In fotografia, spesso, l’intera storia deve essere già chiara all’interno di un singolo scatto. Se si vuole raccontare una storia con una foto, includete il contesto.
So che è più complicato. Introdurre il contesto significa:
* calcolare le velocità di più soggetti (se ci sono persone)per fare in modo che vengano fermate sul punto giusto dell’immagine
* pensare più attentamente alla composizione
* osservare meglio la luce e come cade sui soggetti circostanti al vostro, per poterla sfruttare a vostro piacimento
* doversi avvicinare ai soggetti (cosa che fa paura a molti)
Questi sono i motivi che spingono molti a scattare da lontano, magari con uno zoom.
Lo zoom da l’opportunità di non avvicinarsi, schiaccia i piani e decontestualizza il vostro soggetto.
In qualche caso è l’unica opportunità che avete ma spesso è una questione di pigrizia o paura dell’avvicinarsi troppo alle “cose”.
Vi state togliendo una possibilità.
Se avete una storia in mente e sapete chiaramente cosa vorreste raccontare, il contesto ripreso e la situazione circostante, possono aiutare chi vedrà la vostra immagine a dare un’interpretazione maggiormente articolata e precisa.
Provate ad esercitarvi e ad avvicinarvi piano piano sempre di più alle cose, ma non con lo zoom, fisicamente.
Cercate punti fermi sullo sfondo che vi bilancino l’immagine e non abbiano necessità di essere controllati nuovamente durante la fase di scatto (cartelloni, case, portoni, alberi, colonne ecc.)
Dopo aver scelto il contesto, se il vostro soggetto è già lì, scattate. Se la vostra tecnica include l’attesa che qualcosa avvenga di fronte ad un contesto eccezionale, abbiate pazienza e sperate che qualcosa avvenga.
Per spiegarvi meglio:
In questa immagine, ho notato la posizione, forzata (e sforzata 🙂 ) della statua, che mi faceva sorridere. Ho aspettato che il signore ci passasse sotto per raccontare una piccola storia un po’ ironica.
Sara Munari
La stessa cosa qui. Ero a Mostar, negli anni successivi alla guerra. Il ponte è considerato simbolo di pace. Sotto, sulle rive del fiume, c’era una festa ed io aspettavo che avvenisse qualcosa. Il ragazzo ha estratto una pistola, cosa che mi ha spaventata per un attimo, fino a che non è partita la fiamma dell’accendino (pistola) per accendere una sigaretta all’amico che si avvicinava. Anche in questo caso il contesto rafforza molto lo scatto ed il ragazzo con il mano la pistola e basta, non mi sarebbe sembrato sufficiente.
Sara Munari
Ho scritto questo breve articolo perché l’avvicinarsi alle cose è un problema che ho sentito come difficoltoso da parte di molti. Il contesto fa la “storia” che la vostra foto contiene, non perdetevelo!
Ciao
Sara
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Come consuetudine pubblichiamo l’elenco dei bandi e premi internazionali in scadenza nel mese di ottobre.
MSPF Street Photography
Scadenza: 1 ottobre 2016 Premi: Fotocamera Leica Q e mostra Fee: $20 per immagine (1 gratis ogni 5)
Invia le tue migliori immagini di Street Photography per avere la possibilità di vincere una nuova Leica Q e di esporre le tue foto durante Art Basel Miami, uno dei più grandi e più prestigiosi raduni d’arte di tutto il mondo.
Ogni anno MSPF mostra il meglio della fotografia di strada contemporanea di tutto il mondo, selezionata da una giuria più qualificata nel settore, in un sistema a due livelli.
Scadenza: 3 ottobre 2016 Premi: Pubblicazione, promozione online e gift card Fee: $20 per una serie di foto (3-10 immagini)
Sono aperte le iscrizioni per l’edizione Winter 2016 di Emerging Photographer, vetrina per promettenti fotografi con circa cinque anni o meno di esperienza professionale.
Emerging Photographer è un magazine basato sulle presentazioni. La rivista viene distribuita a influenti creativi che ricercano nuovi talenti e a foto festival come il Photoville (Brooklyn), Month of Photography Los Angeles, Photo LA, Filter Festival (Chicago), 4×5 Photo Fest (San Antonio) e PDN.
A volte, per strada, mi capita di vedere gesti o espressioni, di essere coinvolta in piccole situazioni che si rivelano, ai miei occhi, eccezionali. Ma manca qualcosa. L’attimo perfetto, il momento che nella testa ti fa fare click. Immancabilmente me ne vado, consapevole che la foto stava per arrivare lì, pronta a farsi prendere, quasi c’era.
Io per scelta me ne vado, sempre. Mi è capitato solo un paio di occasioni di far fermare il soggetto e già mi è sembrato strano.
Una delle due fotografie è questa:
Da “Be the bee body be boom” Sara Munari
Scattata a Bucarest, l’anno scorso. Il ragazzo si cambiava sotto una rampa per pattinatori, half pipe.
Da lontano ho visto le righe sul suo petto e mi sono avvicinata a passo veloce. Lui mi ha guardata e si è letteralmente bloccato, non capiva come mai gli andassi incontro così velocemente. Credo fosse anche un po’ preoccupato!
Comunque in questa occasione, ho sicuramente cambiato le scelte che avrebbe fatto il ragazzo da solo, senza il mio intervento.
E’ stato più forte di me.
I fotografi, per strada, non hanno tutti lo stesso atteggiamento.
C’è chi preferisce chiedere: “Lo rifaresti per me?”
