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🌟 CORSI IN PARTENZA Non è mai troppo tardi per approfondire la tua passione per la fotografia! Ecco i corsi che partono a gennaio:
Il racconto fotografico (online) – 15 gennaio 2026
Reportage fotogiornalistico (online) – 17 gennaio 2026
Corso sull’intelligenza artificiale (AI) applicata alla fotografia (online) – 21 gennaio 2026
Le pratiche della contemporaneità (online) – 26 gennaio 2026
💻 I corsi online ti permetteranno di studiare a tuo ritmo, senza rinunciare al confronto diretto con docenti e compagni di corso. Un’opportunità per migliorare le tue competenze fotografiche, ampliando i tuoi orizzonti.
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✨ Ti aspettiamo a gennaio per un mese ricco di formazione, condivisione e nuove idee. Non vediamo l’ora di continuare a crescere insieme a te! A presto, Il team di Musa Fotografia Sara Munari
La scala dei gradi Kelvin (K) è un sistema di misura della temperatura assoluta e viene spesso utilizzata in fotografia per indicare la temperatura colore della luce.
La temperatura colore descrive il colore della luce emessa da una sorgente luminosa e si misura in Kelvin (K). Questo concetto deriva dalla fisica: immagina un corpo nero ideale che, riscaldato, cambia colore passando dal rosso al blu. La temperatura alla quale quel corpo emette una luce di un certo colore è espressa in gradi Kelvin.
In fotografia e illuminazione, la temperatura colore è fondamentale per determinare il bilanciamento del bianco e ottenere immagini con colori naturali. Ecco come si distribuiscono le diverse sorgenti luminose sulla scala Kelvin:
Temperatura (K)
Tipo di luce
Colore percepito
1000-2000K
Candela
Luce molto calda (rossa/arancione)
2500-3200K
Lampadine a incandescenza
Luce calda (giallo-arancione)
4000-4500K
Neon e lampade fluorescenti
Luce neutra (bianco tendente al giallo)
5000-5500K
Luce naturale a mezzogiorno
Bianco neutro
6000-6500K
Luce del giorno con cielo coperto
Bianco freddo (azzurrino)
7000-10000K
Ombra o cielo sereno
Luce molto fredda (blu)
Influenza sulla fotografia
Quando scatti una foto, la fotocamera deve compensare la temperatura colore per riprodurre i colori in modo realistico. Questo si fa attraverso il bilanciamento del bianco (WB – White Balance), che può essere regolato manualmente o automaticamente.
Se la luce è troppo fredda (blu/azzurra) → la fotocamera applica una correzione verso il giallo.
Se la luce è troppo calda (gialla/arancione) → la fotocamera applica una correzione verso il blu.
Luci Calde (bassi Kelvin): Hanno una tonalità tendente al giallo o al rosso. Esempi: luce delle candele (circa 1800K), lampadine a incandescenza (circa 2700K).
Luce Neutra (intorno ai 5500K): Considerata la luce di riferimento, simile a quella di un cielo leggermente nuvoloso.
Luci Fredde (alti Kelvin): Hanno una tonalità tendente al blu. Esempi: luce diurna diretta (circa 5500K), flash elettronico (circa 5600K), luce di un cielo sereno (può arrivare a 10000K).
Il bilanciamento del bianco è appunto la funzione della fotocamera che cerca di correggere automaticamente la temperatura del colore, rendendo i bianchi bianchi e il resto dei colori naturali.
Automatico (AWB): La fotocamera cerca di determinare automaticamente la temperatura del colore. Funziona bene in molte situazioni, ma può sbagliare, soprattutto in condizioni di illuminazione complesse.
Preimpostate: La fotocamera offre diverse preimpostazioni per tipi di luce comuni (luce diurna, ombra, tungsteno, fluorescente).
Manuale: Ti permette di regolare la temperatura del colore in Kelvin, dandoti un controllo completo sulla tonalità dei colori.
Quando usare quale impostazione?
Automatico: Perfetto per la maggior parte delle situazioni, soprattutto quando la luce è costante.
Preimpostate: Utilizzale quando conosci il tipo di luce presente nella scena (es. luce al tungsteno per una foto interna).
Manuale: Ideale per ottenere un controllo preciso sui colori, soprattutto in situazioni di illuminazione mista o quando vuoi creare un effetto particolare.
Errori comuni e come evitarli:
Bilanciamento del bianco errato: I colori della tua foto potrebbero apparire troppo caldi o troppo freddi.
Variazioni di temperatura del colore: Se stessi fotografando in condizioni di illuminazione mista, potresti notare delle variazioni di colore nella tua foto.
In conclusione:
Il bilanciamento del bianco è un aspetto fondamentale della fotografia che può fare la differenza tra una foto ordinaria e una straordinaria. Sperimentando con le diverse impostazioni e comprendendo come la luce influisce sui colori, potrai ottenere risultati sempre migliori.
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Buongiorno, ecco tutti i premi fotografici in scadenza a Gennaio! Partecipate!
Ciao Ciao
Annalisa
Alpha Female Award 2026
L’Alpha Female Award è incentrato sul supporto e la promozione delle fotografe in tutto il mondo.
