le nuvole che sembrano dipinte nel cielo o le scie luminose delle stelle. Ti permettono di utilizzare diaframmi ampi (bassi numeri f) anche in condizioni di forte luminosità, ottenendo un maggiore effetto di sfondo sfocato. In combinazione con un’apertura ampia, i filtri ND possono ridurre la profondità di campo, isolando meglio il soggetto dallo sfondo e in situazioni con forti contrasti di luce, un filtro ND può aiutare a bilanciare le esposizioni, evitando zone sovraesposte o sottoesposte.

Osserva le foto di altri fotografi e cerca di capire quali tecniche hanno utilizzato. Prova a fotografare le luci delle auto in una strada di notte con un tempo di scatto lungo. Cattura il movimento dell’acqua di un fiume o di una cascata con tempi di scatto diversi. Prova a fotografare un’azione sportiva con tempi di scatto molto brevi per congelare il movimento.

Il tempo di scatto è uno strumento potente che ti permette di dare vita alle tue immagini. Imparando a padroneggiarlo, potrai creare fotografie uniche e originali, che raccontano storie e suscitano emozioni. La fotografia richiede tempo e pratica per essere conosciuta a fondo. Non scoraggiarti se all’inizio non ottieni i risultati sperati. Continua a sperimentare e a divertirti!

Come è fatta una macchina fotografica

3 Giugno 20253 Marzo 2025 / saramunari / Lascia un commento

Volevo ricominciare da capo e vi scrivo qualche articolo per chi si avvicina alla fotografia…spero possano interessare! Buona giornata

Sara Munari

Immagina una scatola chiusa, al cui interno entra della luce attraverso un foro. Questa è, in sostanza, una macchina fotografica. La macchina fotografica ha il compito di far entrare la luce attraverso l’ottica (obiettivo) e catturare l’immagine proiettata su una superficie sensibile (sensore o pellicola). Tuttavia, la tecnologia moderna ha reso le macchine fotografiche strumenti incredibilmente sofisticati, capaci di catturare immagini di qualità straordinaria in una vasta gamma di condizioni, ma il principio di base rimane lo stesso.

La macchina fotografica non è altro che una versione sofisticata di questa scatola. Al posto del foro, abbiamo un obiettivo, una serie di lenti che lavorano insieme per concentrare la luce e proiettarla su un sensore (o una pellicola, nelle macchine fotografiche analogiche). Il diaframma, una sorta di iride regolabile, controlla la quantità di luce che entra nell’obiettivo, come le pupille dei nostri occhi si adattano alla luce. L’otturatore, invece, è come una tapparella che si apre e si chiude rapidamente, determinando il tempo di esposizione alla luce. Più a lungo l’otturatore rimane aperto, più luce raggiunge il sensore e più luminosa sarà l’immagine. Infine, il sensore (o la pellicola) è la superficie su cui si forma l’immagine. Nei modelli digitali, il sensore converte la luce in segnali elettrici che vengono poi trasformati in un’immagine digitale.

L’oggetto “macchina fotografica senza obiettivo” viene definito in fotografia corpo macchina, cioè la struttura che contiene tutti gli altri componenti e fornisce un supporto stabile per l’obiettivo. È l’obiettivo che raccoglie la luce e la proietta sul sensore (o sulla pellicola). Pensalo come l’occhio della macchina fotografica. La sua lunghezza focale determina il campo visivo cioè la quantità di spazio da riprendere e l’ingrandimento; mentre il diaframma è un’apertura regolabile che controlla la quantità di luce che entra nell’obiettivo. Un diaframma più aperto lascia entrare più luce, mentre uno più chiuso ne lascia entrare meno.

All’interno della macchina, davanti al sensore (o alla pellicola) c’è una sorta di tapparella appunto, l’otturatore, che si apre e si chiude rapidamente per controllare la durata dell’esposizione alla luce. Tempi di esposizione più lunghi catturano più luce, ma possono causare il mosso.

L’immagine va a finire sul sensore (o pellicola) cioè il supporto su cui viene impressa l’immagine. Nei modelli digitali, il sensore converte la luce in segnali elettrici che vengono poi trasformati in un’immagine digitale. Nelle macchine fotografiche a pellicola, invece, la luce impressiona direttamente la pellicola chimica.

Tutto questo avviene attraverso le scelte che facciamo attraverso la visione nel mirino che permette di inquadrare la scena prima di scattare. Ne esistono di due tipi principali: ottico (che mostra una vista diretta della scena attraverso l’obiettivo) e digitale (che mostra un’anteprima dell’immagine sul display). Alcune macchine fotografiche hanno oggi un visore posteriore, un piccolo schermo nel quale si riproduce l’immagine che abbiamo di fronte e svolge la stessa funzione del mirino, che ci permette di decidere quale “fetta di realtà” ritrarre.