In qualche caso le persone saranno ben contente di ripetere l’azione. Se dovesse accadere, state ben attenti a far rimanere la fotografia “fresca”. Mi spiego meglio.
Generalmente chi si sente fare questa richiesta, sapendo di essere fotografato, cambierà espressione o atteggiamento. Fate in modo che questo non sia visibile nello scatto, la fotografia, a mio parere dovrebbe comunque sembrare “candid”.
Certo non credo che la soluzione migliore sia dire “Fai finta che io non sia qui”, come ho spesso sentito dire…ma il risultato dovrebbe essere quello, insomma.
C’è chi vi ignorerà completamente e chi invece riderà e avrà completamente stravolto il senso della vostra fotografia. In questi casi, state lì a “giracchiare” fino a che non tornerete trasparenti e se la situazione lo permette ancora, scattate la vostra immagine.
Non giudico nessuna delle due scelte migliore dell’altra (la mia di andarmene o quella di intervenire), so solo che parte del mio divertimento è “beccarla al volo” la foto. Questo è il motivo per cui evito di intervenire, sarei meno soddisfatta e mi divertirei meno.
E voi cosa fate in queste situazioni?
Ciao
Sara
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Avevamo già dedicato un paio di articoli a questo grande della fotografia americana, accennando ad un film su di lui in uscita e all’archivio delle sue foto della National Gallery of Art.
Proviamo ad approfondire un po’ la sua conoscenza.
Anna
Robert Louis Frank (Zurigo, 9 novembre 1924) è un fotografo e regista svizzero naturalizzato statunitense
Nato in una famiglia di origini ebraiche, dal 1941 al 1944 lavora come assistente fotografo al seguito di Hermann Segesser e Michael Wolgensinger. Nel 1946 si autofinanzia la prima pubblicazione, cui dà il titolo di 40 Fotos. Nel 1947 lascia l’Europa per trasferirsi negli Stati Uniti. A New York Alexey Brodovitch lo ingaggia come fotografo di moda per Harper’s Bazaar. Parallelamente alla fotografia di moda svolge una prolifica attività di reporter freelance che lo porta ad affrontare viaggi in Perù e Bolivia nel 1948 (una selezione delle fotografie là riprese sono pubblicate sulla rivista Neuf di Robert Delpire nel 1952 e, quattro anni dopo, nel libro Indiens pas morts) e nel 1949 in Europa (Francia, Italia, Svizzera e Spagna). Le fotografie di Parigi sono pubblicate in un libro dell’artista Mary Lockspeiser, che Frank sposerà l’anno successivo. Nel 1950 Frank ha già un nome ed Edward Steichen include alcune sue fotografie nella mostra 51 American Photographers allestita al Museum of Modern Art di New York e poi nella celebre The Family of Man del 1955.
Tra il 1952 e il 1953 continua in Europa la sua attività di reporter tra Parigi, Londra, Galles, Spagna e Svizzera. In questo periodo abbandona definitivamente la fotografia di moda e comincia a lavorare sempre più seriamente come fotogiornalista freelance. Nel 1955 Robert Frank è il primo fotografo europeo a ricevere la borsa di studio annuale promossa dalla Fondazione Guggenheim di New York. Con i soldi ricevuti viaggia per tutti gli Stati Uniti dal 1955 al 1956, riprendendo oltre 24.000 fotografie. Nel 1958 Robert Delpire pubblica a Parigi Les Américains, una selezione di 83 immagini tratte dal viaggio americano e l’anno dopo la Grove Press pubblica il volume negli Stati Uniti col titolo The Americans.
Al contempo Frank viene a contatto con i principali esponenti della nuova generazione letteraria e artistica americana, soprattutto con gli esponenti della Beat Generation. In primo luogo stringe una salda amicizia con lo scrittore Jack Kerouac, col quale porta a termine varie collaborazioni. Oltre ad aver compiuto un viaggio on the road insieme, compiuto nel 1958 verso la Florida, Kerouac si occupa di scrivere l’introduzione al libro The Americans per l’edizione americana. Nel 1959 viene realizzata la più nota collaborazione con la Beat Generation, quando Frank, unitamente al pittore Alfred Leslie, dirige il suo primo film, Pull My Daisy. Scritto e narrato da Jack Kerouac e interpretato, tra gli altri, da Allen Ginsberg e Gregory Corso, il film sarà considerato il padre del New American Cinema.
Negli anni sessanta, nonostante il crescente successo dei suoi lavori, Frank abbandona la fotografia per dedicarsi completamente alla realizzazione di film. Un cinema, il suo, carico di tensioni e tematiche prettamente private e introspettive, come Conversations in Vermont (1969) o About Me: A Musical (1971). Collabora ancora con i beats, soprattutto Ginsberg, Orlovsky e Burroughs, ma anche con i Rolling Stones (Cocksucker Blues, 1972, documentario censurato dallo stesso gruppo), Tom Waits, Joe Strummer (Candy Mountain, 1986) e Patti Smith.
Dopo la tragica perdita della figlia Andrea, appena ventenne, Frank ricomincia a riutilizzare la macchina fotografica. Dalla metà degli anni settanta a oggi, la sua fotografia è lontana dai reportage precedenti: usa collage, vecchie fotografie, fotogrammi, polaroid; scrive, graffia e incide direttamente sul lato sensibile della pellicola. Frank alterna soggiorni a New York con lunghe permanenze a Mabou, in Nova Scotia, insieme alla compagna e pittrice June Leaf.
