fotografo

Raghu Rai, Magnum, grande fotografo.

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Raghu Rai nacque nel villaggio di Jhang, nel Punjab, nelle Indie Inglesi (ora Pakistan), uno di 4 figli.

Iniziò a fotografare nel 1965 e, l’anno successivo, assunse la mansione di capo-fotografo presso il giornale The Statesmandi Nuova Delhi. Rai lasciò The Statesman nel 1976 per lavorare come photo-editor per “Sunday”, una rivista settimanale pubblicata a Calcutta.

Impressionato dal suo lavoro in mostra a Parigi nel 1971, Henri Cartier-Bresson nominò Rai membro di Magnum Photos nel 1977.

Rai lasciò “Sunday” nel 1980 e ed iniziò a lavorare come fotografo/foto-editor/visualizer per “India Today”, durante i suoi anni di formazione. Dal 1982 al 1991 lavorò ad edizioni speciali, contribuendo con reportage fotografici su tematiche sociali, politiche e culturali.

Rai si è specializzato nella copertura dell’India. Ha prodotto più di 18 libri, tra cui Delhi, The Sikhs, Calcutta, Khajuraho, Taj Mahal, Tibet in Exile, India, and Mother Teresa. E’ conosciuto per i suoi libri, Raghu Rai’s India: Reflections in Colour and Reflections in Black and White.

I suoi reportage sono apparsi in numerose riviste e giornali, tra cui Time, Life, GEO, The New York Times, Sunday Times, Newsweek, The Independent, e il New Yorker.

Per conto di Greenpeace ha completato un progetto di documentazione sul disastro chimico di Bhopal nel 1984, che ha anche coperto in qualità di giornalista per India Today, e sui perduranti effetti sulle vite della popolazione intossicata. Il lavoro è stato poi riprodotto in un libro, Exposure: A Corporate Crime e tre mostre che hanno girato Europa, America, India e Sud-Est Asiatico dopo il 2004, il ventesimo anniversario del disastro. Rai desiderava che la mostra supportasse i molti sopravvissuti, creando un’ampia coscienza sociale, sia sul disastro ambientale, che sulle vittime – molte delle quali ancora non risarcite – che continuano a vivere nell’area contaminata attorno a Bhopal.

Nel 2003, mentre era in assignment per Geo Magazin a Bombay, cominciò ad usare una fotocamera digitale Nikon D100 “e dal quel momento in poi, non sono più stato in grado di tornare ad utilizzare la pellicola”.

E’ stato membro della giuria di World Press Photo per 3 volte e 2 volte della giuria dell’UNESCO’s International Photo Contest.

Raghu Rai (born 1942) is an Indian photographer and photojournalist. He was a protégé of Henri Cartier-Bresson, who appointed Rai, then a young photojournalist, to Magnum Photos in 1977. Cartier-Bresson co-founded Magnum Photos.

Rai became a photographer in 1965, and a year later joined the staff of The Statesman, a New Delhi publication. In 1976, he left the paper and became a freelance photographer. From 1982 until 1992, Rai was the director of photography for India Today. He has served on the jury for World Press Photo from 1990 to 1997. He is known for his books, Raghu Rai’s India: Reflections in Colour and Reflections in Black and White.

Raghu Rai was born in the village of Jhang, Punjab, British India (now in Pakistan). He was one of four children.

Rai began photography in 1965, and the following year joined “The Statesman” newspaper as its chief photographer.Rai left “The Statesman” in 1976 to work as picture editor for “Sunday,” a weekly news magazine published in Calcutta. Impressed by an exhibit of his work in Paris in 1971, Henri Cartier-Bresson nominated Rai to join Magnum Photos in 1977.

Rai left “Sunday” in 1980 and worked as Picture Editor/Visualizer/Photographer of “India Today” during its formative years. From 1982 to 1991, he worked on special issues and designs, contributing picture essays on social, political and cultural themes.

Rai has specialised in extensive coverage of India. He has produced more than 18 books, including Raghu Rai’s Delhi, The Sikhs, Calcutta, Khajuraho, Taj Mahal, Tibet in Exile, India, and Mother Teresa. His photo essays have appeared in many magazines and newspapers including Time, Life, GEO, The New York Times, Sunday Times, Newsweek, The Independent, and the New Yorker.