La vincitrice riceverà un’attrezzatura Sony Digital Imaging e la partecipazione alla mostra dei Sony World Photography Awards a Londra.
Il premio nasce dall’iniziativa Alpha Female di Alpha Universe, promossa da Sony US, che si concentra sulla creazione di opportunità per fotografe, videomaker e registi professionisti per contribuire a promuovere una comunità creativa più ricca e diversificata. In collaborazione con la World Photography Organisation, Sony US ha esteso il suo programma a livello globale, premiando le fotografe che partecipano al concorso Open dei Sony World Photography Awards.
Images of Resilience: Framing Peace through Allied Vision
Il concorso fotografico YATA “Immagini di Resilienza: Inquadrare la Pace attraverso la Visione Alleata” celebra il potere della narrazione visiva nel plasmare la comprensione pubblica di pace, resilienza e cooperazione tra alleati.
Organizzato da YATA Germania e YATA International, il concorso si concentra sulla fotografia che mette in luce l’alleanza, la sicurezza umana e l’esperienza vissuta della resilienza.
Le opere vincitrici e finaliste saranno esposte durante un evento collaterale della Conferenza sulla Sicurezza di Monaco del 2026, seguito da una tavola rotonda dal titolo “Spostare l’attenzione: mappare il ruolo della narrazione visiva in un mondo frammentato”. L’iniziativa è supportata da Airbus, Deloitte, RENK Group, NATO, Calumet, la Conferenza sulla Sicurezza di Monaco ed Europäische Sicherheit & Technik.
Il concorso è gratuito e aperto a fotografi emergenti, semi-professionisti e professionisti, cittadini di paesi NATO o Partner for Peace (PfP) e attualmente residenti in uno di questi paesi. Età minima: 18 anni.
Il Siena International Photo Awards (SIPAContest) è uno dei concorsi fotografici più prestigiosi al mondo, riservato a fotografi professionisti, amatoriali e studenti. La giuria è composta da esperti internazionali, tra cui fotografi, editor e acquirenti di immagini di fama.
I vincitori delle categorie principali sono invitati a partecipare alla CERIMONIA DI PREMIAZIONE e al GALA per contendersi il premio principale “SIPA Photographer of the Year”. Il vincitore assoluto e i vincitori di categoria ricevono l’ambita statuetta di cristallo PANGEA PRIZE.
La cerimonia di premiazione si svolge a Siena (Italia) presso il Teatro dei Rinnovati. In questo giorno, l’ultimo sabato di settembre, vengono esposti il ”SIPA Photographer of the Year” e le immagini premiate.
Ogni anno, presso lo spazio espositivo dell’ex distilleria “Lo Stellino”, viene allestita una mostra con le immagini vincitrici e quelle con menzione d’onore, nonché con opere d’arte di rilievo, intitolata “Imagine All The People Sharing All The World”.
L’annuario “Beyond The Lens”, che presenta tutti i lavori premiati, viene pubblicato annualmente in due lingue (italiano e inglese).
İstanbul Photo Awards è un concorso internazionale di fotografia giornalistica organizzato da Anadolu Ajansı, agenzia di stampa globale attiva da oltre 100 anni. Il concorso mira a contribuire al mondo della fotografia giornalistica. I premi premiano, in base al merito, le opere di fotografi professionisti coraggiosi e talentuosi provenienti da tutto il mondo. İstanbul Photo Awards è diventato uno dei concorsi di fotografia giornalistica più noti al mondo. İstanbul Photo Awards riceve grande attenzione da fotoreporter di tutto il mondo. Circa 20.000 fotografi si sono iscritti al concorso fin dal suo primo anno.
CHIAMATA A TUTTI I FOTOGRAFI! I Sony World Photography Awards sono TORNATI per la loro 19a edizione!
Qualunque sia il tuo livello – principiante, studente o professionista – c’è una categoria perfetta per te e la tua fotografia!
Professionisti (serie)
Open (immagini singole)
Studenti (serie che risponde al brief del 2026 “Together”)
Giovani (immagini singole scattate da fotografi di età pari o inferiore a 19 anni)
Con la loro portata senza pari, i Sony World Photography Awards elevano la carriera dei fotografi a un livello superiore. Fin dall’inizio, gli Awards hanno promosso l’inclusività e l’accesso, rendendo l’iscrizione gratuita. Offrendo uno spaccato della fotografia odierna in tutta la sua diversità, gli Awards mettono in luce i fotografi che raccontano le storie del nostro tempo.
L’edizione del decimo anniversario è ora aperta! Entra nel mondo dell’eccellenza monocromatica con i MonoVisions Photography Awards 2026, un prestigioso concorso internazionale dedicato a celebrare l’arte senza tempo della fotografia in bianco e nero.
Invitiamo fotografi da tutto il mondo a mostrare il loro linguaggio visivo unico attraverso il bianco e nero. La nostra missione è scoprire i talenti monocromatici più interessanti e offrire loro una piattaforma globale per il riconoscimento, la visibilità e la ricompensa.
London Camera Exchange Photographer of the Year 2026
Esiste una categoria per quasi ogni genere fotografico, dai paesaggi ai ritratti, dalla macro alla street photography e oltre. Ogni categoria offre un’opportunità unica per mettere in mostra le tue abilità attraverso il tuo obiettivo.