Nel 1994 dona gran parte del suo materiale artistico alla National Gallery of Art di Washington che crea la Robert Frank Collection; è la prima volta che accade per un artista vivente. Nel 1996 ottiene l’Hasselblad Award e nel 2000 il Cornell Capa Award. Tra il 2005 e il 2006 un’ulteriore retrospettiva della sua vita artistica gira il mondo: si tratta della mostra Robert Frank: Story Lines, partita da Londra nel novembre 2004.
Qua un interessante approfondimento su Frank pubblicato sul NY Times
Robert Frank (born November 9, 1924) is an American photographer and documentary filmmaker. His most notable work, the 1958 book titled The Americans, earned Frank comparisons to a modern-day de Tocqueville for his fresh and nuanced outsider’s view of American society. Critic Sean O’Hagan, writing in The Guardian in 2014, said The Americans “changed the nature of photography, what it could say and how it could say it. [ . . . ] it remains perhaps the most influential photography book of the 20th century.” Frank later expanded into film and video and experimented with manipulating photographs and photomontage.
Frank was born in Switzerland. Frank states in the 2005 documentary “Leaving Home, Coming Home” by Director Gerald Fox, that his mother, Rosa (other sources state her name as Regina), had a Swiss passport, while his father, Hermann originating from Frankfurt, Germany had become stateless after losing his German citizenship as a Jew. They had to apply for the Swiss citizenship of Frank and his older brother, Manfred. Though Frank and his family remained safe in Switzerland during World War II, the threat of Nazism nonetheless affected his understanding of oppression. He turned to photography, in part as a means to escape the confines of his business-oriented family and home, and trained under a few photographers and graphic designers before he created his first hand-made book of photographs, 40 Fotos, in 1946. Frank emigrated to the United States in 1947, and secured a job in New York City as a fashion photographer for Harper’s Bazaar. He soon left to travel in South America and Europe. He created another hand-made book of photographs that he shot in Peru, and returned to the U.S. in 1950. That year was momentous for Frank, who, after meeting Edward Steichen, participated in the group show 51 American Photographers at the Museum of Modern Art (MoMA); he also married fellow artist Mary Frank née Mary Lockspeiser, with whom he had two children, Andrea and Pablo.
Though he was initially optimistic about the United States’ society and culture, Frank’s perspective quickly changed as he confronted the fast pace of American life and what he saw as an overemphasis on money. He now saw America as an often bleak and lonely place, a perspective that became evident in his later photography. Frank’s own dissatisfaction with the control that editors exercised over his work also undoubtedly colored his experience. He continued to travel, moving his family briefly to Paris. In 1953, he returned to New York and continued to work as a freelance photojournalist for magazines including McCall’s, Vogue, and Fortune. Associating with other contemporary photographers such as Saul Leiter and Diane Arbus, he helped form what Jane Livingston has termed The New York School of photographers (not to be confused with the New York School of art) during the 1940s and 1950s.
With the aid of his major artistic influence, the photographer Walker Evans, Frank secured a Guggenheim Fellowship from the John Simon Guggenheim Memorial Foundation in 1955 to travel across the United States and photograph all strata of its society. Cities he visited included Detroit and Dearborn, Michigan; Savannah, Georgia; Miami Beach and St. Petersburg, Florida; New Orleans, Louisiana; Houston, Texas; Los Angeles, California; Reno, Nevada; Salt Lake City, Utah; Butte, Montana; and Chicago, Illinois. He took his family along with him for part of his series of road trips over the next two years, during which time he took 28,000 shots. 83 of these were selected by him for publication in The Americans.
Frank’s journey was not without incident. He later recalled the anti-Semitism to which he was subject in a small Arkansas town. “I remember the guy [policeman] took me into the police station, and he sat there and put his feet on the table. It came out that I was Jewish because I had a letter from the Guggenheim Foundation. They really were primitive.” He was told by the sheriff, “Well, we have to get somebody who speaks Yiddish. They wanted to make a thing out of it. It was the only time it happened on the trip. They put me in jail. It was scary. Nobody knew where I was.” Elsewhere in the South, he was told by a sheriff that he had “an hour to leave town.”
Shortly after returning to New York in 1957, Frank met Beat writer Jack Kerouac on the sidewalk outside a party and showed him the photographs from his travels. Kerouac immediately told Frank “Sure I can write something about these pictures,” and he contributed the introduction to the U.S. edition of The Americans. Frank also became lifelong friends with Allen Ginsberg, and was one of the main visual artists to document the Beat subculture, which felt an affinity with Frank’s interest in documenting the tensions between the optimism of the 1950s and the realities of class and racial differences. The irony that Frank found in the gloss of American culture and wealth over this tension gave his photographs a clear contrast to those of most contemporary American photojournalists, as did his use of unusual focus, low lighting and cropping that deviated from accepted photographic techniques.
This divergence from contemporary photographic standards gave Frank difficulty at first in securing an American publisher. Les Américains was first published in 1958 by Robert Delpire in Paris, as part of its Encyclopédie Essentielle series, with texts by Simone de Beauvoir, Erskine Caldwell, William Faulkner, Henry Miller and John Steinbeck that Delpire positioned opposite Frank’s photographs. It was finally published in 1959 in the United States, without the texts, by Grove Press, where it initially received substantial criticism. Popular Photography, for one, derided his images as “meaningless blur, grain, muddy exposures, drunken horizons and general sloppiness.” Though sales were also poor at first, the fact that the introduction was by the popular Kerouac helped it reach a larger audience. Over time and through its inspiration of later artists, The Americans became a seminal work in American photography and art history, and is the work with which Frank is most clearly identified. Critic Sean O’Hagan, writing in The Guardian in 2014, said “it is impossible to imagine photography’s recent past and overwhelmingly confusing present without his lingeringly pervasive presence.” and that The Americans “changed the nature of photography, what it could say and how it could say it. [ . . . ] it remains perhaps the most influential photography book of the 20th century.”
