È un mondo da incubo, viscido e claustrofobico.

Le immagini di The Last Resort, vengono mostrate per la prima volta nel 1986 dalla Serpentine Gallery di Londra. Per il pubblico e la critica fu uno shock. Il filo rosso che percorre tutti i  lavori di Martin Parr è una riflessione sul consumismo, come stile di vita e come ideologia allucinata della società contemporanea. Questo lavoro è per me davvero interessante

David Lee su Art Review:

«Mangiano e bevono avidamente junk food scartando confezioni e involucri con un trasporto in grado di mandare in crisi la coscienza liberal. La nostra storica working class, di solito ritratta con magnanimità dai fotografi documentaristi, diventa il bersaglio di un pubblico più sofisticato. Appaiono grassi, goffi, senza stile, noiosamente conformisti e incapaci di affermare alcun tipo di identità individuale. Indossano vestiti sgargianti a buon mercato e, in puro stile conservatore, sono rassegnati al loro misero destino. Solo i neonati e i bambini sopravvivono al ridicolo ed è la loro presenza in molte immagini a dare alla visione disperata di Parr un tocco di poesia».

Robert Morris, sul The British Journal of Photography, sentenziava invece: «, dove le persone sono immerse tra confezioni di patatine e nuotano in pozze nere e inquinate scrutando un fosco orizzonte di degrado urbano».

Ecco e poi per magia…

Nel 2008,  il The Guardian inseriva The Last Resort nella lista delle “Mille opere d’arte da vedere prima di morire”…ci son voluti 20 anni…

Sito dell’autore

Per acquistare il libro

Biografia di Martin Parr

Martin Parr (Epsom, 23 maggio 1952) è un fotoreporter britannico. Da sempre i suoi progetti fotografici criticano la società moderna, il consumismo, il cibo e il turismo.

Nonostante gli inizi come fotografo in bianco e nero, inizia nel 1984 a lavorare a colori, suo punto di forza. Infatti, l’uso di foto dai colori molto saturi che enfatizzano il lato buffo e umoristico nei suoi lavori, sono ormai un marchio di fabbrica. Nel 1994 diventa fotografo dell’agenzia Magnum Photos. Nella sua carriera vi è anche una parentesi musicale: la direzione del videoclip musicale London dei Pet Shop Boys nel 2003.

Fan Ho, che grande fotografo di strada.

Gli scatti in bianco e nero dell’ottantatreenne fotografo Fan Ho ci offrono la possibilità unica di scorgere vedute urbane insolite di Hong Kong.

Vincitore di più di 280 premi internazionali, ha pubblicato di recente un libro di memorie intitolato “Fan Ho: A Hong Kong Memoir“, contenente la sua storica e personale visione dell’allora colonia inglese attraverso fotografie di strada scattate dal 1950 in poi.

Ha iniziato la sua carriera di fotografo nel lontano 1950. Giunto a Hong Kong da Shanghai nel 1949, rimase fin da subito affascinato da questa nuova città, dalle sue abitazioni contigue e dai vicoli bui tanto intricati quanto sporchi.

In quegli anni era solo un adolescente, e girare per le strade e fotografare gli angoli più suggestivi non era impresa da poco. Molte persone superstiziose credevano che il suo obiettivo potesse nascondere poteri soprannaturali in grado di catturare i loro spiriti e rapirli.

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Cosa è la street photography? Quello che so.

Rispondo con questo post alle richieste di un iscritto al blog che nella sua mail mi chiedeva:

Fotografie tratte dal mio lavoro “Il salto”…mi diverto perstrada!

Cosa è la street photography?

Difficile definire la Street photography, o forse no, ora ci provo. Questo è quello che so io, un parere.
E’ sicuramente un genere legato alla fotografia di reportage, dal quale si slega dal mio punto di vista, per la “non progettualità”. Ogni scatto vale a sé, ogni scatto è un fermo immagine della vita urbana ripresa nella sua ordinarietà, trattando della vita urbana differenti tratti:
Tristezza, allegria, singolarità del gesto, bellezza e ironia.

Anche se, ogni scatto è una storia, ci sono lavori per prendono corpo nella Street, per diventare vere e proprie ricerche fatte da noti autori.

La Street è il racconto della società di oggi che i fotografi tracciano per gli uomini di domani.
La vita di tutti i giorni, le stranezze e le caratteristiche della nostra società, oggi, qui.

Non è semplicemente “Lo scatto fotografico fatto in strada” .

Ogni scatto deve contenere un racconto che si accattiva l’attenzione del fruitore, che pungolato, si costruisce una storia attraverso gli elementi che il fotografo gli mostra.

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Belle immagini (in un bel libro) dalla periferia di Bucarest

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Non recente, (l’edizione è del 2010) ma comunque, a mio parere, vale la pena di essere menzionato, il libro edito a Postcart.