Inoltre, con i premi People’s Choice e Emerging Talent, puoi vincere fantastici premi indipendentemente dalla categoria. Scopri ora e lasciati ispirare!
Scatena la tua creatività agli All About Photo Awards 2026 – The Mind’s Eye!
Immergiti in un mondo di creatività e riconoscimenti con l’undicesima edizione degli All About Photo Awards – The Mind’s Eye. Da oltre un decennio, offriamo a fotografi di tutto il mondo una piattaforma globale per mostrare il proprio lavoro, ottenere visibilità internazionale e competere per i premi in palio.
Corpo umano: invitiamo i fotografi a guardare oltre la superficie, a vedere la forma umana non solo come un soggetto, ma come uno specchio dell’esperienza.
Ogni curva, ogni linea, ogni gesto diventa un linguaggio a sé stante, che esprime vulnerabilità, resilienza e grazia. Attraverso luci e ombre, texture e toni, la macchina fotografica rivela ciò che è universale in ognuno di noi: la silenziosa verità dell’essere vivi.
Questa mostra celebra il corpo come arte e testimonianza di un paesaggio in continua evoluzione che porta con sé memoria, emozioni e le storie della nostra comune umanità.
European Network Remembrance and Solidarity (ENRS) invita tutti gli studenti delle scuole superiori (15-19 anni) a mettere in discussione l’idea di confine e a esplorare il loro ambiente circostante partecipando a un concorso fotografico: Borders calling! Il concorso è aperto fino al 31 gennaio 2026. Gli studenti possono partecipare tramite il modulo di registrazione disponibile sul sito web del concorso.
Scatta una foto di una storia (o di un’esperienza) dietro i confini!
Mostra i confini – amministrativi, sociali, politici, estetici… – ai tuoi studenti e incoraggiali a partecipare a un concorso fotografico! Borders calling è un’opportunità per i tuoi studenti di combinare creatività e pensiero critico con la narrazione visiva, e un’opportunità per vincere premi in denaro!
E se ogni fotografia fosse capace di rivelare ciò che la vita quotidiana nasconde?
La nostra quotidianità è abitata da presenze che non cessano mai di parlarci. Ghosts of the Moment ci invita a riconoscerle, a dare forma a ciò che rimane invisibile, a ciò che persiste nel tempo. Perché ogni fotografia è una soglia, un passaggio verso nuovi percorsi per l’immaginazione.
L’edizione 2026 di Fotografia Europea è un invito a interrogare le ombre della realtà, a esplorare il sottile intervallo tra ciò che scompare e ciò che continua a esistere nelle immagini, nei pensieri e nei ricordi.
N.B.: Vi ricordiamo, come sempre, di prestare attenzione prima di candidarvi ai premi. I concorsi da noi pubblicati sono frutto di ricerche su internet e anche se i dati inseriti sono stati selezionati, restano di carattere indicativo e pertanto sta a voi verificare con attenzione i contenuti e i regolamenti prima di partecipare ai premi. Ci scusiamo per eventuali errori!
Musa fotografia
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Le modalità di scatto di una macchina fotografica sono come delle chiavi che aprono porte diverse verso la creatività fotografica. Ognuna offre un diverso livello di controllo e permette di ottenere risultati specifici. Vediamo insieme le principali modalità e quando utilizzarle.
Intanto, ecco dove sono posizionate sulla macchina fotografica.
La modalità automatica è il punto di partenza ideale per chi si avvicina alla fotografia. La fotocamera, in questo caso, diventa un vero e proprio assistente personale, prendendo tutte le decisioni al posto tuo. Quando selezioni la modalità automatica, la fotocamera analizza la scena davanti a sé e, in base a una serie di algoritmi e sensori, determina:
Tempo di esposizione: Quanto tempo il sensore rimane esposto alla luce. Un tempo più lungo permette di catturare più luce, ma aumenta il rischio di mosso.
Apertura del diaframma: Quanto è grande l’apertura all’interno dell’obiettivo. Un’apertura più ampia (diaframma basso) crea uno sfuocato più pronunciato (sfondo sfocato), mentre un’apertura più stretta (diaframma alto) aumenta la profondità di campo.
Sensibilità ISO: Quanto è sensibile il sensore alla luce. Un ISO alto permette di scattare in condizioni di scarsa illuminazione, ma aumenta il rischio di rumore digitale.
Quando è utile la modalità automatica?
Scatti veloci: Quando vuoi immortalare un momento fugace senza dover perdere tempo con le impostazioni.
Viaggi: Quando vuoi portare con te una fotocamera leggera e scattare senza pensieri.
Eventi: Matrimoni, feste, compleanni: la modalità automatica ti permette di concentrarti sui tuoi soggetti senza preoccuparti delle impostazioni tecniche.
Principianti: È il modo migliore per iniziare a familiarizzare con la tua fotocamera e con i concetti base della fotografia.
Quali sono i limiti?
Poco controllo creativo: Non hai la possibilità di influenzare il risultato finale dello scatto.
Situazioni particolari: In condizioni di luce difficili, come il controluce o la scarsa illuminazione, la fotocamera potrebbe non riuscire a determinare le impostazioni ottimali.