For Greenpeace, he has completed an in-depth documentary project on the chemical disaster at Bhopal in 1984, which he covered as a journalist with India Today in 1984, and on its ongoing effects on the lives of gas victims. This work resulted in a book, Exposure: A Corporate Crime and three exhibitions that toured Europe, America, India and southeast Asia after 2004, the 20th anniversary of the disaster. Rai wanted the exhibition to support the many survivors through creating greater awareness, both about the tragedy, and about the victims – many who are still uncompensated – who continue to live in the contaminated environment around Bhopal.

In 2003, while on an assignment for Geo Magazine in Bombay City, he switched to using a digital Nikon D100 camera “and from that moment to today, I haven’t been able to go back to using film.”

He has served three times on the jury of the World Press Photo and twice on the jury of UNESCO’s International Photo Contest.

Here an interview

And here the Raghu Raui Center For Photography

Anna”°”

JH Engstrom, un fotografo svedese emergente

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JH Engström (born 1969, Karlstad, Sweden) is a photographer and artist based in Stockholm

In 1997 he graduated from the Photography and Film department at Gothenburg University. Engstrom has shown work internationally in many exhibitions including “Je Suis Où” at Contretype in Brussels in 2003; the 2005 Deutsche Börse Photography Prize at the Photographer’s Gallery in London; “Haunts” at Galerie VU in Paris in 2006; “Ca me touche”, les invités de Nan Goldin, at Les Rencontres d’Arles festival, France in 2009; and “From Back Home” at the National Media Museum in Bradford, England, in 2010. He is represented by VU in Paris and Milliken Gallery in Stockholm

Selected books:

Engström, JH. Trying to dance. Stockholm: Journal, 2003.
Engström, JH. Haunts. Göttingen: Steidl, 2006.
Engström, JH. CDG / JHE. Göttingen: Steidl, 2008.
Petersen, Anders, and JH Engström. From back home. Stockholm: Bokförlaget Max Ström, 2009.

JH Engström  (NATO nel 1969 a Karlstad, Svezia) è un fotografo e artista basato a Stoccolma.

Nel 1997 si è laureato alla Gothenburg Universty in Fotografia e Gilm. I lavori di Engstrom sono stati oggetto di diverse mostre a livello internazionale, tra cui “Je Suis Où” a Contretype a Bruxelles nel 2003; nel 2005 in occasione del Deutsche Börse Photography Prize alla V di Londra; “Haunts” alla Galerie VU a Parigi nel 2006; “Ca me touche”, gli invitati di Nan Goldin al Festival Les Rencontres d’Arles in Francia nel 2009; e “From Back Home” al National Media Museum di Bradford, Inghilterra, nel 2010. E’ rappresentato da VU a Parigi e dalla Milliken Gallery a Stoccolma.

http://www.jhengstrom.com/

Here an interview.

Anna “°”

Le architetture e i paesaggi di Luca Campigotto

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A 3625

Luca Campigotto (Venezia, 23 febbraio 1962) è un fotografo italiano.
Si è laureato a Venezia in storia moderna con una tesi sull’epoca delle grandi scoperte geografiche. Dall’inizio degli anni novanta ha legato la propria ricerca al tema del viaggio, realizzando progetti a colori e in bianconero sulle città di notte e i paesaggi selvaggi. I suoi lavori principali sono dedicati a Venezia, Il Cairo, i paesaggi di montagna della Grande Guerra, New York e Chicago. Come ha scritto W. Guadagnini: «[…] le sue fotografie slittano ben presto in un’altra dimensione, che è quella dell’immaginario. Un immaginario che davanti allo spettacolo naturale cerca non un Altro da sé, né la conferma delle proprie certezze, ma i modi per rendere visibile la dismisura dell’emozione».

Libri
Teatri di guerra – Theatres of War, testi di Mario Isnenghi, Lyle Rexer, Gustavo Pietropolli Charmet, Marco Meneguzzo, Silvana, Milano 2014
Gotham City, testo di Marvin Heiferman, Damiani, Bologna 2012
My Wild Places, testo di Walter Guadagnini, Hatje Cantz, Ostfildern 2010
The Stones of Cairo, testo di Achille Bonito Oliva, Peliti Associati, Roma 2007
Venicexposed, testo di Henry James, Contrasto, Roma/ Thames&Hudson, London/ La Martinière, Paris 2006
L’Arsenale di Venezia, testo di Gino Benzoni, Marsilio, Venezia 2000
Molino Stucky, Marsilio, testo di Massimo Cacciari, Venezia 1998
Venetia Obscura, testo di Gino Benzoni, Peliti Associati, Roma / Dewi Lewis, Stockport / Marval, Paris 1995