I Cocalari vivono raccogliendo ferraglia e tutto quanto possa avere un anche minimo valore, vivono in case fatte con quel che trovano e si riscaldano bruciando qualsiasi cosa. Occupano lo spazio lasciato da un lago artifciale prosciugato, per quello che era un “sogno” infranto di e da Ceaucescu.

Tutto questo è passato attraverso l’obiettivo di Alfredo D’Amato, che è entrato in questo non mondo fatto di persone che vivono arrabattandosi da quando, dopo le rivolte del 1989, che portarono alla caduta del regime comunista, restarono senza casa.

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Foto di Alfredo D’Amato

“Cocalari ci presenta uno strano mondo fatto di mezze misure (…) Alfredo D’Amato scatta le sue fotografie che è in mezzo, trova il significato ai margini e ci mostra che c’è comunque un’oscurità, una difficoltà, una frattura che attraversa questo luogo dove niente è diritto o veramente a fuoco…”

Un bel libro, fatto di belle immagini e con una introduzione di Ken Grant ed il testo di Anthony Bannon.

Postato da Angelo “.”


I segreti dei grandi fotografi, consigli pratici da grandi autori.

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Con questa collana di libri, The Photography Workshop Series, Aperture Foundation lavora con i migliori fotografi del mondo per comprendere i loro approcci creativi, gli insegnamenti e gli approfondimenti del lavoro che li ha portati ai massimi livelli; tutta l’esperienza di anni di lavoro, in un libro. L’obiettivo che si prefigge questa serie di volumi, è quello di ispirare i fotografi, a qualunque livello essi pratichino la fotografia, per migliorare i propri lavoro, ma è anche rivolta a coloro che vogliano approfondire la comprensione del linguaggio fotografico.

Nel libro che MUSA propone oggi, i fotografi di fama internazionale Alex Webb e Rebecca Norris Webb, offrono la loro conoscenza di esperti in fotografia di strada e di “pescatori di luce e di emozioni”. Attraverso le parole e le immagini, invitano il lettore nel cuore dei loro processi artistici. Condividono con i lettori i loro pensieri su una vasta gamma di questioni pratiche e filosofiche, da domande sul vedere e stare al mondo con una macchina fotografica, a come modellare la luce in un modo che è sia strutturato e intuitivo.

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Alex Webb (nato a San Francisco, 1952) è meglio conosciuto per la sua vivace e complessa fotografia a colori, spesso realizzati in America Latina e nei Caraibi. Ha pubblicato undici libri, tra cui Violet Isle: un duetto di fotografie da Cuba (con Rebecca Norris Webb) e la sofferenza di Luce, una collezione di 30 anni del suo lavoro colore. Alex è diventato un membro di Magnum Photos nel 1979. Il suo lavoro è stato esposto nelle maggiori gallerie, tra cui il Metropolitan Museum of Art e il Whitney Museum of American Art, New York, e al High Museum of Art, Atlanta. Ha ricevuto numerosi premi, tra cui un Guggenheim Fellowship nel 2007. Il suo lavoro è stato pubblicato, sulle più importanti testate, tra cui il New York Times Magazine, National Geographic, e GEO

 

Rebecca Norris Webb (nata a Rushville, Indiana, 1956), ha pubblicato tre libri di fotografia che esplorano il complesso rapporto tra le persone e il mondo naturale: Oltre al già citato, Violet Isle: un duetto di fotografie da Cuba (con Alex Webb), e My Dakota. Il suo quarto libro, Memory City (con Alex Webb), è una meditazione sul cinema; il tempo, la città di Rochester, New York, in quello che potrebbe essere gli ultimi giorni del cinema come lo conosciamo. Il suo lavoro è stato esposto a livello internazionale, anche al Museum of Fine Arts, Boston; George Eastman House, Rochester, New York; Ricco / Maresca Gallery, New York; e Robert Klein Gallery, Boston. Il suo lavoro è apparso sul New Yorker, Tempo, National Geographic, e Le Monde Magazine

Il Libro: Alex Webb and Rebecca Norris Webb on Street Photography and the Poetic Image di Alex Webb and Rebecca Norris Webb     128 pagine con 50 fotografie.

Il libro

Postato da Angelo

Chi era Weegee? Grande fotografo americano.