Effetti speciali: Se vuoi ottenere effetti particolari, come un lungo esposizione per creare scie luminose, o un’ampia profondità di campo per paesaggi, la modalità automatica non è la scelta giusta.
La modalità automatica è uno strumento versatile e comodo, ma non è la soluzione definitiva per ogni situazione. Una volta acquisite le basi della fotografia, potrai passare alle modalità manuali o semi-automatiche per esplorare tutto il potenziale della tua fotocamera.
Immaginiamo il diaframma come l’iride del nostro occhio: più si apre, più luce entra e più l’immagine sarà luminosa. Ma l’apertura del diaframma influenza anche un altro aspetto fondamentale: la profondità di campo.
Profondità di campo: È la porzione di scena a fuoco, ovvero la zona nitida dell’immagine. Un diaframma aperto (numero basso, come f/1.8 o f/2.8) produce una profondità di campo ridotta, con lo sfondo sfocato.
Al contrario, un diaframma chiuso (numero alto, come f/16 o f/22) aumenta la profondità di campo, rendendo nitida una porzione più ampia della scena.
Quando selezioni la modalità Priorità di Diaframma, tu imposti il valore dell’apertura e la fotocamera calcola automaticamente il tempo di esposizione necessario per ottenere una corretta esposizione. In altre parole, la fotocamera si adatta alle condizioni di luce per garantire che l’immagine non sia né troppo chiara né troppo scura.
Quando usare la modalità Priorità di Diaframma (alcuni esempi):
Ritratti: Un diaframma aperto (f/4 o inferiore) crea uno sfondo sfocato che isola il soggetto, mettendolo in risalto.
Macrofotografia: Un diaframma chiuso (f/11 o superiore) assicura che tutti i dettagli del soggetto siano a fuoco.
Paesaggi: Un diaframma chiuso (f/8 o superiore) garantisce che sia il primo piano che lo sfondo siano nitidi.
Foto di gruppo: Un diaframma intermedio (f/5.6 o f/8) consente di avere un buon compromesso tra profondità di campo e luminosità.
Esempi pratici:
Ritratto: vuoi fotografare un amico con uno sfondo naturale sfocato? Imposta un diaframma aperto (es. f/2.8) e concentrati sulla messa a fuoco sugli occhi.
Paesaggio: vuoi catturare un panorama con tutti gli elementi a fuoco, dal primo piano allo sfondo? Imposta un diaframma chiuso (es. f/16) e utilizza un treppiede per evitare mosso.
Macro: vuoi fotografare un fiore da vicino con tutti i dettagli nitidi? Imposta un diaframma molto chiuso (es. f/22) e utilizza una lente macro.
La priorità di diaframmi è utile perché ti permette di concentrarti sulla profondità di campo, un elemento fondamentale per creare immagini con un impatto visivo forte inoltre è adatta a una vasta gamma di situazioni di scatto. Non richiede una conoscenza approfondita dei tempi di esposizione, anche se consiglio vivamente di capire il funzionamento della vostra macchina fotografica senza appoggiarvi troppo alle “scorciatoie”.
La modalità Priorità di Diaframma è uno strumento prezioso per ogni fotografo che vuole avere un controllo creativo sulla propria immagine senza dover gestire manualmente tutti i parametri.
La modalità Priorità di Tempo ti dà il potere di decidere quanto a lungo l’otturatore della tua macchina fotografica rimane aperto. In questo modo, puoi controllare il movimento all’interno della tua inquadratura.
Se vuoi catturare un’azione veloce, come un uccello in volo o un atleta che salta, scegli un tempo di esposizione molto breve. L’immagine sarà nitida e congelata nel momento preciso dello scatto.
Al contrario, se vuoi creare un’atmosfera più sognante e poco nitida, puoi allungare il tempo di esposizione. L’acqua di un fiume diventerà una seta fluente, le luci delle auto creeranno delle scie luminose e le stelle lasceranno delle tracce nel cielo.
Quando usare la modalità Priorità di Tempo:
Sport e azione: Per catturare l’attimo fuggente e congelare il movimento.
Ritratti in movimento: Per creare un senso di dinamismo e energia.
Paesaggi con elementi in movimento: Per dare vita a cascate, nuvole o onde.
Foto notturne: Per creare scie luminose con le luci delle auto o delle stelle.
Effetti speciali: Per creare effetti creativi come il panning (seguire un soggetto in movimento con la fotocamera) o il mosso intenzionale.
Esempi pratici:
Sport: vuoi fotografare un calciatore che calcia un rigore? Utilizza un tempo di posa molto breve (a esempio 1/1000s) per congelare il momento esatto del tiro.
Paesaggi: vuoi creare un’atmosfera suggestiva con una cascata? Utilizza un tempo di posa più lungo (ad esempio 1/2s) per ottenere un effetto setoso sull’acqua.
Foto notturne: vuoi fotografare le stelle? Utilizza un treppiede e un tempo di posa molto lungo (anche diversi minuti) per catturare la luce delle stelle.
La modalità manuale (M) ti offre il massimo controllo e ti permette di plasmare la luce, il tempo e la sensibilità della tua macchina per ottenere esattamente l’immagine che hai in mente.