Le caratteristiche di un buon fotografo

17 Dicembre 20157 Dicembre 2015 / saramunari / 3 commenti

Sara Munari Vietnam

Curiosità: La curiosità è la caratteristica principale di un fotografo, a mio parere. Senza curiosità, essere fotografo non avrebbe senso. Curiosità significa cercare sempre, opportunita’ che possono migliorare la qualità dei vostri progetti.

Dovrete cercare spunti, situazioni, navigare su internet e sul mercato “prendendo” spunti e rielaborandoli per mettere a punto nuove idee e risorse per comunicare.

La curiosità fa in modo che non ci si fermi alle prime impressioni.

Occhio e orecchio sempre vigili, insomma…

Per il reportage di documentazione il rigore con cui ci si documenta, è indice di serietà, la capacità di selezione delle fonti e la relativa distribuzione di notizie.

Siate attenti, leggete e informatevi bene prima di produrre un lavoro fotografico.

Flessibilità mentale: fondamentale.

Spesso vi servirà a cambiare strada e capire come muovervi meglio.

La fotografia è sempre in movimento, cambia, gli stili cambiano, i modi relativi alla comunicazione, cambiano.

Siate dinamici, spesso vedo lavori non più adeguati al cambiamento della “Fotografia “.

La rigidità è il sintomo di limiti dai quali dobbiamo stare alla larga da fotografi, sempre. Ogni situazione vi si pone con caratteristiche differenti, a volte dovrete improvvisare, fidarvi del vostro intuito, della vostra “pancia”.

Schemi precisi vi chiudono in gabbia, soprattutto quando si tratta di un progetto creativo, di idee, che se mai fotografate, non possono essere trovate sui libri.

Non meno importante sarà la vostra capacità di comunicare, anche parlare del vostro lavoro, farà parte di questo mestiere.

Poi c’è la vostra capacità tecnica. Dovete conoscere i limiti delle vostre macchine fotografiche, non le qualità. Portare la macchina al limite, senza cercare soluzioni introvabili (perché impossibili per i limiti tecnici del mezzo) sarà fondamentale.

Relativamente ad ogni genere fotografico, studiate la tecnica di riferimento, soprattutto per lavori in studio.

Conoscere la luce, sia in studio che in esterni.

Ultimo consiglio, siate umili e tentate di imparare da tutto e da tutti, siate pronti a mettervi in discussione per capire come migliorare.

Per il resto, cioè la vostra capacità di vedere fotograficamente, studiate, leggete, apritevi a tutto.

Se ancora non funziona, esistono un sacco di corsi di tango e cucina indiana a cui fare riferimento!!

baci

Sara

Come fotografare a colori. Parte prima.

17 Febbraio 201520 Maggio 2015 / saramunari / 9 commenti

Non sempre utilizzare colori in fotografia significa fotografare a colori, una foto a colori presuppone che il colore stesso sia fondamentale, faccia parte della forza dell’immagine e del soggetto. Durante lo scatto vengono considerate spesso solamente l’esposizione e la composizione Questo è un approccio, non “sbagliato” ma non completo, l’aspetto cromatico della vostra immagine è fondamentale. Ricordatevi che è importantissimo saper gestire i toni, anche nella fotografia in bianco e nero. *I colori più forti hanno sempre impatto maggiore ma non è detto che una fotografia con colori più forti rispetto ad un’altra con tonalità più lievi, risulti esteticamente migliore.

Credo sia molto meglio il ritocco della seconda fotografia, i colori nella prima colpiscono ma sono forzati. *Il primo fattore fondamentale in ogni tipo di fotografia è essere semplici. Limitatevi, se potete, a pochi colori composti bene. NON è la quantità di colori che fa della fotografia un’immagine a colori.

Dal mio lavoro ‘I pesci possono volare’

*I colori dell’immagine possono essere anche leggeri, fino a rendere la fotografia quasi monocromatica.

Dal mio lavoro ‘I pesci possono volare’

Spesso, seguendo un racconto o per la necessità di creare un portfolio omogeneo, vi troverete a ritoccare le vostre fotografie, rendendole più o meno sature. *Se riuscite ad avere la possibilità di mettere un colore forte, su fondo neutro, otterrete sicuramente un’immagine con un impatto visivo maggiore. *Se, a livello visivo, nella vostra fotografia, un colore sarà dominante, diventerà parte integrante del soggetto che sarà condizionato, nella lettura dell’immagine, dalla tonalità che avete scelto.

Dal mio lavoro ‘Oceano India’

*Si possono creare fotografie con toni simili tra loro, oppure si può lavorare, sui contrasti di colori complementari.