In 1961, Frank received his first individual show, entitled Robert Frank: Photographer, at the Art Institute of Chicago. He also showed at MoMA in New York in 1962.
To mark the fiftieth anniversary of the first publication of The Americans, a new edition was released worldwide on May 30, 2008. For this new edition from Steidl most photographs are uncropped compared with the cropped versions in previous editions, and two photographs are replaced with those of the same subject but from an alternate perspective.
A celebratory exhibit of The Americans, titled Looking In: Robert Frank’s The Americans, was displayed in 2009 at the National Gallery of Art in Washington, D.C., the San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), and at the Metropolitan Museum of Art in New York.The second section of the four-section, 2009, SFMOMA exhibition displays Frank’s original application to the John Simon Guggenheim Memorial Foundation (which funded the primary work on The Americans project), along with vintage contact sheets, letters to photographer Walker Evans and author Jack Kerouac, and two early manuscript versions of Kerouac’s introduction to the book. Also exhibited were three collages (made from more than 115 original rough work prints) that were assembled under Frank’s supervision in 2007 and 2008, revealing his intended themes as well as his first rounds of image selection. An accompanying book, also titled Looking In: Robert Frank’s The Americans, was published.
Here an interesting article published on the NY Times
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Quando mi sono avvicinata alla fotografia, una quindicina di anni fa, non sapevo minimamente quale sarebbe stata la mia strada.
Mi sono iscritta ad un corso biennale di fotografia, a Padova, perché i posti al corso di restauro, a Venezia, erano finiti. Forse l’esclusione non è stato il fattore più logico con cui scegliere, ma oggi posso dire di aver scelto bene. Mi sono divertita finora, quindi credo sia stata la scelta giusta.
Sono ancora sulla strada, cammino. Sto cercando. Certo, nel tempo ho acquistato consapevolezza, so cosa vorrei da ogni singolo scatto che va a comporre un mio portfolio, una mia storia, ma non so con certezza dove mi porterà questa strada.
Io cerco di mostrarvi il mondo per come lo vedo, qualche volta ci riesco, altre volte no.
Qualcuno mi chiede: ma cosa vogliono dire queste o quelle foto? Perché l’orso, il cane la bambina spaventosa?
Io non voglio spiegare quello che ho visto e non riesco a dire bene quello che sento. Una volta scelto il soggetto, perché la mia pancia, oltre che la mia testa, lo suggerisce, l’unico limite che mi pongo è che la foto non abbia una connotazione temporale. Cerco questo. Mi piacerebbe scattare fotografie che abbiano la stessa valenza con lo scorrere del tempo, tutto qui.
Quello che voglio dalla fotografia è che mi permetta di vedere con occhi più attenti le faccende del mondo, mi permetta di mostrarle al mondo e mi faccia divertire.
Ho già usato due volte la parola “divertire”, per questo ci sarà qualcuno pronto a dire: superficiale questa Sara…ecc. Ma io mi devo divertire per trovare le mie storie.
Sicuramente è poco, rispetto a molti colleghi fotogiornalisti o legati alla fotografia commerciale che hanno ben più alte responsabilità.
Io credo che rimarrò fotoamatrice per sempre. Esattamente, foto-amatrice. Sono una persona che ama la forza delle immagini, in sostanza. Amo scattare fotografie nelle quali sembra tutto sospeso, l’attimo in cui non avviene nulla di concreto, il preludio alle tempeste, il silenzio dopo uno scontro.
“Be the bee body be boom” Sara Munari
Mi piace che tra molti anni mio nipote, o chissà chi, vedendo un libro di fotografie mie o una singola foto possa dire:
-Cavoli, emozionante!
Oppure:
-Cavoli, che cagata!
Non so, mi rende felice il farmi potenzialmente dedicare un pensiero, nonostante la mia definitiva assenza. Egocentrica assenza.
Ecco cosa vorrei dalla fotografia.
Ciao Sara
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Se durante l’estate avete “staccato la spina” con la fotografia, eccovi delle mostre da cui ricominciare a settembre.
Ciao
Anna
RENE BURRI, UTOPIA + FERDINANDO SCIANNA, IL GHETTO DI VENEZIA 500 ANNI DOPO
VENEZIA, CASA DEI TRE OCI
DAL 26 AGOSTO 2016 ALL’8 GENNAIO 2017
Due progetti espositivi autonomi presentano, da un lato, 100 immagini di René Burri dedicate all’architettura e ai suoi protagonisti, dall’altro, 50 scatti inediti di Ferdinando Scianna in occasione dei 500 anni dalla fondazione del Ghetto ebraico a Venezia
Dopo il successo della mostra Helmut Newton. Fotografie, la Casa dei Tre Oci di Venezia riprende il proprio programma espositivo con due proposte dedicate ad altrettanti maestri della storia della fotografia: René Burri e Ferdinando Scianna.