Puoi decidere quanto a lungo l’otturatore rimane aperto, quanto è grande l’apertura del diaframma e quanto è sensibile il sensore alla luce.
I momenti nei quali sarebbe opportuno utilizzare questa modalità sono legati a situazioni di luce complesse soprattutto se la stessa cambia rapidamente o è irregolare, puoi adattare le impostazioni in tempo reale. Oppure se vuoi avere il massimo del controllo per creare immagini con un forte contrasto, un mosso ricercato o uno sfondo particolarmente sfocato, la modalità manuale ti dà la libertà di sperimentare.
Otterrai, grazie a questa impostazione, un’illuminazione precisa e controllata dovuta alla comprensione totale del funzionamento della tua fotocamera. Non sarai limitato dalle impostazioni automatiche e potrai creare immagini personalizzate sperimentando anche nuove tecniche.
Iniziare con la modalità manuale può sembrare intimidatorio, ma con un po’ di pratica e pazienza diventerà una cosa del tutto naturale.
Per iniziare dedicati con questa impostazione a situazioni semplici scattando in condizioni di luce costante, come in una stanza ben illuminata, gradualmente, modifica un parametro alla volta per capire l’effetto che ha sull’immagine.
Non aver paura di sbagliare: La fotografia è un viaggio, e gli errori sono parte del percorso.
Altre modalità
Oltre a queste, molte fotocamere offrono modalità specifiche per situazioni particolari, come:
Modalità ritratto: Ottimizza le impostazioni per ritratti con lo sfondo sfocato.
Modalità paesaggio: Ottimizza le impostazioni per paesaggi con tutto a fuoco.
Modalità sport: Ottimizza le impostazioni per soggetti in movimento.
Modalità macro: Ottimizza le impostazioni per riprese a distanza ravvicinata.
La scelta della modalità dipende dal tipo di foto che vuoi realizzare e dal livello di controllo che desideri avere. Inizia con la modalità automatica per prendere confidenza con la tua macchina fotografica, poi sperimenta con le altre modalità per scoprire quale ti permette di ottenere i risultati migliori.
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Ciao, facciamo un pochino chiarezza su questa “cosa” che mi chiedete spesso nei corsi. Ciao
Sara
In fotografia, lo stop è un’unità di misura che indica un incremento o un decremento della quantità di luce che raggiunge il sensore della fotocamera. In termini pratici, ogni stop corrisponde a un raddoppio o un dimezzamento della luce catturata dall’obiettivo.
Perché gli stop sono importanti?
Comprendere il concetto di stop è fondamentale per gestire correttamente l’esposizione di una fotografia. L’esposizione è determinata dalla combinazione di tre parametri principali:
ISO (sensibilità del sensore alla luce)
Diaframma (apertura dell’obiettivo, indicata con valori f/)
Tempo di scatto (durata dell’esposizione, espressa in secondi o frazioni di secondo)
Modificando uno di questi parametri di uno stop, la quantità di luce che raggiunge il sensore viene raddoppiata o dimezzata. Tuttavia, per mantenere una corretta esposizione, qualsiasi modifica deve essere compensata dagli altri due parametri.
Come si manifesta nei diversi elementi dell’esposizione?
Diaframma: Aumentare di uno stop significa aprire di più il diaframma, permettendo il passaggio di una quantità doppia di luce. Ad esempio, passare da f/8 a f/5.6 raddoppia la luce che entra nell’obiettivo, mentre passare da f/5.6 a f/8 la dimezza.
Tempo di scatto: Aumentare di uno stop significa raddoppiare il tempo in cui il sensore è esposto alla luce. Ad esempio, passare da 1/125 di secondo a 1/60 di secondo raddoppia la luce che colpisce il sensore, mentre ridurre il tempo di scatto da 1/60 a 1/125 lo dimezza.
ISO: Aumentare di uno stop il valore ISO significa raddoppiare la sensibilità del sensore alla luce. Ad esempio, passare da ISO 100 a ISO 200 raddoppia la sensibilità, permettendo di ottenere la stessa esposizione con metà della luce. Al contrario, abbassare l’ISO da 200 a 100 dimezza la sensibilità, richiedendo più luce per mantenere la stessa esposizione.
Bilanciare l’esposizione
Per ottenere una foto ben esposta, bisogna trovare un equilibrio tra questi tre fattori. Ad esempio, se aumenti l’ISO per ottenere una maggiore luminosità, potresti dover ridurre l’apertura del diaframma o accorciare il tempo di scatto per evitare una sovraesposizione. Questo concetto è alla base del triangolo dell’esposizione, uno dei principi chiave della fotografia.
Saper controllare gli stop consente di adattarsi a diverse condizioni di luce, ottenere effetti creativi come la sfocatura dello sfondo (bokeh) o il congelamento del movimento, e migliorare la qualità delle immagini riducendo il rumore e mantenendo il dettaglio ottimale.
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Buongiorno, ecco tutti i premi fotografici in scadenza a Dicembre! Partecipate!
Ciao Ciao
Annalisa
Rotterdam Photo Open Call
Cosa fa la guerra a un artista quando non ne è testimone oculare, ma ne diventa portatore di un’eredità emotiva? Che suono ha la violenza nella mente di chi sopravvive, fugge o si limita ad ascoltare?
