Dal 1995, Hendrik Kerstens fotografa sua figlia Paula, creando ritratti commoventi nello spirito di Vermeer. Nato all’Aia nel 1956, Kerstens è un fotografo autodidatta il cui lavoro è stato esposto in più di 40 mostre in Europa e negli Stati Uniti. Il suo lavoro è presente nelle collezioni dei principali musei e viene spesso pubblicato sulla rivista New York Times e ha ispirato personaggi di gusto diverso come Elton John e Alexander McQueen. (McQueen ha utilizzato l’ormai iconico ritratto Bag di Kerstens come invito per la sua collezione dell’autunno 2009).
Qui Kerstens ritrae Paula, sua figlia, come una giovane donna sicura di sé (con senso dell’umorismo) e proietta su di lei il suo fascino per i maestri olandesi del XVII secolo. I ritratti che ne risultano sembrano allo stesso tempo contemporanei e senza tempo. Le bellissime immagini di Kersten, piene di “luce”, esprimono sia l’amore paterno che il profondo rispetto per la fotografia. I saggi dei curatori Martin Barnes e Deborah Klochko esaminano le immagini di Paula, considerandole come dialogo continuo e tra il fotografo e il soggetto, il fotografo e il pubblico e discutono anche le influenze di Kerstens sul suo lavoro.
Non possiamo negare la forte relazione tra fotografia e pittura; sappiamo anche che molti fotografi basano il loro stile ed estetica su alcuni pittori. Diciamo che alcuni fotografi si ispirano al modo in cui la luce è stata trattata dai grandi maestri, soprattutto quelli olandesi.
Hendrik Kerstens è stato riconosciuto per i suoi bellissimi ritratti della figlia Paula, che emulano uno stile che ricorda molto i dipinti di Vermeer e Rembrandt, grazie a un’illuminazione e a una composizione simili a quelle dei quadri famosi. Kerstens dà un tocco contemporaneo aggiungendo alcuni oggetti di scena agli abiti di Paula.
Lin Zhipeng (alias No.223) è nato a Guangdong, in Cina, nel 1979. Si è laureato presso l’Università di studi esteri del Guangdong con una specializzazione in inglese finanziario. Lin è un fotografo e scrittore freelance con sede a Pechino. Creato nel 2003, il suo blog “North Latitude 23”, in cui pubblica foto di accompagnate da brevi testi, ha ricevuto milioni di visualizzazioni e lo ha reso famoso tra la comunità web. Presentate per dieci anni in mostre collettive in Cina e all’estero, le opere di Lin sono state anche oggetto di diverse mostre personali a livello nazionale e internazionale (Delaware Contemporary Museum; Walther Collection Ulm; De Sarthe Gallery Beijing; Stieglitz19 Gallery Antwerp; M97 Gallery Shanghai, ecc.) Ha pubblicato libri di fotografia in Cina, Francia, Canada, Giappone e Italia.
Lin è una figura di spicco della nuova fotografia cinese dell’ultimo decennio; ha diffuso il suo lavoro originariamente attraverso i social media e altre piattaforme online, oltre che con le sue zine autopubblicate. Il lavoro di Lin è arrivato a definire un certo “zeitgeist” della generazione di giovani cinesi, non mainstream, post anni Ottanta e Novanta. In mezzo a una società e a un contesto culturale tradizionali, conservatori e spesso chiusi, le fotografie di Lin agiscono come un diario collettivo non privato di una giovane generazione che desidera sfuggire alle pressioni della società . Fiori sbiaditi che si mescolano a toni della pelle, una miriade di motivi che si mescolano con un’ambiguità emotiva fatta di amore e caos, fantasia ed erotismo. Le opere di 223 sono sature di senso di spensieratezza, di un’innocenza giocosa e di un certo ottimismo in mezzo a uno stile di vita edonista che va contro i piaceri e le trappole del sogno della classe media.
Lin Zhipeng offre il suo punto di vista sulla cultura giovanile alternativa nel contesto culturale cinese, spesso conservatore. Le sue fotografie spontanee ritraggono una giovane generazione che si abbandona all’amore e alla vita, oscillando tra l’esultanza e la profonda malinconia, la sessualità e spesso il semplice bisogno umano di essere amati in una società altrimenti indifferente e in continua evoluzione.