Dal 26 agosto 2016 all’8 gennaio 2017, le sale dello spazio veneziano sull’isola della Giudecca si apriranno alle rassegne “René Burri. Utopia”, curata da Michael Koetzle, e “Ferdinando Scianna. Il Ghetto di Venezia 500 anni dopo”, curata da Denis Curti. La mostra dedicata a Ferdinando Scianna è frutto del lavoro fotografico realizzato su incarico di Fondazione di Venezia e realizzato appositamente per i Tre Oci in occasione del Cinquecentenario della fondazione del Ghetto ebraico a Venezia.
I due diversi progetti si snoderanno autonomamente seguendo un percorso coerente e lineare, che si svilupperà a partire dalle 100 opere di René Burri, distribuite tra pianterreno e piano nobile, e si concluderà al secondo piano, con le oltre 50 fotografie inedite di Ferdinando Scianna.
Entrambi membri della prestigiosa agenzia fotografica Magnum, Burri (che ne diverrà presidente nel 1982) e Scianna appartengono, pur nella loro diversità, a quella categoria di autori che attraverso il mezzo fotografico esprime personali visioni, sia che si traducano nella passione di Burri di documentare grandi cambiamenti politici e sociali, sia che rispondano al tentativo, nel caso di Scianna, di carpire, all’interno del flusso caotico dell’esistenza, “istanti di senso e di forma”.
Utopia di René Burri (Zurigo, 1933-2014) riunisce, per la prima volta, oltre 100 immagini del grande artista svizzero dedicate all’architettura, con scatti di famosi edifici e ritratti di architetti.
FRANCE. Ile-de-France region. Paris. 1959. 7th arrondissement. 35, rue de Sèvres. The painter, architect and city planner LE CORBUSIER in the “Atelier 35 S”. On the left: a lithograph of his “Modulor”.
BRAZIL. Sao Paulo. 1960.
LEBANON. Beirut. 1991. Maarad Street.
BRAZIL. Brasilia. 1960. Worker from Nordeste shows his family the new city on inauguration day. In the background: the National Congress building by Oscar NIEMEYER.
CHINA. Beijing. 1989.
Chamber of Deputies.
USA. California. Los Angeles 1984.
La fotografia di Burri nasce dal bisogno di raccontare i grandi processi di trasformazione e i cambiamenti storici, politici e culturali del Novecento con una forte attenzione verso alcuni personaggi (indimenticabili i suoi ritratti di Che Guevara e Pablo Picasso) che ne hanno fatto parte.
Utopia – che si tiene in contemporanea con la Biennale di Architettura 2016 – s’inserisce all’interno di questa prospettiva, in quanto Burri concepisce l’architettura come una vera e propria operazione politica e sociale che veicola e impone una visione sul mondo, e che lo spinge a viaggiare tra Europa, Medio-Oriente, Asia e America latina sulle tracce dei grandi architetti del XX secolo, da Le Corbusier a Oscar Niemeyer, da Mario Botta a Renzo Piano, da Tadao Ando a Richard Meier.
Accanto ai loro ritratti e alle loro costruzioni, in Utopia si ritrovano anche le immagini di eventi storici particolarmente densi di contrasti e di speranze, come la caduta del muro di Berlino o le proteste di piazza Tienanmen a Pechino nella primavera del 1989.
L’ultimo piano della Casa dei Tre Oci è dedicato all’opera di uno dei più importanti fotografi italiani, Ferdinando Scianna (Bagheria, 4 luglio 1943). In occasione dei 500 anni della nascita del Ghetto ebraico di Venezia (formatosi il 29 marzo 1516), la Fondazione di Venezia ha deciso di avviare una ricognizione fotografica con l’obiettivo di raccontare la dimensione contemporanea del Ghetto. Il progetto espositivo è realizzato da Civita Tre Venezie.
Scianna ha realizzato un reportage fotografico in pieno stile Street Photography, raccogliendo immagini inerenti la vita quotidiana del Ghetto, senza tralasciare ritratti, architetture, interni di case e luoghi di preghiera. Chiese, ristoranti, campi, gondole sono i soggetti che animano il panorama visivo del progetto. Da segnalare, in questa narrazione, la compresenza di una dimensione simbolica, storica, rituale, intrinsecamente connessa a luoghi e gesti, e una semplicità nella descrizione di un tempo presente e ordinario.
“Ferdinando Scianna – osserva il curatore Denis Curti – ha saputo costruire un racconto delicato […]. Ha dato forma a una memoria collettiva elevando e distinguendo singole storie: se ne avverte la bellezza e la solennità. […] Il dolore mai urlato dell’Olocausto. Le pietre d’inciampo e i segni di una vicenda destinata a restare indelebile. […] Dentro queste fotografie ci si orienta. I punti cardinali si fanno abbraccio e segnano le linee di una confidenza visiva capace di entrare nei confini dell’intimità dei molti ritratti che compongono il complesso mosaico di questa esperienza: è il linguaggio degli affetti, è la grammatica dei corpi”.