Nasce il 12 giugno 1899 a Zloczew, cittadina polacca allora appartenente all’Impero Asburgico, come Arthur Fellig. L’anno successivo il padre, che di professione è un rabbino, si trasferisce in America, e Arthur lo segue a New York con la madre dieci anni dopo. Per aiutare la famiglia, poverissima, si dedica a svariati lavori d’ogni tipo, sino ad approdare alla fotografia. Più tardi si definirà un “fotografo naturale”. Inizia con la fotografia di studio ma presto passa alla fotografia di strada, ritraendo bambini per le vie e rivendendo ai genitori le immagini dei loro figli per prezzi irrisori: tre stampe per mezzo dollaro. Nel 1923 inizia a lavorare per l’agenzia Acme, che rifornisce d’immagini i quotidiani. Inizialmente gli viene affidato il lavoro di laboratorio ed esegue immagini solo in mancanza dei fotografi ufficiali. Nel 1935 decide di intraprendere la professione come free lance e prende il soprannome di Weegee. Affitta uno studio vicino alla Stazione di Polizia, per essere costantemente informato dei fatti di cronaca nera, e in più installa sulla sua Chevrolet una radio sintonizzata con quella degli agenti. In questo modo riesce perfino ad anticipare i poliziotti stessi. La strada e l’automobile diventano la sua casa. Nel bagagliaio tiene un apparecchio di riserva, chimici per lo sviluppo, abiti di ricambio, sigari, salami e flash. Dietro le sue foto stampa un timbro con la scritta “Eseguita dal famoso Weegee”. Nel 1941 espone per la prima volta le sue foto in una mostra intitolata “Murder is my business” (l’omicidio è il mio lavoro).

Dopo dieci anni, pubblica il suo primo libro “Naked City” (Città nuda), con immagini brutali e spietate della vita notturna della grande metropoli. Nelle foto di Weegee i cittadini di New York scoprono una città esotica e diversa, lontana mille miglia dallo stereotipo cui sono abituati. Dopo la guerra si trasferisce a Hollywood, dove lavora per gli studios come consulente per i film d’azione, partecipando in piccole parti in numerose pellicole; collabora anche con Stanley Kubrick per “Il dottor Stranamore”. Pubblica altri tre libri con le sue immagini e nel 1961 la sua autobiografia.

Dotato di un innato senso della composizione, Wegee riusciva a cogliere la verità dei fatti nella loro sconcertante semplicità: le sue immagini vanno dritte al sodo, non lasciano spazio all’immaginazione, colpiscono come un pugno nello stomaco. Sembrano talvolta fotogrammi di un film, ma nessuna di esse è costruita. Nelle sue fotografie è rappresentata una generazione di diseredati, prostitute, alcolizzati, assassini e assassinati, poliziotti, ladri e lavoratori della notte. Tutti ripresi nella loro reale dimensione, quasi con scientifica precisione.

Muore per un tumore al cervello il 26 dicembre1968. Alla sua figura si è ispirato il film “Occhio indiscreto” del 1992 con Joe Pesci.

LA COLLEZIONE DEL MOMA DI WEEGEE

Trent Parke, che autore, ragazzi, che fotografie!

Trent Parke
Australia, 1971

Trent Parke è nato nel 1971 e cresciuto a Newcastle, New South Wales. Inizia a fotografare a 12 anni con la Pentax Spotmatic della madre usando la lavanderia di casa come camera oscura. Oggi Parke è l’unico fotografo australiano ad essere rappresentato da Magnum. Nel 2003, Parke percorre circa 90.000 km all’interno del suo paese insieme alla moglie, la fotografa Narelle Autio. Così nasce Minutes to Midnight, la raccolta di fotografie di questo viaggio, un ritratto a volte inquietante dell’Australia del ventunesimo secolo, un racconto che mostra i paesaggi ma anche l’aridità dell’entroterra o la caotica e malinconica vitalità delle più remote città aborigene. Per questo progetto riceve il W. Eugene Smith Grant in Humanistic Photography.
Trent Parke è stato insignito di numerosi premi e ha pubblicato tre libri: Dream/Life nel 1999,The Seventh Wave insieme a Narelle Autio nel 2000 e Bedknobs and Broomsticks nel 2010. Recentemente Steidl ha pubblicato Minutes to Midnight e Christmas Tree Bucket. Le sue opere sono state esposte in numerose occasioni. Nel 2006 la National Gallery of Australia ha acquistato l’intera esposizione di Minutes to Midnight.

English version

Trent Parke (born 1971) is an Australian photographer. He has created a number of photography books; won numerous national and international awards including four World Press Photo Awards; and his photographs are held in numerous public and private collections. He is a member of Magnum Photos.

Parke was born and brought up in Newcastle (NSW); he now lives in Adelaide, South Australia. He started photography when he was twelve. He has worked as a photojournalist for The Australian newspaper.

Martin Parr and Gerry Badger say that Parke’s first book Dream/Life is “as dynamic a set of street pictures as has been seen outside the United States or Japan”.

In 2003 he and his wife, the photographer Narelle Autio, made a 90,000 km trip around Australia, resulting in Parke’s series and book Minutes to Midnight.

Parke became a member of the In-Public street photography collective in 2001. He became a Magnum Photos nominee in 2002 and a member in 2007; the first Australian invited to join

Consigli di Trent Parke sulla Street Photography

Video di fotografie sue