In “Echi di silenzio” esploriamo come la guerra, il conflitto e il trauma collettivo si riverberino nel lavoro di fotografi che scelgono di non usare l’obiettivo come strumento di reportage, ma come specchio delle loro lotte interiori.
Questa edizione si concentra su artisti per i quali la guerra non è una scena, ma una condizione. Dove il conflitto non si svolge al di fuori del corpo, ma nella memoria, nella storia familiare, nel subconscio. Qui l’obiettivo non registra un’esplosione, ma ne riecheggia: nel silenzio, nel vuoto, nella ripetizione, nella frammentazione o nell’alienazione. Consideriamo questo come un’estensione necessaria del discorso sul conflitto e sulla cultura visiva, in cui la prospettiva personale, poetica e simbolica è spesso sottoesposta.
Il linguaggio visivo e il design possono variare – dalla distorsione analogica ai ritratti poetici, dai paesaggi astratti alle nature morte simboliche – ma il filo conduttore è l’impatto interiore della guerra sull’arte. Questo progetto controbilancia la narrazione dominante della sensazione, lasciando spazio alla riflessione, al simbolismo e all’empatia concentrandosi sul paesaggio interiore dell’artista, e accoglie sia fotografi affermati che emergenti con approcci idiosincratici, concettuali e visivi.
Il Wildlife Photographer of the Year racconta la storia di un pianeta sotto pressione. Aiutateci a sfruttare il potere della fotografia per far progredire la conoscenza scientifica, diffondere la consapevolezza su questioni importanti e coltivare un amore globale per la natura.
Le fotografie devono essere state scattate negli ultimi cinque anni. La data di scatto deve essere successiva a ottobre 2020 e deve essere comprovata su richiesta.
Tutte le opere devono essere il risultato di un processo fotografico con una macchina fotografica.
I Photora Awards sono più di un semplice concorso fotografico: sono una celebrazione globale della creatività, della visione e della narrazione attraverso l’arte della fotografia. Con 20 diverse categorie, tra cui Street, Ritratto, Paesaggio, Natura, Architettura, Minimalismo, Astrofotografia e Smartphone, il concorso accoglie fotografi di tutti i livelli, dagli appassionati amatoriali ai professionisti affermati.
Che catturiate suggestivi paesaggi urbani, emozioni umane crude o astrazioni concettuali, Photora offre una piattaforma dove il vostro lavoro può essere visto, rispettato e ricordato.
L’ambito titolo di Fotografo dell’Anno premia l’immagine più eccezionale in tutte le categorie, mentre i Campioni di Categoria celebrano l’eccellenza in ciascuno dei 20 generi creativi.
Tutti i vincitori e le menzioni d’onore ricevono attestati ufficiali, badge digitali e una pubblicazione nella Galleria dei Vincitori online, con promozione a livello mondiale attraverso la stampa e i social media. Le opere vincitrici saranno inoltre pubblicate nell’annuale Photora Awards Book, offrendo una visibilità a lungo termine e un arricchimento della vostra carriera.
“Una fotografia è un segreto su un segreto. Più ti dice, meno sai.” – Diane Arbus
Da sguardi fugaci a scontri audaci, la fotografia di strada cattura il ritmo spontaneo della vita. Per questa mostra, invitiamo a immagini che riflettano la bellezza, l’umorismo, la tensione e l’umanità che si trovano nei momenti quotidiani. Che siano scattate in una città frenetica, in una fiera di provincia o in un tranquillo incrocio rurale, cerchiamo fotografie che raccontino storie di persone, luoghi e il ritmo della strada.
Mostraci come osservi il mondo quando la vita non si mette in posa, quando gesti, luce e casualità si allineano in un unico scatto.
Mostrateci i vostri lavori migliori e avrete la possibilità di vincere un safari fotografico in Africa!
Chiamata a tutti i fotografi di viaggio! Vi invitiamo a presentare i vostri lavori migliori e a competere per il titolo di Fotografo di Viaggio dell’Anno di Penda. Che siate professionisti esperti o semplici appassionati, questa è la vostra occasione per mostrare le vostre immagini di viaggio più accattivanti. Avrete la possibilità di vincere il viaggio della vostra vita: un safari fotografico in Botswana. Partecipare è facile e veloce, e la prima iscrizione è gratuita!
La collaborazione di Penda con Wild Shots Outreach sottolinea la convinzione che la fotografia possa fare molto di più che creare immagini straordinarie: può creare connessioni, capacità di azione e opportunità. Con sede nell’area del Greater Kruger in Sudafrica, Wild Shots Outreach offre ai giovani provenienti da comunità svantaggiate l’accesso a fotocamere, tutoraggio, workshop e borse di studio per aiutarli a entrare in contatto con il loro patrimonio naturale e a intraprendere percorsi di conservazione, narrazione e carriere creative. Partecipando al concorso oltre la prima presentazione gratuita, i contributori sosterranno direttamente il lavoro di Wild Shots Outreach, contribuendo a finanziare attrezzature, formazione ed espansione del programma.
La settima edizione di questo concorso fotografico internazionale prevede cinque categorie principali, ciascuna suddivisa in 25 sottocategorie, offrendo ai partecipanti un’ampia piattaforma per mostrare il proprio talento e la propria visione artistica sulla scena globale.