Buongiorno, ho scovato questo autore con questo lavoro su una città fantasma in Mongolia. Spero vi piaccia, ciao
Sara
Ordos, nella Mongolia interna, è una città desertica in rapida espansione urbana. La scoperta di grandi riserve di carbone ha dato il via a un investimento governativo di 1,1 trilioni di yuan (161 miliardi di dollari) per la costruzione di una nuova città. Concepita all’inizio degli anni 2000, la visione prevedeva che la città appena completata potesse ospitare un milione di abitanti e fungere da nuovo centro culturale, politico ed economico della regione.
La costruzione è iniziata nel 2004, ma il nuovo distretto non è riuscito ad attirare i residenti e si è rapidamente guadagnato l’etichetta indesiderata di “città fantasma”. I funzionari locali, tuttavia, hanno insistito sul fatto che c’era sempre un piano a lungo termine in gioco e che i progressi sono rimasti sulla buona strada. Nel 2021 la città era occupata al 30% e si dice che il numero sia in aumento, ma è difficile non notare l’inquietante silenzio che regna qui.
Musei d’arte contemporanea, stadi da 80.000 posti, ospedali nuovi di zecca, sono tutti vuoti, come se aspettassero l’arrivo di un futuro lontano. È un ambiente alienante e surreale, manifestazione di una visione poco fantasiosa ma coraggiosa. Cosa riserverà il futuro a questa città così poco comune?
Fotografie di Anthony Reed
Anthony Reed è un fotografo e regista di origine inglese che lavora e vive a Shanghai. La sua pratica esplora l’interpretazione soggettiva dell’ambiente e i rapidi processi di cambiamento in Cina. Nelle sue opere si percepisce il denso tessuto urbano della città. Blocchi di appartamenti stretti, lotti recentemente demoliti, interni abbandonati, individui isolati, grattacieli torreggianti rivestiti di neon. Tutto si combina per rivelare la natura sfaccettata della città. Le persone stanno trasformando il mondo, ma allo stesso tempo ne sono trasformate. Reed si diverte a presentare la trasformazione della “materia fisica” attraverso il tempo, ma anche la solitudine intangibile e immutabile che è legata alle persone nelle grandi metropoli.
Fotografie di Anthony Reed
Per lui, le città sono il luogo in cui le persone sole stanno ammassate. Egli cattura questo contrasto nelle sue immagini ed esplora emozioni astratte con immagini figurative. Cercare senza meta con la macchina fotografica è il suo modo terapeutico di fare fotografia. Il mondo è un luogo fiorente, promettente e talvolta deprimente. La fotografia è il suo meccanismo di reazione per affrontare il mondo. Con milioni di persone che vivono in un unico luogo, le lunghe passeggiate, l’esplorazione e la documentazione sono un modo per registrare queste molteplici facciate del mondo in drastica transizione, non importa se in progresso o in regresso, le immagini rappresentano fette di momenti della memoria collettiva.
L’articolo ha solo scopo didattico e divulgativo. Le immagini sono di proprietà dell’autore e non possono essere riprodotte o utilizzate per scopi commerciali.
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Buongiorno, vi presento oggi questa serie di immagini che mi è piaciuta molto. Spero vi piaccia! Buona giornata
Sara
Fotografia di Bence Bakonyi
Bence Bakonyi è nato nel 1991 a Keszthely. Una delle più grandi città intorno al lago Balaton, in Ungheria. Durante gli anni del liceo ha studiato fotografia da autodidatta. Dopo il diploma è stato ammesso all’Università d’Arte e Design Moholy-Nagy, dove i suoi maestri sono stati, tra gli altri, Gábor Arion Kudász e Mátyás Misetics. I suoi primi lavori sono stati fortemente influenzati dalle opere di Marina Gadonneix e Mathieu Bernard Reymond. All’inizio dei suoi vent’anni ha vissuto in Cina e ha viaggiato in Asia, dove le sue serie di fotografie di scena sono state integrate con fotografie documentarie. Nonostante la giovane età, Bence Bakonyi ha già partecipato a numerose mostre e fiere d’arte ed è rappresentato da molte gallerie in tutto il mondo. Collabora con gallerie di Hong Kong, Parigi, Svezia e Budapest. Le sue opere sono state incluse in mostre collettive organizzate dal Museo Ludwig e dalla Hall of Art di Budapest, in Costa Rica e a Toronto, organizzate dalla Nicholas Metivier Gallery. Ha inoltre partecipato a mostre personali organizzate, tra gli altri, dalla galleria Artify di Hong Kong e dallo Xuhui Art Museum di Shanghai. Per quanto riguarda le pubblicazioni, le sue opere sono state incluse nelle selezioni di The Guardian, Wired, Blink, Étapes Magazin e The Red List. Le opere fotografiche di Bence Bakonyi rappresentano i simboli di libertà, ariosità e transustanziazione. Al di sotto della loro estetica contemporanea e giovane, ci offrono strati interpretativi più profondi. Gli spazi generosi delle sue fotografie e la loro capacità di collegare realtà e fantasia ci allontanano dai problemi della vita quotidiana e indirizzano i nostri pensieri verso le questioni molto più universali e dignitose dell’esistenza umana. Attualmente Bakonyi lavora tra Budapest e il Kuwait.