Mostre
Teatri di guerra Museo del Vittoriano, Roma 2014 – Palazzo Ducale, Venezia 2014
Gotham and Beyond, Laurence Miller Gallery, NYC 2013
My Wild Places, Palazzo Fortuny, Venezia 2010/11

Qui il sito dell’autore

E qui un’intervista

Luca Campigotto (February 23, 1962) is an Italian photographer.
He was born in Venice, where he graduated in modern history. He is known for his images on night citiescapes and wild landscapes. Among his series: Venice, New York, Chicago, Cairo, Morocco, Angkor, India, Iran, Patagonia, Easter Island, Yemen, Lapland.

Books
ROMA. Un impero alle radici dell’Europa, texts by Louis Godart and Livio Zerbini, Silvana, Milan 2015
Theatres of War, texts by Lyle Rexer, Mario Isnenghi, Marco Meneguzzo, Gustavo Pietropolli Charmet, Silvana, Milan 2014
Gotham City, text by Marvin Heiferman, Damiani, Bologna 2012
50+1, text by Domenico De Masi, Alinari 24 Ore, Milan 2012
My Wild Places, text by Walter Guadagnini, Hatje Cantz, Ostfildern 2010
The Stones of Cairo, text by Achille Bonito Oliva, Peliti Associati, Roma 2007
Venicexposed, text by Henry James, Contrasto, Rome/Thames&Hudson, London/La Martinière, Paris 2006
L’Arsenale di Venezia, text by Gino Benzoni, Marsilio, Venice 2000
Molino Stucky, Marsilio, text by Massimo Cacciari, Venice 1998
Venetia Obscura, text by Gino Benzoni, Peliti Associati, Roma/Dewi Lewis, Stockport/Marval, Paris 1995

Exhibitions
Theatres of War – Teatri di guerra, Doge’s Palace, Venice – Museo del Vittoriano, Rome 2014
Gotham and Beyond, Laurence Miller Gallery, NYC 2013
My Wild Places, Fortuny Palace, Venice 2010-11

Here the author’s website

And here an interview

Anna”°”

Oggi vi segnaliamo questo fotografo giapponese: Toshio Shibata

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Toshio Shibata (NATO nel 1949) è un fotografo giapponese conosciuto per le sue fotografie in grande formato di lavoro di ingegneria civile di  larga Scala in paesaggi disabitati.

Shibata è NATO a Tokyo. Si è laureato alla Tokyo University of the Arts nel 1972 e ha frequentatoMaster in Fine Arts nel 1974 in cui si è prevalentemente concentrato sulla pittura. Ha poi ricevuto una borsa di Studio dal Ministero dell’Istruzione belga per proseguire gli studi alla Royal Academy di Gand in Belgio dal 1975 al 1977, periodo in cui ha iniziato ad approfondire la fotografia. La sua prima mostra personale di fotografie risale al 1979 e da allora ne ha tenute diverse. Dal 1987 ha insegnato anche fotografia a Tokyo.

Toshio Shibata (born 1949) is a Japanese photographer known for his large-format photographs of large-scale works of civil engineering in unpopulated landscapes.

Shibata was born in Tokyo. He graduated from Tokyo University of the Arts with a B.A. in 1972 and an M.F.A. in 1974 in which he concentrated primarily on painting. Shibata received a fellowship from the Belgian Ministry of Education to study at the Royal Academy of Ghent in Belgium from 1975 to 1977 and begin his study of photography during this period. He held his first solo exhibition of photography in 1979 and has exhibited prolifically since; from 1987 he has also taught photography in Tokyo.

Awards
1975, 1976 Fellowship, Ministry of Education, Belgium
1992 The 17th Kimura Ihei Award, Asahi Shimbun Publishing Co.
Books
Nihon tenkei  / Photographs by Toshio Shibata. Tokyo: Asahi Shinbunsha, 1992.
With Yoshio Nakamura . Tera: Sōkei suru daichi: Shashinshū / Terra. Tokyo: Toshi Shuppan, 1994.
Landscape. Tucson, Ariz.: Nazraeli, 1996.
Toshio Shibata: October 11, 1997 through January 4, 1998. Chicago: Museum of Contemporary Art, 1997.
Shibata Toshio Visions of Japan. Kyoto: Korinsha, 1998.
Type 55. Tucson, Ariz.: Nazraeli, 2004.
Dam. Nazraeli, 2004.
Juxtapose. Kamakura, Kanagawa: Kamakura Gallery, 2005.
Landscape 2. Portland, Ore.: Nazraeli, 2008. Color photographs.
Still in the Night. Koganei, Tokyo: Soh Gallery, 2008. Black and white night views, 1982–86 of expressways in Japan. Captions and text in Japanese and English.
Randosukēpu: Shibata Toshio . Tokyo: Ryokō Yomiuri Shuppansha, 2008.Black and white and color photographs.
Contacts, Poursuite Éditions, 2013,