Incoraggiamo approcci audaci e innovativi che sfidano gli standard artistici convenzionali. Indipendentemente dal tema scelto, i partecipanti possono presentare le proprie opere in un massimo di cinque categorie. Non ci sono restrizioni di interpretazione, creatività o estetica: ogni forma di espressione artistica è benvenuta. Il nostro concorso celebra la diversità di stili e tecniche fotografiche, promuovendo i talenti emergenti e contribuendo al riconoscimento della fotografia come vera e propria arte.
Questa è un’opportunità unica per ottenere riconoscimenti internazionali, dare una svolta alla propria carriera e presentare il proprio lavoro a una comunità di appassionati d’arte e professionisti. L’Annual Photography Awards non è solo un concorso prestigioso, ma anche un’opportunità per vincere interessanti premi in denaro, trofei esclusivi e prestigiosi riconoscimenti. I vincitori riceveranno attestati ufficiali e premi digitali, a conferma dei loro eccezionali risultati nel campo della fotografia.
Moments Collective invita fotografi di tutto il mondo a presentare opere per la nostra prossima mostra collettiva, “Street Life”. Cerchiamo storie visive avvincenti che emergano dallo spazio pubblico: momenti spontanei, gesti spontanei, osservazioni silenziose o scene dinamiche, qualsiasi cosa si svolga nel mondo aperto che ci circonda.
La mostra si terrà dal 23 al 31 gennaio 2026 presso l’Istituto Italiano di Cultura di Atene (28is Oktovriou 47, Atene 104 33) e presso la iFocus Photo Gallery di Atene (Akadimias St. e Ippokratous 13).
Questo invito non si limita alla tradizionale fotografia di strada. Accogliamo tutte le interpretazioni: fotografie scattate durante un festival o un raduno religioso, uno spettacolo di strada, una protesta, un mercato o persino il silenzio di un vicolo vuoto. Che il vostro approccio sia documentaristico, artistico, astratto o concettuale, siamo interessati a lavori che catturino il battito della vita così come si svolge oltre le porte chiuse.
2026 Global Chinese New Year Photography Competition
Il Concorso Fotografico Globale per il Capodanno Cinese (GCPC) 2026 invita fotografi, narratori visivi e creativi di tutto il mondo a catturare lo spirito, la bellezza e la ricchezza culturale della Cina e del suo patrimonio culturale. Il concorso accoglie immagini coinvolgenti che esplorano la vita contemporanea, lo splendore dei paesaggi naturali cinesi e la presenza globale della cultura cinese, attraverso città moderne, costumi tradizionali o scenari interculturali all’estero. Aperto a partecipanti di tutti i livelli, il GCPC offre una piattaforma gratuita e inclusiva agli artisti per ottenere visibilità internazionale, costruire il proprio portfolio e contribuire a un dibattito globale sulla cultura cinese.
I temi di quest’anno: Cina oggi, Paesaggi e viaggi cinesi ed Elementi cinesi all’estero, abbracciano le molteplici dimensioni della cultura cinese nel XXI secolo, dall’innovazione e dal cambiamento sociale al patrimonio, alla tradizione e all’influenza culturale mondiale. Attraverso questo concorso, miriamo a mettere in luce una narrazione potente, celebrare lo scambio culturale e mostrare talenti fotografici eccezionali su un palcoscenico globale. Tutte le opere premiate riceveranno certificati digitali ufficiali e saranno presentate sulle piattaforme promozionali del GCPC, offrendo agli artisti un’opportunità significativa di condividere la propria visione con il pubblico di tutto il mondo.
È un onore invitarvi a partecipare alla terza edizione dei Fine Art Awards 2025, una celebrazione dell’eccellenza nell’arte fotografica.
Questa è la terza edizione di un evento che promette di mettere in luce e premiare le opere più straordinarie del 2025. Il vostro talento e la vostra creatività sono fondamentali per il successo di questa iniziativa.
La creatività è l’anima della fotografia Fine Art. I fotografi riuniti qui mirano a trasmettere emozioni, concetti e pensieri attraverso le loro immagini. Ogni fotografia è il risultato di una pianificazione meticolosa, di una composizione artistica attentamente studiata e di una manipolazione delle immagini per ottenere l’effetto desiderato. Questa è l’essenza della fotografia Fine Art: la capacità di catturare la visione unica di un artista.
Dopo dieci anni trascorsi a sostenere fotografi di talento, abbiamo progettato i Fine Art Awards con un unico obiettivo: scoprire immagini straordinarie e fotografi desiderosi di dare una svolta alla propria carriera grazie all’impareggiabile riconoscimento e alla visibilità internazionale offerti dai Fine Art Awards. Le vostre immagini accattivanti meritano visibilità e ci impegniamo a garantire che ricevano l’attenzione che meritano. Vi invitiamo calorosamente a condividere con noi la vostra visione artistica, affinché noi, a nostra volta, possiamo presentarla al mondo.
Invitiamo artisti e fotografi a partecipare a True Blue, un concorso d’arte a tema libero dedicato all’esplorazione del blu, in tutta la sua profondità emotiva, simbolica e visiva. Cerchiamo opere che esprimano il significato che il “blu” ha per voi.
