Uno dei mantra più ripetuti nel mondo della fotografia amatoriale, e non solo, è questo: voglio che la mia fotografia emozioni. Lo sento nei corsi, lo leggo nei forum, lo ricevo nelle email di chi mi scrive per chiedermi come migliorare. È un’aspirazione nobile, generosa, piena di buone intenzioni. Peccato che sia, dal punto di vista tecnico e concettuale, una frase che non significa quasi niente.
Perché il problema non è emozionare. Il problema è che è tecnicamente impossibile non emozionare.
Una pizza fotografata male alle undici di sera da qualcuno che ha fame emoziona. Un cacciavite arrugginito sul pavimento di un’officina emoziona il figlio di quell’operaio che ci ha passato la vita. Una foto sfocata di un autobus di periferia emoziona chi in quell’autobus ci saliva ogni mattina per vent’anni, con il cappotto bagnato e la borsa sulle ginocchia. Qualsiasi immagine, in qualsiasi condizione, raggiunge qualcuno e gli fa fare qualcosa dentro. Non esiste la fotografia neutra, non esiste l’immagine che non tocca nessuno. Esiste solo l’immagine che non sa a chi sta parlando, e quindi parla a caso, e quindi colpisce a caso, e quindi emoziona a caso.
Il punto è esattamente questo: l’emozione non la crei tu. L’emozione la porta chi guarda. Sempre, ogni volta, senza eccezioni.
Sara Munari – Pechino 2004
Roland Barthes lo aveva capito e descritto con una precisione quasi chirurgica in La camera chiara, quando parlava di punctum, quel dettaglio imprevedibile di un’immagine che colpisce lo spettatore in modo del tutto personale, intimo, non programmabile dall’autore. Il punctum non si costruisce, non si piazza deliberatamente nell’inquadratura come si piazza una luce. Emerge dal rapporto tra l’immagine e la storia personale di chi la guarda. Barthes racconta di essere rimasto colpito, in una fotografia di Lewis Payne condannato a morte, dalla combinazione di un dettaglio apparentemente insignificante con la consapevolezza del destino di quell’uomo. Niente di tutto questo era nell’intenzione del fotografo. Era nell’occhio e nella memoria di Barthes.
Questo non significa che il fotografo non conti. Significa che il fotografo conta in un modo diverso da come spesso si pensa.
Il tuo lavoro non è far piangere la gente. Il tuo lavoro è costruire un linguaggio preciso, coerente, consapevole. È fare scelte, tante scelte, una dopo l’altra: la luce, il momento, la distanza, il formato, la sequenza, il contesto. È sapere cosa vuoi dire prima di dire come lo vuoi dire. È avere qualcosa da raccontare che non sia semplicemente “voglio che tu senta qualcosa”, perché quella non è una storia, è una richiesta.
L’emozione arriverà, ma non ti appartiene. Appartiene a chi guarda, con tutta la sua storia, i suoi ricordi, le sue ferite, le sue gioie accumulate. Il fotografo che insegue l’emozione come obiettivo finale è come uno scrittore che vuole scrivere un libro “commovente” senza avere ancora deciso di cosa parla. La commozione è una conseguenza, non un programma.
Capire questa cosa cambia tutto il modo in cui si lavora.
Ciao Sara