Lu.C.C.A. – Lucca Center of Contemporary Art
2 luglio – 13 novembre 2016
a cura di Maurizio Vanni
La realtà della finzione
In tempi dove non è più la finzione a intromettersi nella realtà, ma la verità digitale a invadere i territori della fiction, la mostra degli scatti che alcuni grandi fotografi hanno dedicato al cinema ci fa riflettere sul rapporto tra realtà e finzione, tra verità e illusione, e tra quotidianità e sogno. Quello dei fotografi Magnum è un lavoro che non ha niente a che vedere con la fotografia di scena – immagini prevedibili realizzate sul set a fini promozionali –, ma è una vera e propria perlustrazione creativa realizzata senza vincoli, con onestà intellettuale e libertà espressiva, per raccontare il dietro le quinte non tanto del set cinematografico, ma dei personaggi che, di lì a poco, avrebbero fatto la storia del grande schermo. Il cinema potrebbe essere considerato lo specchio del mondo, ma anche il suo sogno e la sua invenzione: nessun’altra espressione artistica è stata mai così legata alla realtà proprio perché basata sul concetto della finzione. Sul grande schermo, il più delle volte, realtà e finzione sono talmente vicine da confondersi: più la macchina da presa viene neutralizzata, più la realtà sembra porsi in modo naturale e più si è di fronte a una fiction consapevole.
La narrazione visiva della mostra evidenzia un rapporto di complicità tra attori e fotografi, un feeling che, da una parte libera i personaggi dal dover stare in pose convenzionali; dall’altra stimola i fotografi a cercare tutti i particolari che rendono unico e irripetibile ogni momento, quindi più vero della stessa realtà. Ironia, fragilità, consapevolezza espressiva, impertinenza, emozione, vulnerabilità e devozione per la propria professione: ne risulta una galleria di ritratti, di composizioni non convenzionali, di momenti visivi talmente implausibili da proiettare il visitatore in una dimensione alternativa, più intima e riservata, anche laddove c’è la consapevolezza di essere di fronte a un obbiettivo.
Ogni scatto si manifesta come un luogo esperienziale nel quale si perde di vista la barriera tra conoscenza e inganno, tra persona e professionista, tra finito e infinito con una serie di immagini che si insinuano prepotentemente nella mente di chi guarda, stimolandolo a immaginare la scena o in certi casi a concluderla. L’immaginazione corrisponde a un lavoro inesauribile che l’artista produce sul dato fenomenico: senza realtà non potrebbe esserci fiction, ma senza finzione, probabilmente, non potrebbe esserci vera realtà.
Dal 2 al 13 settembre Casa dei Carraresi ospita la mostra collettiva “100 ATTIMI. Fotografia di strada”, rassegna dedicata alla Street Photography Contemporanea Italiana.
La mostra è organizzata da Umberto Verdoliva, fotografo e fondatore del collettivo SPONTANEA ed esporranno i loro lavori i principali collettivi italiani: gruppo Mignon, collettivo Spontanea, collettivo InQuadra, collettivo Eyegobananas e alcuni autori locali.
La rassegna includerà anche lo STREET FOLIO, una giornata dedicata alla lettura di lavori e progetti fotografici dei membri del collettivo SPONTANEA e di alcuni rappresentanti dei collettivi invitati.
L’evento è stato realizzato grazie al contributo di: TOYOTA – LEXUS BIANCO, Ar-fer arte ferro, FOTOGRAFIA DIGITALE.
Umberto Verdoliva nato a Castellammare di Stabia (Na), vive a Treviso dal 2006, si dedica da oltre 10 anni alla fotografia di strada e alla sua propaganda. Ha ricevuto numerosi premi e pubblicazioni nelle principali riviste di settore. Ha esposto i propri lavori in diverse mostre. Ha inoltre pubblicato nel 2016 il suo primo volume dal titolo “An ordinary day”, curato e pubblicato dal gruppo Mignon di Padova.
Qua un’interessante intervista ad Umberto Verdolilva, curatore della mostra e fotografo di strada.
L’Assessorato dell’istruzione e cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta comunica che l’Assessore Emily Rini inaugura venerdì 20 maggio 2016, alle ore 18, al Centro Saint-Bénin di Aosta, la mostra Leonard Freed. Io amo l’Italia che presenta una ricca selezione di immagini scattate dal fotografo americano in diverse località italiane, dalla metà del Novecento agli inizi del nuovo secolo. La rassegna di Aosta, proposta dall’Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta, è curata da Enrica Viganò in collaborazione con il Leonard Freed Archive e presenta al pubblico cento fotografie, tra vintage e modern print, che compongono una sorta di diario degli oltre quarantacinque soggiorni compiuti dal fotografo statunitense in Italia, terra con la quale intrattenne un rapporto che lui stesso definì “una storia d’amore”. L’Assessorato regionale, confermando il suo impegno nel sostenere la proposta culturale del territorio con un evento di richiamo, prosegue così nell’offerta di approfondimenti sulla cultura fotografica, dopo le esposizioni sui grandi nomi della fotografia del Novecento, tra cui le mostre dedicate ad André Villers (2008), Mario De Biasi (2012), Elliott Erwitt (2012), Pepi Merisio (2013) e Gian Paolo Barbieri (2014).
Centro Saint-Bénin – Aosta
20 Maggio 2016 – 20 Settembre 2016
HELMUT NEWTON. A Gun For Hire, Selection
Carpi, Musei di Palazzo dei Pio
Sabato 10 Settembre 2016 – Domenica 11 Dicembre 2016
Esposto per la prima volta in Italia, a Carpi, un corpus di oltre 50 fotografie dalla celebre mostra “A gun for hire”, che raccoglie le immagini scattate da Helmut Newton per le campagne promozionali del marchio Blumarine, tra le eccellenze del distretto tessile della città emiliana.
Dal 10 settembre all’11 dicembre 2016 la città di Carpi (Modena) omaggia uno tra i più grandi fotografi di moda di tutti i tempi, con un’esposizione che presenta scatti mai esposti prima in Italia.