For his gallery’s Website click here

Here is an interview

Anna “°”

Machiel Botman, fotografo olandese…così mi piacerebbe scattare!

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Machiel Botman was born in 1955 in Vogelenzang, The Netherlands. A key figure in Dutch photography, Botman has always photographed as a way to understand life. Self-taught, Botman works instinctively, photographing in black and white, creating images that are as much about himself as who, what and where he photographs. Ever since he made his first photograph at the age of 12, photography has always been a very intimate experience for Botman. He photographs the people and places in his life that affect him. From the portraits of his friends and relatives to the pictures of strangers he meets to the gestural images of the landscapes he passes through, Botman’s images evoke a world of interconnectedness without relying on overly poetic sentiment.

A conversation with the artist can be found here

Machiel Botman è nato nel 1955 a Vogelenzang, in Olanda. Una figura chiave, all’interno della fotografia olandese, Botman ha sempre fotografato come metodo per comprendere la vita. Autodidatta, Botman scatta istintivamente, in bianco e nero, creando immagini che riguardano molto di più lui stess, che i soggetti e i luoghi dove fotografa. Da quando ha iniziato a scattare all’età di 12 anni, la fotografia per Botman ha sempre rappresentato un’esperienza molto intima. Fotografa persone e luoghi della sua vita che lo coinvolgono. Dai ritratti dei suoi amici e parenti alle immagini di estranei che incontra, ai paesaggi che attraversa, le immagini di Botman evocano un mondo di interconnessioni, senza affidarsi a sentimenti eccessivamente poetici.

Qui una conversazione con l’artista

http://machielbotman.com/

Anna “*”

Genesis – Salgado. A me sto libro fa davvero venire la pelle d’oca! Guardate che fotografie…

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Sebastião Salgado (Aimorés, 8 febbraio 1944) è un fotografo brasiliano, che attualmente vive a Parigi.

Dopo una formazione universitaria di economista e statistico decide, in seguito ad una missione in Africa, di diventare fotografo. Nel 1973 realizza un reportage sulla siccità del Sahel, seguito da uno sulle condizioni di vita dei lavoratori immigrati in Europa. Nel 1974 entra nell’agenzia Sygma e documenta la rivoluzione in Portogallo e la guerra coloniale in Angola e in Mozambico. Nel 1975 entra a far parte dell’agenzia Gamma ed in seguito, nel 1979, della celebre cooperativa di fotografi Magnum Photos. Nel 1994 lascia la Magnum per creare, insieme a Lelia Wanick Salgado, Amazonas Images, una struttura autonoma completamente dedicata al suo lavoro. Salgado si occupa soprattutto di reportage di impianto umanitario e sociale, consacrando mesi, se non addirittura anni, a sviluppare e approfondire tematiche di ampio respiro.

A titolo di esempio, possiamo citare i lunghi viaggi che, per sei anni, lo portano in America Latina per documentarsi sulla vita delle campagne. Questo lavoro ha dato vita al libro Other Americas.

Durante i sei anni successivi Salgado concepisce e realizza un progetto sul lavoro nei settori di base della produzione. Il risultato è La mano dell’uomo, una pubblicazione monumentale di 400 pagine, uscita nel 1993, tradotta in sette lingue e accompagnata da una mostra presentata finora in oltre sessanta musei e luoghi espositivi di tutto il mondo.

Dal 1993 al 1999 Salgado lavora sul tema delle migrazioni umane. I suoi reportages sono pubblicati, con regolarità, da molte riviste internazionali. Oggi, questo lavoro è presentato nei volumi In Cammino e Ritratti di bambini in cammino, due opere che accompagnano la mostra omonima edite in Italia da Contrasto.