Dal mio lavoro ‘Oceano India’

Ruota dei colori I colori sono suddivisi in tre categorie: i colori primari,colori secondari e i colori terziari. I colori primari sono tre : il giallo, il rosso e il blu, ovvero gli unici tre colori che non possono essere ottenuti come combinazione di altri colori. I colori secondari sono il risultato della combinazione di coppie di colori primari: si definiscono colori secondari il verde (dato dall’unione tra giallo e blu), l’arancione (dato dall’unione tra rosso e giallo) e il viola (dato dall’unione tra il blu e il rosso). I colori terziari sono dati dall’unione in quantità non uguali di colori primari.

Ruota dei colori

Nella percezione dei colori, i colori caldi tendono ad attirare la nostra attenzione maggiormente, ci colpiscono di più. Io penso che sia per colpa del cielo. Dato che il cielo lo vediamo blu, tendiamo a percepirlo sempre come sfondo. Ora devo uscire, la seconda parte sui colori, per capire come fotografare, la posto venerdì, se riesco. Baci a tutti, Sara

L’intuizione nella fotografia.

13 Febbraio 201520 Maggio 2015 / saramunari / 12 commenti

La fotografia è alla portata di tutti.
Appena si prende una macchina fotografica in mano, fa il suo dovere, tu schiacci il pulsante, lei produce immagini. Niente di più semplice.
Inoltre per imparare la tecnica di base, ci vogliono davvero pochi giorni. Non sto sminuendo l’insegnamento della tecnica, non partite coi post pirata!

Diciamo che, le cose da imparare per scattare una foto tecnicamente corretta (senza far stupidi paragoni con eccelsi Autori che hanno fatto della tecnica, la loro grandezza) non sono molte.
Due dettagli che riguardano il fare foto, non si possono insegnare, almeno non in breve tempo, la capacità di riconoscere la “luce” e l’intuizione che rendono una certa foto, una foto certa.

H.C.Bresson diceva:

La macchina fotografica è per me un blocco di schizzi, lo strumento dell’intuito e della spontaneità. […] Fotografare è trattenere il respiro quando le nostre facoltà convergono per captare la realtà fugace; a questo punto l’immagine catturata diviene una grande gioia fisica e intellettuale. Fotografare è riconoscere nello stesso istante e in una frazione di secondo un evento e il rigoroso assetto delle forme percepite con lo sguardo che esprimono e significano tale evento. È porre sulla stessa linea di mira la mente, gli occhi e il cuore. È un modo di vivere. (da Henri Cartier-Bresson, Contrasto, 2004)

Trovo questa frase interessante per ricollegarmi a cosa possa fare un fotografo:

Conoscere la tecnica (scontato)
Conoscere il soggetto (doveroso)
Intuire (comprendere la qualità estetica, formale e concettuale di uno scatto)
Interpretare quindi scattare

La sensibilità non può essere sostituita dalla tecnica, così come una persona con una bella calligrafia non scrive necessariamente bei romanzi.

Sia per intuire che per interpretare serve “sensibilità”.
La tecnica è necessaria, ripeto, non fraintendetemi, ma deve essere al servizio di chi utilizzandola, accresce la sua capacità di parlare attraverso le immagini.

Credo che la conoscenza sia la chiave per migliorare.
Ogni conoscenza di cui ci avvaliamo accresce le nostre doti da fotografo.
Dobbiamo essere in grado di interpretare e il “conoscere” è alla base dei ragionamenti che un buon fotografo deve fare per per rivelare “storie”.
Una volta padroni della tecnica ci si impadronisce del pensiero e la conoscenza ci aiuterà a muoverci spontaneamente nelle storie che vogliamo raccontare.
Il soggetto e il fotografo arrivano a amalgamarsi in un’unica pasta ed ogni intuizione diventa realtà fotografica.
Le proprie fantasie si trasferiscono nell’identificazione col soggetto che è un tutt’uno con noi, questo vale nel atto della creazione del lavoro, poi ci si lascia (qualche volta non ci si lascia mai) e ognuno torna per la propria strada.
In qualche caso il fotografo rappresenta se’ stesso nelle sue immagini, ci si butta dentro e dall’amalgama, non riesce più ad uscire. In questi casi la fotografia diventa una specie di incontro con l’analista. Una terapia.
Chi vede la luce poi, è davvero raro. Sono pochi anche i grandi fotografi che riconoscono una luce eccezionale sulla loro strada. Molti imparano ad usarla, ma pochi la vedono indipendentemente dalle conoscenze tecniche. È un dono che trasforma immagini banali, in capolavori. È un dono ricevuto da pochi.
E io me ne sto qui a scrivere e fuori c’è il sole. Esco. Ciao!