Fotografie di Bence Bakonyi
Descrizione del progetto
La serie Cognition è stata realizzata a Dunhuang, al confine con il deserto del Gobi, in Cina. La città era un importante punto di controllo per le carovane commerciali dell’antica Via della Seta. Avevo programmato il mio viaggio nel periodo di una settimana di vacanza cinese, dove ho seguito e osservato i turisti presenti per una settimana. Esamino dalla posizione di uno spettatore esterno e distante il tipo di comprensione che è possibile solo attraverso un notevole distacco. Attraverso il particolare punto di vista delle fotografie, cerco di rappresentare lo spirito del gruppo. Non mi concentro quindi sull’individuo, ma sulla comunità: la vediamo muoversi, traccia il suo percorso e quindi il processo attraverso il quale questa massa di persone scopre l’ignoto. Poiché i protagonisti delle fotografie scattate a Dunhuang sono turisti, il paesaggio era altrettanto estraneo e affascinante per loro, quanto lo era per me, quando l’ho documentato.
L’articolo ha solo scopo didattico e divulgativo. Le immagini sono di proprietà dell’autore e non possono essere riprodotte o utilizzate per scopi commerciali.
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Aapo Huhta è un giovane fotografo finlandese nato nel 1985. Dopo aver studiato fotografia presso il Lahti Institute of Arts and Design, ha conseguito un master in fotografia presso la Aalto University of Arts and Design a Helsinki, Finlandia. Nei suoi lavori Aapo Huhta combina elementi di fotografia documentaria ad osservazioni soggettive che nel loro intrecciarsi portano a una gamma di narrazioni ambigue e frammentate. Per mezzo di associazioni, rimandi ed accenni nei lavori di Huhta si vengono a costruire potenti saggi visuali che, servendosi di un vortice visivo metaforico, indagano la componente umana.
Ukkometso, uno tra i suoi lavori più conosciuti, trascina l’osservatore nella contemplazione e comprensione delle fotografie. Ciò che lo ha portato alla realizzazione di questo lavoro è stata l’ideologia della creazione del mondo secondo il folklore finlandese.
Aapo Huhta
“According to Finnish folklore, the world was created out of the shell of a duck egg made of gold and iron. The first human was born after a goddess was impregnated by the wind. According to the same mythology, human life first began in a place called Kalevala, a region now known Kainuu, situated on the western side of the Finnish-Russian border.”[1]
Kainuu potrebbe quindi essere il luogo in cui tutto ha iniziato a prendere vita. Oggi però questo luogo è noto come area con il più alto tasso di suicidio dell’intera Finlandia ed è soggetto a un forte calo demografico. Inoltre è un luogo di estreme tensioni sia dal punto di vista economico con uno scontro costante tra libero mercato e totalitarismo; sia dal punto di vista geografico in quanto punto di incontro tra Oriente ed Occidente.[2] Aapo Huhta, insieme ad altri quattro fotografi, ha deciso di indagare questo luogo e la sua gente. Ognuno ha lavorato in modo autonomo secondo la propria indole fotografica ma, collettivamente, il filo comune delle varie narrazioni fotografiche restavano le storie del folclore finlandese. L’obiettivo comune era quello di trovare una connessione tra il passato mitico e il mondo contemporaneo.[3]