Che la vostra visione sia letterale o astratta, dai toni freddi o carica di emozioni, True Blue è la vostra opportunità di presentare opere d’arte che risuonino con questo colore e concetto senza tempo. Tutti i mezzi, gli stili e le interpretazioni sono benvenuti.
Concorso fotografico annuale gratuito e non commerciale. Giunto alla sua settima edizione, l’iscrizione è riservata a fotografi affermati, selezionati e invitati. L’assenza di categorie o nomination basate sul genere rappresenta una sfida particolare. I premi includono medaglie, diplomi, filtri fotografici, licenze software e altro ancora.
Le candidature vengono inviate pubblicando i lavori sul sito espositivo del concorso, foto.d3.ru, una piattaforma in lingua russa. Questo sito fotografico, con il motto “Make raw, not war”, promuove la fotografia come mezzo per unire persone di diversi paesi con opinioni diverse. È la sezione di fotografia indipendente di D3.ru, un portale di social network russo molto grande e antico, fondato nel 2001. Il suo pubblico è composto da utenti di lingua russa provenienti da molti paesi, e le loro valutazioni costituiscono la fase iniziale di valutazione. Per il 2025, il concorso è stato adattato per accogliere i partecipanti di lingua inglese.
N.B.: Vi ricordiamo, come sempre, di prestare attenzione prima di candidarvi ai premi. I concorsi da noi pubblicati sono frutto di ricerche su internet e anche se i dati inseriti sono stati selezionati, restano di carattere indicativo e pertanto sta a voi verificare con attenzione i contenuti e i regolamenti prima di partecipare ai premi. Ci scusiamo per eventuali errori!
Musa fotografia
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Sul cammino di Santiago De Compostela, Sara Munari
Ciao a tutti! Come sapete tengo questo blog dal 2015, voglio cambiare un pochino! Non scrivo solo io, ma ogni articolo scritto da me in senso “critico” sarà un piccolo tentativo di fare il contrario di ciò che il tempo ci chiede: inseguire il presente, rincorrere la moda, adeguarsi. Io preferisco l’anacronismo. Non perché sia romantico o “figo”, ma perché è l’unico modo per inventare davvero qualcosa di mio e, forse, anche di vostro. Qui si parla di immagini che non hanno fretta, di estetiche che non viaggiano sui trend topic e di scelte visive che spesso fanno storcere il naso. E se riusciremo a ridere un po’ delle nostre stesse fissazioni, ancora meglio. Perché l’ironia, ve lo assicuro, è l’unico filtro che rende sopportabile il mondo della fotografia contemporanea. Benvenuti quindi in questa serie: un viaggio fuori tempo, con qualche deviazione imprevista, un paio di scivoloni controllati e la speranza che, alla fine, qualcuno possa davvero guardare il mondo in modo un po’ diverso. Sara Munari
Viviamo in un’epoca in cui la velocità della produzione visiva sembra dettare anche i criteri di valore. Ciò che è contemporaneo, ciò che aderisce alla tendenza del momento, viene spesso percepito come innovativo. Eppure, se guardiamo con attenzione, la conformità al presente raramente genera vera invenzione: produce invece varianti, adattamenti, aggiornamenti di un’estetica già assimilata.
Per questo ogni artista fotografo, se vuole davvero scalfire la superficie dell’ovvio, deve essere anacronistico.
Essere anacronistici non significa rifugiarsi nel passato o cercare riflessi rassicuranti in tecniche obsolete. Al contrario, è la capacità di pensare fuori dal tempo, di non lasciarsi imbrigliare dalle griglie narrative ed estetiche del “qui e ora”. L’anacronismo è un atto critico: rifiutare l’ovvietà del presente per costruire un linguaggio che non sia immediatamente traducibile in “trend”.
La fotografia, per sua natura, porta già in sé una tensione temporale: ogni immagine è testimonianza di un istante che non esiste più. Ma se il fotografo si limita a replicare lo stile dominante del suo tempo, non fa altro che rafforzare il presente, senza metterlo in discussione. L’artista anacronistico invece forza questa condizione: inventa spazi visivi che sembrano provenire da un’altra epoca, o da nessuna epoca riconoscibile.
Pensiamo agli autori che hanno rotto gli schemi: non erano mai del tutto in sintonia con il loro presente. Chi innova non si adatta, chi innova stona, appare fuori luogo, inattuale. Ma proprio questa frizione con l’oggi apre la possibilità di vedere oltre, di creare immagini che non si lasciano consumare nel ciclo effimero della contemporaneità.
Per un fotografo essere anacronistico significa osare: scegliere linguaggi, ritmi, estetiche che non trovano immediato riscontro nell’orizzonte culturale circostante. È un rischio, perché espone a incomprensioni e solitudini. Ma è anche l’unico modo per generare immagini che abbiano un peso, che non si dissolvano con l’ennesima tendenza.
La vera innovazione non nasce dall’aderire al tempo presente, ma dal tradirlo. Ogni fotografo che aspira a inventare, piuttosto che a ripetere, dovrebbe parlare con un linguaggio che non appartiene al suo tempo, e proprio per questo lo illumina con uno sguardo inedito.
Sara
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