Nel 2013 Salgado ha dato il suo sostegno alla campagna di Survival International per salvare gli Awá del Brasile, la tribù più minacciata del mondo. Nell’agosto 2013 O Globo ha pubblicato un lungo articolo sulla tribù, corredato dalle sue fotografie.

StileimageCon studi di economia alle spalle, Salgado approda tardi nel mondo della fotografia, occupandovi subito una posizione di primo rango. Le sue opere si ispirano a quelle dei maestri europei, filtrate però dall’eredità culturale sudamericana. Esse attirano l’attenzione su tematiche scottanti, come i diritti dei lavoratori, la povertà e gli effetti distruttivi dell’economia di mercato nei Paesi in via di sviluppo. Una delle sue raccolte più famose è ambientata nella miniera d’oro della Serra Pelada, in Brasile, e dove migliaia di persone, giunte da tutto il mondo a causa della presenza di filamenti auriferi nel terreno, sono ritratte mentre si arrampicano fuori da un’enorme cava su primitive scale a pioli, costretti, da nessuno se non dalla propria dipendenza nei confronti dell’oro, a caricare sacchi di fango che potrebbero contenere tracce del metallo.

Salgado scattava nel modo tradizionale, usando pellicola fotografica in bianco e nero e una fotocamera da 35 mm: strumenti portatili e poco ingombranti. È nota la sua preferenza per le macchine Leica, in virtù della qualità dei loro obiettivi. Particolarmente attento alla resa dei toni della stampa finale, Salgado applica uno sbiancante con un pennello per ridurre le ombre troppo intense.

Nel corso della realizzazione del progetto Africa, Salgado ha avuto la necessità di stampare alcune scene in grande formato. Ma la Leica non gli consentiva di andare oltre una certa misura, per cui ha iniziato ad utilizzare una Pentax 645 in formato 220.

All’inizio della realizzazione del progetto Genesis, inoltre, egli ha calcolato che avrebbe dovuto girare il mondo con 600 rullini di formato 220, con un peso di 30 chili circa di pellicola. Ma con le misure di sicurezza instaurate negli aeroporti di tutto il mondo, in conseguenza dell’attentato dell’11 settembre, le pellicole avrebbero dovuto attraversare più volte i rilevatori a raggi X, con perdita di qualità dell’immagine e quindi del vantaggio qualitativo che avrebbe dovuto derivare dall’uso del medio formato. Allora il grande fotografo ha deciso di utilizzare una Canon 1Ds Mark III, da 21 megapixel, riducendo il peso previsto del materiale sensibile, da 30 kg delle pellicole, ad 1,5 kg di schede digitali.

Per acquistare Genesis 

Bellissima presentazione di Salgado del suo lavoro…da vedere!

ciao Sara

Il fotografo del silenzio, Nadav Kander

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http://www.nadavkander.com/

Nadav Kander (born 1961) is a London-based photographer, artist and director, known for his portraiture and landscapes. His work is included in the collections of the National Portrait Gallery, the Victoria and Albert Museum and other galleries and museums. His father flew Boeing 707s for El-Al but lost his eye and was unable to continue flying. His parents decided to start again in South Africa and moved to Johannesburg in 1963. Kander began taking pictures when he was 13 on a Pentax camera. After being drafted into the South African Air Force, Kander worked in a darkroom printing aerial photographs. He moved to London in 1986, where he still resides with his wife Nicole and their three children.

Kander’s best known images include Diver, Salt Lake, Utah 1997, in which a lone women peers out into the vast lake, and his 2009 portrait of Barack Obama photographed for The New York Times Magazine as a cover feature.

On 18 January 2009 Nadav Kander had 52 full page colour portraits published in one issue of The New York Times Magazine. These portraits (from a series titled Obama’s People) were of the people surrounding President Barack Obama, from Joe Biden (Vice President) to Eugene Kang (Special Assistant to The President). The same issue also included a series of cityscapes of Washington DC also taken by Kander. This is the largest portfolio of work by the same photographer The New York Times Magazine has ever showcased in one single issue.

Kander published his first monograph, Beauty’s Nothing (Arena Editions) in 2001. He followed up the book with a catalogue of nocturnal landscapes entitled Nadav Kander – Night which accompanied his exhibitions at the Yancey Richardson Gallery, New York and Shine Gallery, London. Flowers Gallery published Obama’s People to accompany the solo exhibition. Yangtze – The Long River was published by Hatje Cantz in September 2010. Bodies.6 Women.1 Man, was published by Hatje Cantz in February 2013.

An interview

Postato da Anna