L’ultimo lavoro pubblicato di Aapo Huhta è Omatandangole, fotolibro pubblicato nel 2019 da Kehrer Verlag. Questo progetto è stato scattato tra il 2016 ed il 2018 nei desolati deserti della Namibia. Dopo un periodo difficile dal punto di vista personale Aapo Huhta ha deciso di rifugiarsi nel deserto per prendere le distanze dal suo passato e dalla vita che conduceva in Finlandia. Qui, in Namibia, ha potuto sperimentare in modo creativo lasciando convergere realtà e fantasia. I soggetti ritratti in queste immagini sono tratte dalla realtà ma potrebbe essere state facilmente l’oggetto dei nostri sogni. Le turbolenze personali del fotografo hanno dato vita quasi inconsciamente al progetto che, nel suo evolversi, ha insistito su un piano di narrazione più ampio andando ad indagare le condizioni del degrado ambientale che incombe inesorabile sul mondo naturale. La serie allude ad un futuro imminente in cui la società è devastata dagli effetti provocati dalla crisi climatica che stiamo attraversando. La tematica ambientale è molto cara all’autore ma come lui stesso afferma non è il topic principale di questo progetto seppur è impensabile affermare che non sia parte integrante della narrazione.[4]
Aapo Huhta
Nel 2014, Huhta è stato selezionato come uno dei migliori fotografi Under 30 da Magnum Photos. Inoltre ha ricevuto il premio Young Nordic Photographer of the Year 2015 ed è stato scelto per la Joop Swart Masterclass nel 2016.[5]
Da un’intervista di Karl Ketamo per Urbanautica[6]:
About your work now. How would you describe your personal research in general?
AH: Every project I’ve done has started from some kind of a coincidence and without me trying too much to produce anything. Then by the time it evolves to a direction that somehow feels important to me. So the starting point has never been really clear to me, but after a while I start having the need to understand what I’m doing and that is sort of like a second beginning of the process, when it all becomes conscious. After that it takes more work until I feel totally fed up with the whole thing and can’t reach any higher levels. I assume that is a good time to start building the body of work. But I have done only a few projects so I can’t say that I would be able to see any kind of patterns in my practice yet.
[1] Secondo il folklore finlandese, il mondo è stato creato dal guscio di un uovo di anatra fatto di oro e ferro. Il primo essere umano è nato dopo che una dea è stata impregnata dal vento. Secondo la stessa mitologia, la vita umana iniziò per la prima volta in un luogo chiamato Kalevala, una regione ora nota Kainuu, situata sul lato occidentale del confine russo-finnico.
Buongiorno, oggi presentiamo Lorenzo Zoppolato, giovane e bravo fotografo italiano.
Qui la sua biografia e alcuni dei suoi lavori! Buona visione! Ciao
Sara
Lorenzo Zoppolato
Dal lavoro “Anime salde”
Sono nato a Udine nel 1990. A 19 anni mi trasferisco a Milano dove studio presso la facoltà di Scienze Politiche e allo stesso tempo lavoro come assistente fotografo. Dopo la laurea, lavoro all’interno di una nota multinazionale operante nel campo dell’advertising, ma capisco ben presto che sono altre le storie che voglio raccontare.
Da “Cronache immaginarie di un domatore di cavalli”
Nel 2014, con una curva irragionevole, decido di dedicarmi in maniera esclusiva alla fotografia sperando che anche lei sia d’accordo nel frequentarmi stabilmente. Vinco una borsa di studio presso la Nuova Accademia delle belle Arti di Milano e comincio a lavorare come fotografo professionista. Negli anni immediatamente successivi, oltre a numerosi errori e a molte porte in faccia, ricevo anche alcuni premi e riconoscimenti.
Da “Luce necessaria”
Nel 2015 vinco il primo premio all’International Black&White Photographer of the Year nella “Emerging Talent category” e sono finalista al concorso internazionale Lens Culture “Street Photography Award”. Nel 2017, vinco la borsa di studio “Ernesto Bazan Scholarship Fund for Young Photographers”. Nel 2018 il 1° premio “Portfolio Italia Fiaf”.
Da “Le immagini di Morel”
Nel 2019, primo premio per il miglior portfolio all’ “International Month of Photojournalism” di Padova e finalista al premio “Voglino Italy Photo Award”. Nel 2020 vinco il primo premio nella categoria “Storytelling Award” dell’Italian Street PhotoFestival. Espongo in mostre personali e collettive in gallerie private e spazi pubblici, tra cui SpazioForma a Milano e Museo MACRO a Roma.