Sono oltre cinquanta le immagini della mostra HELMUT NEWTON. A gun for hire, selection / Le fotografie per Blumarine 1993 – 1999, un evento che ricostruisce, nella cornice dei Musei di Palazzo dei Pio, la stagione che ha visto il maestro tedesco lavorare per una delle aziende simbolo del comparto tessile di Carpi, prossima a compiere il suo quarantesimo anniversario (nel 2017), ideando campagne di comunicazione che hanno coinvolto icone di femminilità come Carré Otis, Nadja Auermann, Carla Bruni, Monica Bellucci ed Eva Herzigova.
L’esposizione, a cura di Luca Panaro, è ideata e prodotta dal Comune di Carpi – Musei di Palazzo dei Pio in collaborazione con la Helmut Newton Foundation di Berlino, da cui arrivano quasi tutti i materiali inediti esposti, e Blumarine, grazie al contributo di Fondazione Cassa Risparmio Carpi e Banca Popolare dell’Emilia Romagna, CMB e Unipol Assicurazioni.
Con il titolo di A gun for hire si considera la grande retrospettiva itinerante, realizzata la prima volta a Montecarlo nel 2005, che illustra in modo puntuale il lavoro di Helmut Newton per il mondo della moda, tra campagne per le griffe più importanti del momento e servizi per le riviste più significative, a partire dagli Anni Sessanta e fino alla data della morte, avvenuta nel 2004. L’esposizione carpigiana si concentra in modo specifico su una parentesi ben definita della lunga e appassionante vicenda creativa del fotografo: quella che lo ha visto portare a compimento le campagne per sette diverse collezioni di Blumarine, partendo dalla Primavera – Estate 1993 per arrivare all’Autunno – Inverno 1998/1999.
Un progetto, per quegli anni, epocale. È la prima volta, infatti, che un marchio italiano legato all’idea tradizionale di impresa famigliare, idealmente rivolto quindi all’eleganza della donna borghese, sceglie di presentarsi in modo tanto innovativo, rivoluzionando il proprio modo di comunicare in favore di un’idea di femminilità più eccentrica, giocosamente provocante. Le campagne elaborate da Newton escono così dagli schemi abituali, rifiutando lo studio delle pose e la costruzione dello storyboard, vivendo dell’istintività e dell’immediatezza dell’ispirazione. Le modelle – tra i volti più noti e amati degli ultimi anni: da Carré Otis a Carla Bruni da Monica Bellucci a Eva Herzigova – interpretano una sensualità divertita, mai volgare, elegantemente allusiva, espressa attraverso un immaginario che filtra l’esplosiva e colorata carica energica del Pop a divertissement nonsense.
Tra i caratteri unici di questo grande esperimento di comunicazione sta l’ingresso, fisico, dell’autore stesso all’interno dell’immagine, che Newton aveva già sperimentato in alcune sue opere: ad accentuare il carattere controcorrente delle campagne, esprimendo al massimo la libertà dalle gabbie del concept, ecco Newton entrare in campo – come ombra fugace, oppure con un solo piede – e rimanere impresso sulla pellicola, dando in certi casi all’osservatore l’illusione di essere dietro la macchina fotografica.
La mostra, allestita nelle logge al piano nobile di Palazzo dei Pio, si compone di 34 fotografie di grande formato che documentano le campagne dell’artista per Blumarine e di altri dodici scatti, sempre parte del progetto A Gun for Hire e inediti per l’Italia, dedicati invece a lavori effettuati da Newton, nel medesimo periodo, per brand come Versace, Yves Saint Laurent e Thierry Mugler: un confronto serrato, dunque, che contestualizza i progetti pensati per l’impresa carpigiana all’interno dell’esperienza professionale dell’artista e dei canoni di comunicazione dell’alta moda in quel preciso momento storico.
A completare l’esposizione altri sette scatti dalle campagne Blumarine, mai esposti prima, dalla collezione privata di Anna Molinari, fondatrice con il marito Gianpaolo Tarabini dell’azienda; i book delle stagioni realizzati con le campagne fotografiche di Newton e due album inediti con le fotografie e le annotazioni dell’autore. Infine, nella Sala dei Mori, vengono presentate testimonianze video che presentano attraverso interviste e documentari la figura di Helmut Newton e il suo credo artistico.
Dal 15 settembre 2016 all’8 gennaio 2017 Fondazione Fotografia presenta al Foro Boario di Modena la mostra Lying in Between. Grecia 2016.
Il percorso, a cura del direttore Filippo Maggia, espone le opere prodotte in occasione di una missione fotografica in Grecia svoltasi su iniziativa di Fondazione Fotografia nei mesi di maggio e giugno 2016. Alla missione hanno preso parte sette fotografi italiani caratterizzati da sensibilità e cifre stilistiche diverse: Antonio Biasucci, Antonio Fortugno, Angelo Iannone, Filippo Luini, Francesco Mammarella, Simone Mizzotti e Francesco Radino. Ad affiancare le loro opere e a completare l’allestimento della mostra ci sarà inoltre un video a tre canali, realizzato e prodotto da Fondazione Fotografia.
Negli ultimi anni la crisi economica greca è stata spesso al centro delle cronache di attualità e di molti dibattiti internazionali. Culla della civiltà occidentale, il Paese ellenico si trova a fare i conti non soltanto con le difficoltà endogene che da anni la affliggono, ma anche con la nuova drammatica emergenza rappresentata dalle migliaia di profughi che, in fuga dal Medio Oriente, quotidianamente sbarcano sulle isole più vicine alla costa turca, in alcuni casi addirittura superando per numero la popolazione in esse residente. Questi luoghi, mete turistiche per eccellenza, sono oggi emblema dell’ampio divario esistente fra il mondo occidentale, attento a preservare le proprie certezze, e un mondo altro da noi, ma a noi molto vicino, quello mediorientale, lacerato da guerre civili e di religione.