Lorenzo sa alterare la realtà che percepisce trasformando l’ordinarietà dei luoghi e delle persone che frequenta in suggestioni visive potenti e coinvolgenti. Vi invito a guardare il suo lavoro e leggere la sua storia. Baci
Sara
Lorenzo Cicconi Massi
Nel 1991 discute la tesi di laurea in Sociologia “Mario Giacomelli e il gruppo Misa a Senigallia”.
Comincia il suo lavoro di ricerca fotografica in bianco e nero. Nel 1999 ottiene il primo premio al concorso Canon. Dall’anno 2000 è uno dei fotografi dell’agenzia Contrasto. Il mensile ARTE lo include fra i 10 giovani talenti del nuovo panorama fotografico italiano. I suoi lavori vengono pubblicati dalle maggiori riviste italiane e da alcune testate europee.
spiaggia, senigallia, 2008
spiaggia, senigallia, 2008
spiaggia, senigallia, 2008
spiaggia, senigallia, 2008
Nel 2007 è premiato nella sezione “sports features singles” al World Press Photo, con un lavoro sui giovani calciatori cinesi. Venerdì di Repubblica gli dedica la copertina insieme ai colleghi italiani premiati.
Sempre nel 2007 riceve il premio G.R.I.N. per la serie sui giovani “fedeli alla tribù”.
Per i 10 anni dalla scomparsa del grande fotografo senigalliese realizza il film “mi ricordo Mario Giacomelli”.
Nell’estate 2011 espone sue opere per la Biennale di Venezia padiglione delle Marche, curata da Vittorio Sgarbi. Espone i suoi lavori a ParisPhoto, rappresentato da Forma galleria.
Nel 2012 ha lavorato per il progetto di Altagamma “Italian Contemporary Excellence” con i più importanti marchi del lusso italiano, in mostra alla triennale di Milano, Shanghai e Tokio, con volume edito da Rizzoli.
altagamma, novembre 2011, marche
altagamma, dicembre 2011, brianza
altagamma, gennaio 2012, marche
altagamma, dicembre 2011, marche
Aprile 2013 ha esposto al Museo Ferragamo di Firenze per la mostra “Il calzolaio prodigioso”.
Del 2016 è la mostra “Le Donne Volanti”, museo Nori De Nobili. Nel 2017 presso Galleria Contrasto Milano e Palazzo Montecitorio inaugurata dalla Presidente della Camera Laura Boldrini.
Marche, Italy
Marche, Italy
Marche, Italy
Marche, Italy
Nel 2017 gli viene assegnato il premio “Scanno dei Fotografi” nell’omonima città abruzzese.
Del 2018 la mostra presso la Certosa di S. Giacomo a Capri “La liquidità del movimento” a cura di Denis Curti.
La Valletta, october 2003 – Malta University – Francesca Schembri and Nestor Laiviera, maltese students La Valletta ottobre 2003 – Università di Malta – Francesca Schembri e Nestor Laiviera
Italy, Senigallia October 2003 – Gianmarco Giglioli (18 years old, student ) , Silvia Fronzi (18 years old, student ), Giulia Marinelli (18 years old, student ), Giulia Luzi Fedeli (18 years old, student ) and Davide Lepore (18 years old, student ) toghether on the beach Senigallia , ottobre 2003 – Gianmarco Giglioli (18 anni, studente ) , Silvia Fronzi (18 anni, studente ), Giulia Marinelli (18 anni, studente ), Giulia Luzi Fedeli (18 anni, studente ) e Davide Lepore (18 anni, studente ) insieme in spiaggia
Senigallia, october 2003 – Marta Belardinelli (25 years old , got a degree in philosophy), Federica Fronzi(31 years old , shop assistant ), Laura Fronzi (26 years old, student in psychology) and Yanne Mattei (26 years old , employee ) Senigallia, ottobre 2003 – Marta Belardinelli (25 anni, laureata in filosofia), Federica Fronzi (31 anni, commessa ), Laura Fronzi (26 anni, studentessa di psicologia) e Yanne Mattei (26 anni, impiegata )
Dell’estate 2018 la mostra antologica “IN ARIA” presso la rocca Roveresca di Senigallia e a Contrasto galleria, Milano.
2019 mostra “viaggio intorno a casa” presso Plenum Gallery di Catania. Vince il premio “Osvaldo Buzzi” a Benevento.
Esordisce al cinema nel 2003 con la regia del film “PROVA A VOLARE” con Riccardo Scamarcio, Ennio Fantastichini ed Antonio Catania