I sette fotografi impegnati nella missione hanno potuto calarsi completamente nel contesto, dapprima documentando la loro esperienza in tempo reale, attraverso una cronaca fotografica quotidiana, condivisa attraverso i canali web e social di Fondazione Fotografia; successivamente, al rientro in Italia, ciascuno ha rielaborato il materiale raccolto da una prospettiva personale e secondo la propria cifra stilistica, compiendo un’analisi più lenta e ponderata che ha dato luogo alle opere finali esposte in mostra. Contestualmente alla produzione di queste ricerche artistiche, Fondazione Fotografia ha impegnato due diversi team di professionisti nella creazione di un video a tre canali incentrato sulla situazione attuale delle isole greche: Andrea Cossu, Daniele Ferrero, Mara Mariani e il direttore Filippo Maggia hanno compiuto un viaggio attraverso quei luoghi, dando voce a abitanti, volontari, migranti e raccontando la Grecia contemporanea in tutte le sue sfumature.
La mostra Lying in Between. Grecia 2016 èpromossa da Fondazione Fotografia Modena e Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, con il patrocinio della Regione Emilia-Romagna. Rientra inoltre nel programma del festivalfilosofia 2016, che si terrà a Modena, Carpi e Sassuolo dal 16 al 18 settembre 2016. La accompagna un catalogo di Skira Editore.
Ciao, oggi vi voglio far conoscere questo bravissimo fotografo francese, che ci ha lasciato troppo presto lo scorso anno.
Anna
Christophe Agou (Montbrison, 14 ottobre 1969 – 16 settembre 2015) è stato un fotografo francese.
Dall’inizio degli anni Novanta, Christophe Agou si dedica alla fotografia documentaristica con grande sensibilità e senso poetico. Passa con disinvoltura dal bianco e nero al colore, dal paesaggio al ritratto, dal reportage al documento, senza privilegiare alcuno stile ma cercando continuamente di rinnovare le forme e le condizioni della propria visione. Sempre seguendo il proprio intuito, Christophe ha esteso la sua espressività anche ad altri media, creando assemblage e film.
Christophe Agou nasce nel 1969 a Montbrison, in Francia. Autodidatta, scopre la fotografia nel corso dei suoi viaggi in Europa e negli Stati Uniti. Nel 1992 si stabilisce a New York e nel 1998 incomincia a ritrarre in una serie di foto i passeggeri della metropolitana della Grande Mela. Il risultato di questo lavoro diventa oggetto di un libro, Life Below (Quantuck Lane Press / W.W. Norton & Company 2004).
Nell’inverno del 2002, Christophe Agou torna in Francia, nella regione del Forez in cui è nato; percorrendo questi aspri territori si accorge di non averli mai dimenticati. Qui conosce varie famiglie di agricoltori e a poco a poco, visitandole regolarmente, ne diventa intimo amico. Comincia la serie Face au Silence (Di Fronte al Silenzio).
Nel 2006 è finalista del prestigioso premio W. Eugene Smith, nel 2008 del Prix de la Photographie dell’Académie des Beaux-Arts di Parigi e nel 2009 riceve la menzione speciale al Prix Kodak de la Critique Photographique. Nel 2010, Christophe è vincitore della diciassettesima edizione del European Publishers Award for Photography.
I suoi scatti sono stati pubblicati ed esposti in tutto il mondo: al MoMA di New York, al Museum of Fine Arts di Houston, al Jeu de Paume di Parigi, alla Fondazione Pilar y Juan Miró di Palma di Maiorca, al festival francese Rencontres d’Arles, al Smithsonian American Art Museum di Washington DC, al Noorderlicht Fotofestival nei Paesi e in alcuni festival di fotografia in Cina.
Fonte: Wikipedia
Questo è il suo sito personale. Date un’occhiata anche ai suoi cortometraggi, qua
Qua trovate un’intervista rilasciata da Agou a Eric Kim nel 2014
Christophe Agou (1969 – September 2015) was a French documentary photographer and street photographer who lived in New York City. His work has been published in books and is held in public collections. He was a member of the In-Public street photography collective.
Agou was born in Montbrison, France in 1969. A self-taught photographer, Agou grew up in a small town in the Forez region, on the eastern side of the Massif Central.
From the early 1990s, Agou made documentary-style photographs in both black and white and color which take an allusive approach to the human condition. He also made short films and sculpture. In 1992, he moved to New York City.He began taking photographs in the streets that evoked a sense of longing and isolation. He made photographs at Ground Zero on September 11th, 2001, which were used in numerous publications. He first came to prominence with photographs taken in the New York City Subway, published in his book Life Below (2004).
In 2002 Agou returned to Forez. He traveled to the lesser-known parts of the region and got to know a community of family farmers whose identities are deeply rooted to the land. He photographed and filmed them at work and at home for eight years. This resulted in Face au Silence / In the Face of Silence, a documentary about rural life in early twenty-first century France. The work won him the 2010 European Publishers Award for Photography,and publication in six editions and in six languages.
He became a member of the In-Public street photography collective in 2005.
Agou died in September 2015 of cancer.
Source: Wikipedia
This is his personal website. Here are also some films he made
